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Obras de arte primer trimestre

Prehistoria
1- Bisonte cueva de altamira

1) Arte Paleolítico
2) Paleolítico Superior (35.000 – 8.000 a.C.)
3) Arte Rupestre o parietal zona franco-cantábrica
4) Autor anónimo
5) Materiales: pigmentos naturales mezclados con resina animal

Marco histórico – geográfico: Las principales características socio-económicas de este periodo son
la economía depredadora, el nomadismo, división sexual del trabajo, no había acumulación de
riquezas y apareció la figura del sacerdote-chaman.

Características de la pintura : Pintado en la pared aprovechando la irregularidad de la misma para


darle más realismo al bisonte. En cuanto a los colores usados destacaban el negro el rojo y el ocre,
las figuras no representaban escenas conjuntas sino que eran imágenes aisladas sin relación alguna.
El tema elegido es un animal muy común por aquel entonces.

Justificación : La magia simpática, en aquella época los humanos prehistóricos pensaban que era
posible influir en el hombre o animal del que se poseyera la imagen por lo que el principal objetivo
que tenían al pintar un bisonte era cazarlo para poder comérselo (de ahí que le pinten las piernas
mas delgadas y débiles que el resto del cuerpo)

2- Dolmen de Antequera
1) Arte prehistórico
2) Edad de los Metales
3) Megalitismo
4) Monumento funerario

El dolmen de Menga es un dolmen de galería cubierta y planta casi rectangular. La zona


considerada como “cámara sepulcral”, al fondo, está compuesta por 7 ortostatos a cada lado y uno
al fondo. El conjunto se cubre con cinco enormes losas, siendo la última la más grande, de unos 6
metros de longitud por 7 de lado, y un peso aproximado de unas 180 toneladas. Estas losas del
techos son tan enormes que se pusieron tres pilares de sección cuadrada centrales como apoyo
complementario. Está cubierto, como los otros dos monumentos antequeranos, por un túmulo de
tierra. Es uno de los dólmenes más espectaculares de la península Ibérica y, probablemente, de toda
Europa. Tallados en la roca de la entrada se encuentran unos enigmáticos símbolos ideomorfos, que
se han encontrado también en diversas cuevas de la Península Ibérica.

Egipto

3- Las Pirámides de Giza


1) Arte egipcio
2) Arquitectura adintelada o arquitrabada
3) Material: piedra trabajada en grandes sillares
4) Evolución a partir de la mastaba
5) Colosalismo: Símbolo del poder del faraón
6) Compuesto por 3 pirámides principales la de Keops, la de Kefren y la
de Mikerinos.

La pirámide de Keops, considerada una de las siete maravillas del mundo, tiene una altura de 146,3
metros, cada lado mide 230 metros. Ocupa una superficie de 54.000 metros cuadrados y tiene un
volumen de 2.500.000 metros cúbicos. Las obras duraron 20 años.

Estas construcciones constan de los siguientes elementos:


– La entrada
– El corredor
– Una cámara falsa
– Cámara de la reina
– Gran cámara

Las cuatro caras de las pirámides se orientaban a los cuatros puntos cardinales. Era una tarea dura
ya que debía traer las piedras desde sitios muy lejanos.

4- Templo de karnak
1) Arte egipcio
2) Arquitectura adintelada
3) Imperio Nuevo: 1403- 1365 a.C,)
4) Material empleado: piedra
5) Importancia de la columna como soporte, variedad de capiteles
6) Importancia de la decoración (horror vacui)
7) Colosalismo

El templo egipcio al igual que el griego y el romano, no es un espacio al que pueda acceder el
pueblo, sino que estaba reservado a los sacerdotes y al faraón. Todos los templos repiten el siguiente
esquema:

– La avenida: en la que se colocaban esfinges de piedra


– El obelisco
– Los pilonos : dos muros de forma trapezoidal que indicaban el ingreso en el templo. Su
superficie estaba decorada con relieves
– El patio: espacio construido con columnas el pueblo tenia acceso hasta aquí.
– El santuario: sala en la que reside la imagen del dios, a la que se bañaba ritualmente, ungía y
ofrecía alimentos.
– Las salas van disminuyendo la altura hacia el interior por lo que dentro había poca luz.

5- La triada de Mykerinos
1) Arte egipcio
2) Imperio antiguo Dinastía IV
3) Material Pizarra
4) Alto relieve
5) 92 cm de altura

Contexto Histórico
El arte egipcio se encuentra condicionado por una serie de elementos:
-La influencia del Nilo y el culto a la Naturaleza: el Nilo atraviesa las tierras de Egipto
regándolas,permitiendo el desarrollo de la agricultura que constituye la base económica de este
pueblo. La naturaleza inspira las formas de los elementos de la arquitectura, las decoraciones
murales recrean escenas de la vida agraria como la vendimia.
-La religión: sus dioses se representan con cabeza de animal y cuerpo de hombre porque los
animales eran considerados sagrados. Egipto cree en la vida más allá de la muerte; el Ka era una
alma que se fundia con los despojos vitales del cuerpo en que había morado, otras se escapaban. El
cuerpo permanencía intacto, por lo que se procedía a la momificación. Para alberga los cuerpos se
construyen las mastabas y más tarde las pirámides.
-La organización social: el faraón, la mano de obra estaba integrada por el pueblo al servicio del
faraón que se encontraba en cúspide de la organización social.

Análisis: Es una escultura egipcia hecha en pizarra, con 92 centímetros de alto. Esta hecha para ser
vista de frente, por lo que sigue la ley de la frontalidad, en este caso es un grupo en alto relieve. Es
una figura estática, rígida, es decir, que no tiene movimiento y lo podemos ver en la línea de los
hombros y la cadera que son paralelas y los brazos pegados al cuerpo con los puños cerrados. El
modelado del cuerpo es suave, por lo que no se le marcan los músculos. La técnica utilizada es la
talla en piedra. Las figuras están bien proporcionadas mostrando gran armonía entre sus partes,
siendo el canon de la figura de dieciocho puños.
El rostro carece de expresión alguna(hieratismo). Y otra característica son los atributos
iconográficos, muy claros en la indumentaria de gran sencillez. El faraón solo está tocado con la
corona Blanca Real,es decir la corona del Alto Egipto, barba postiza y un faldellín o falda egipcia
real. Las otras dos figuras visten una ajustada túnica casi transparente y la Diosa Hathor lleva sobre
la cabeza unos cuernos. Para terminar vemos la gerarquización que depende el tamaño de cada
personaje se le da más importancia, en este caso es el faraón y la Diosa Hathor que aparte de ser los
más altos, también tienen un pie adelantado, lo que quiere decir que pasan a un primer plano o ala
importancia que tienen.

Mesopotámia

6- Zigurat de Ur

1) Arte Mesopotámico
2) Arquitectura abovedada
3) Materiales: adobe y ladrillos
Marco histórico-geográfico: Esta zona de Oriente Próximo se compone de grandes extensiones de
tierras desérticas y montañosas que rodean un amplio valle cruzado por dos ríos: el Tigris y Eufrates
. Los griegos llamaron a esta zona Mesopotámia “entre dos ríos”
Se organizaron en ciudades-estado independientes.
Los primeros habitantes fueron los sumerios, posteriormente llegarían los acadios, babilónicos etc
El zigurat de Ur surgió en medio de la más alta cultura entonces existente. No estaba
completamente aislado. Incluso hoy se ven desde su cúspide los zigurats de Eridu y de Al'Ubaid. Se
alzaba en un paisaje urbano y agrícola, bien regado por numerosos canales (...) n aquella época el
Éufrates pasaba por delante de los dos puertos de la ciudad de Ur. No lejos de allí se unía al Tigris,
y poco después desembocaba en el mar cerca de Eridu, que estaba unida a Ur por un canal. Por
consiguiente Ur, situada en el punto estratégico más alto de este país llano, estaba destinada a
convertirse en la capital del Estado civilizado más antiguo. El zigurat de Ur fue uno de los primeros
que atrajeron la atención de los arqueólogos. Ya en 1854 J.E. Taylor, cónsul británico en Basora,
emprendió las excavaciones, pero los grandes descubrimientos fueron hechos entre 1922 y 1934 por
Woolley. Debajo del zigurat halló partes de edificios que se remontaban a miles de años atrás.
El período de la III Dinastía de Ur, que vio la forma clásica del zigurat, corresponde al apogeo
definitivo y máximo esplendor de Sumer, después de un largo período de servidumbre. Ninguno de
sus soberanos fue más renombrado que Ur-Nammu, fundador de la dinastía y constructor de los
zigurats de Ur, Eridu, Al'Ubaid y Nippur. (...) Como todos los edificios religiosos de Mesopotamia
desde el comienzo hasta el final, el zigurat fue erigido en sentido diagonal a los puntos cardinales,
aunque como en el caso de los templos, la planta rectangular (aquí 56 x 52 metros) hizo esta
orientación sólo aproximada.
Ur-Nammu (...) cubrió el suelo de la primera terraza con una capa de ladrillos cocidos, de 2,5
metros de espesor. Su soberbia fabricación les ha permitido durar hasta hoy, y es a esos ladrillos a
los que debemos la supervivencia de la forma original del zigurat de Ur. (...) Es también el zigurat
más primitivo con terrazas, nichos y paredes inclinadas tan maravillosamente conservados. Estas
últimas se elevan hasta una altura de 15 metros sobre el patio en el cual se alza el zigurat. Les
seguían una segunda y una tercera terrazas hasta alcanzar una altura total de 21,33 metros.(...)
Apoyadas contra la pared noroeste, dos escaleras simétricamente opuestas descienden
majestuosamente hasta el patio del templo. La escalera principal, en el eje central del zigurat,
sobresalía de la estructura y se unía con las dos escaleras laterales al nivel de la primera plataforma,
donde era coronada por una poterna. A partir de aquí la escalera central se hacía más estrecha y
conducía a la plataforma superior. Todo esto creaba una magna perspectiva para las procesiones
sacerdotales. Un enorme pilar incrustado en el cuerpo del zigurat soportaba el tramo de escaleras.
(...)
La amplia escalera central se iniciaba muy lejos del cuerpo del zigurat y continuaba hasta la
plataforma superior. La idea de una escalera entre el cielo y la tierra quedaba así maravillosamente
plasmada. No fue la satisfacción de necesidades puramente materiales, sino el deseo de una
realización simbólica del vínculo entre dios y hombre lo que dio origen a esta nueva y expresiva
forma arquitectónica." (Giedion, S., ob, cit., págs. 228 ss)
7- Relieve Leona Herida

1)Arte Mesopotámico.
2) Escultura Mesopotámica.
3) Material: relieve sobre alabastro.
4) Representa la escena de caza de leones.
5) Fue hecha en el siglo VII a.C

Los relieves asirios podemos considerarlos una de las aportaciones artísticas más importantes del
Próximo Oriente. En primer lugar constituyen un registro narrativo de un enorme interés histórico,
porque relatan visualmente y de forma fidedigna todo tipo de acontecimientos, lo mismo hechos de
armas y campañas militares, que escenas de carácter cotidiano. Pero también tienen un gran interés
desde el punto de vista puramente artístico: no faltan recursos plásticos de representación variados y
a veces complejos: la movilidad de las escenas; el sentido del movimiento que adquieren las
figuras; la representación figurativa de los cuerpos, tanto de animales como de personas, que resulta
muy naturalista en muchas ocasiones; y sobre todo su extraordinaria capacidad expresiva, si no tan
evidente en las figuras humanas, sí en las de los animales. Aún así no faltan convencionalismos
tradicionales: como la ausencia de perspectiva, la proyección de la profundidad a través de la
repetición de perfiles o miembros, o la narración en registros, que también se utiliza en ocasiones.

Grecia
8- Partenón

1) Arte griego
2) Arquitectura adintelada o arquitrabada
3) Materiales empleados : principalmente el mármol aunque la
techumbre contenía madera, y las grapas eran metálicas.
4) Se realizaron una serie de correcciones ópticas para conseguir la
perfección, belleza y armonía.
5) Períptero
6) Octástilo
7) Anfipróstilo
8) Templo dórico

Marco histórico-geográfico:La civilización griega se desarrolló en un conjunto de tierras que recibió


el nombre de “Hélade” y que abarca la Península de los Balcanes, las islas del Mar Egeo y las
costas de Asia Menor. Además también se extendió por las colonias que los griegos fundaron a lo
largo del Mediterráneo, destacando Magna Grecia al sur de la Península Itálica.
Debido a las características geográficas el pueblo griego no logró una unidad política territorial,
basándose su organización en ciudades-estado independientes, que se llamaron polis.
La base de su economía fue agraria, aunque pronto el comercio se convirtió en la actividad
principal, sobre todo cuando, durante los siglos V-VII a de C., la emigración de gentes humildes por
falta de tierras para el cultivo en Grecia, dio lugar a la fundación de importantes colonias por todo el
Mediterráneo.
Se trata de una sociedad esclavista donde casi todo el trabajo es realizado por mano de obra esclava
procedente del botín de guerra o de deudas contraídas e impagadas por hombre libres.

El diseño del Partenón estuvo condicionado inicialmente para albergar la imagen de oro y marfil de
Atenea Parthenos, esculpida por Fidias. La colosal estatua de doce metros de altura precisaba de
una inmensa cella de más de 18 metros de anchura, dividida en tres naves mediante una doble
columnata conformada por dos órdenes superpuestos de estilo dórico. La nave central medía diez
metros de anchura. Dentro de la cella del lado este, la columnata se dispuso en forma de "U" y
estaba compuesta por nueve columnas con un entrepaño entre cada una de ellas, en los lados largos
de la "U". Tres columnas con dos entrepaños formaban el lado corto.
En la zona oeste, al fondo del interior de la columnata de cuatro columnas, existía el basamento de
la estatua, para el culto a Atenea Parthenos con un amplio estanque, poco profundo, que producía un
efecto de brillo mediante el agua frente a ésta. Ambas cellas estaban cerradas por puertas de bronce.
La cella del este estaba dedicada a Atenea Polías (protectora de la ciudad), y la cella del oeste estaba
dedicada a Atenea Párthenos, "la virgen", por lo cual todo el edificio acabó siendo conocido como
el Partenón.
La decoración escultórica del Partenón es una combinación única de las metopas (esculpidas en
altorrelieve extendiéndose por los cuatro lados externos del templo), los tímpanos (rellenando los
espacios triangulares de cada frontón) y un friso (esculpido en bajorrelieve abarcando el perímetro
exterior de la cella). En ellos se representan varias escenas de la Mitología griega . Además, las
diversas partes del templo estaban pintadas de colores vivos. El Partenón es, sin duda, el máximo
exponente del orden dórico, como se puede apreciar en el diseño del friso o sus columnas.
Las metopas representaban la gigantomaquia en el lado este, la amazonomaquia en el oeste, la
centauromaquia en el sur, y escenas de la guerra de Troya en el norte. Cada tímpano del templo
tenía una escena mitológica: al este, sobre la entrada principal del edificio, el nacimiento de Atenea,
y al oeste, la lucha entre Atenea y Poseidón por el patrocinio de la ciudad de Atenas. El friso
mostraba la representación de la procesión de las Panateneas, el festival religioso más importante de
Atenas. La escena se desarrolla a lo largo de los cuatro lados del edificio e incluye figuras de dioses,
bestias y de unos 360 seres humanos.
Esta construcción es uno de los ejemplos más claros del saber en geometría por parte de los
matemáticos y arquitectos griegos. Es octástilo y períptero –que tiene columnas en todo su
perímetro–, ocho en las dos fachadas más cortas y 17 en las laterales. Consta de una doble cella con
pronaos y opistodomo, pero con próstilo de seis columnas.
Los arquitectos consiguieron que el efecto visual que mostrara el Partenón no permitiera apreciar la
antiestética deformación que se percibe al situarse en las proximidades de los grandes monumentos.
Lograron obtener el efecto visual más estético con certeras alteraciones en su construcción:
columnas con éntasis, un poco curvadas hacia el centro, no equidistantes, y algo más gruesas en las
esquinas; frontón levemente arqueado y estilobato ligeramente convexo.

9- Policleto: Doríforo

1) Arte griego
2) Escultura periodo clásico
3) Se perdió el original pero se posee una copia en mármol
4) Posee un ritmo cruzado denominado contraposto

Es la representación de un joven en el máximo desarrollo de su fuerza muscular, sin que la figura


muestre ningún rasgo de niñez. Representa a una figura desnuda masculina joven en actitud de
marcha, con una lanza sobre el hombro izquierdo, la cabeza ligeramente ladeada hacia la derecha y
con una leve sonrisa en el rostro, acompañada de una mirada perdida y distante.

Esta obra, a pesar de ser considerada [[escultura griega#Período clásico|clásica]], conserva aún
rasgos de un cierto [[escultura griega#Periodo arcaico|arcaísmo]]: está tallada con cierta rudeza, los
músculos de los pectorales son planos, sin apenas relieve, y las líneas de cadera y cintura están
perfectamente marcadas. El movimiento de la figura está perfectamente acompasado, con una
pierna avanzada hacia delante y la otra un poco más retrasada, a imagen de los ''[[kuroí]]'' de la
época precedente.

La belleza del Doríforo reside primordialmente en su proporción y medida. La pierna derecha es la


que soporta el peso del cuerpo estando firmemente apoyada en el suelo, recta y comprimiendo así la
cadera; la pierna izquierda en cambio no soporta apenas peso alguno y retrasada toca el suelo con la
parte anterior del pie, apoyando solamente los dedos.

En la parte superior el esquema funcional de los miembros está cambiado: el brazo derecho no
realiza ningún esfuerzo y cae relajado a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo izquierdo se
dobla para sostener la lanza que originalmente portaba, el torso presenta una ligera inclinación hacia
el lado derecho y la cabeza gira en ese mismo sentido inclinándose levemente. A esta posición del
cuerpo de le denomina postura de [[Contraposto]].

Fue realizado para ser visto de frente, por ello se marca claramente el eje vertical, pero Policleto
rompió con el concepto tradicional de [[simetría]] oponiendo las partes del cuerpo respecto del eje,
sometiéndolas al servicio de la totalidad.

Es la obra más famosa esculpida por Policleto, pues en ella el artista griego concretó el [[canon de
belleza]], de 7 cabezas, considerada como el modelo de proporciones del cuerpo humano y la
plasmación práctica del sistema de proporciones. La cabeza tiene la medida justa (una séptima parte
de la altura total), el vientre y el pecho están muy marcados y presenta una cierta rigidez y algo de
exageración antinaturalista en los pectorales e ingles (principio de la [[diartrosis]]).

De esta obra, como de la mayoría de obras griegas, no nos ha llegado más que algunas copias en
[[mármol]] de un original en [[bronce]]. La copia mejor conservada se encuentra en el [[Museo
Arqueológico Nacional de Nápoles]].
10- Afrodita saliendo del baño

1)Arte griego
2)Escultura periodo clásico
3)Autor : Praxiteles
4)Se perdió el original
5)Se poseen numerosas copias

La Venus de Cnido, Afrodita de Cnido o Afrodita Cnidea es una de las más célebres esculturas
del escultor griego Praxiteles y una de sus primeras obras, realizada en Atenas en torno al año 360 a.
C. La escultura representa a la diosa griega del amor (principalmente en su acepción del amor
erótico), la belleza y la fertilidad femenina de Afrodita, prestándose a realizar, o tras haberlo
efectuado, el baño ritual de las Eleusiadas. Tal escultura estaba destinada a exornar el naos de un
pequeño templo de dos aberturas a lo largo de un mismo eje, o quizá para ubicarse en un templete
monóptero en la ciudad helénica de Cnido (en Caria, Anatolia). Se la llamó Knidia o Cnidia porque
fueron los habitantes de esta ciudad quienes adquirieron la estatua después de que los de la ciudad
de Cos la rechazaran y compraran a Praxíteles una versión en la cual, la diosa estaba vestida de
forma «más púdica y severa».
La Afrodita de Cnido, para la cual sirvió de modelo Friné, fue representada desnuda en actitudes
personalmente íntimas. Tal actitud recibió el nombre de replegamiento intimista y se utilizó
principalmente en la Antigüedad tanto por Praxíteles como por Escopas para representar a
divinidades y personajes míticos en poses particularmente despreocupadas.
La obra de Praxíteles se hizo rápidamente famosa y fue muy venerada: Plinio el Viejo relata que un
joven se enamoró de la escultura (notar, que como todas las otras esculturas clásicas, la misma
estaba pintada imitando lo más perfectamente posible al ser humano vivo). Se trata de una de las
esculturas que posee mayor número de copias y variantes.
La desnudez en la Afrodita Cnidia es un buscado y logrado elemento de erotismo: la seducción ha
sido acentuada merced a la tersura que se ha obtenido en el fino labrado del mármol que constituye
a la estatua. Tersura realzada por las curvilíneas y suaves (mórbidas) formas, grácilmente femeninas
del cuerpo. Formas que se "mueven" con un perfil sinuoso (en "S"). La representación toma, en
efecto, a Afrodita cuando presta al baño, deja caer casi lánguidamente sus vestiduras sobre una
hydrya (gran ánfora para agua) que está a su costado. La vestidura y el ánfora, pese a la impresión
opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural, de manera que así el cuerpo
puede "rotar" ligera y levemente hacia adelante y hacia la izquierda, casi en un gesto de, instintivo
aunque despreocupado, pudor. Como si la diosa hubiese sido sorprendida en tal pose por un extraño.
Por ello, "lleva" su mano diestra delicadamente a cubrir incompletamente el pubis.
La obra original desapareció durante un incendio ocurrido durante la rebelión de Niká en
Constantinopla, ciudad a la que la había hecho transportar el emperador Teodosio. A pesar de ello,
se mantienen numerosas copias.

11- Apoxyómenos

1) Arte griego
2) Periodo Clásico
3) Autor: Lisipo
4) Material: Mármol

Se trata de una copia romana en mármol de un original en bronce realizado por el escultor del
clasicismo griego Lisipo en el siglo IV antes de Cristo, que se encuentra en el Museo Vaticano.
Recogiendo la tradición que viene del período arcaico, consagrada en el siglo V a. C. por Policleto,
representa a un atleta desnudo, pero en vez de hacerlo en un momento de triunfo, lo hace realizando
un acto cotidiano, limpiándose el sudor, el polvo y el aceite con el que estaba cubierto el cuerpo tras
acabar su participación en los juegos, mediante el “strigiles”, una especie de espátula usada para
esta tarea. Según fuentes antiguas, era el retrato de Agias, atleta y aristócrata de Tesalia del S. V a.
C. que fue encargado por un descendiente suyo para un monumento a sus antepasados.
Se trata de un nuevo tipo de atleta, que difiere del establecido en el siglo anterior por Policleto. La
cabeza es menor que la establecida en el siglo V a. C. y las proporciones del cuerpo mucho más
esbeltas, ya que ahora la altura total se corresponde con ocho veces la de la cabeza, mientras que en
siglo anterior, la correspondencia era de siete cabezas. Otra novedad es que el cuerpo es más
flexible y nervioso y además, en la cara hay una mayor expresividad, una naturalidad inexistente
hasta el momento en las representaciones atléticas, mostrando una arruga en la frente y sombra en
los ojos dejando entrever tal vez el cansancio o la preocupación por la carrera, frente a la ausencia
de cualquier tipo de emoción que caracterizaba a la estatuaria del siglo anterior.
Además del cambio en el canon, Lisipo muestra otra novedad significativa, ya que tras el largo
camino emprendido por la escultura griega desde el período arcaico buscando la inserción de la
estatuaria en el espacio, la captación del pleno volumen, el maestro lo logra en esta obra, que debe
contemplarse desde diferentes puntos de vista para poder ser captada en su totalidad. Ha conseguido
la estereometría. Lo ha hecho de la siguiente manera: el brazo derecho estirado avanza hacia el
plano del espectador ofreciéndole un escorzo pronunciado, mientras que el izquierdo doblándose
por delante del torso realiza la tarea de limpiarse, con lo que impide que una parte del cuerpo se
contemple si el espectador permanece inmóvil; la pierna derecha está inclinada hacia atrás en un
plano diferente al resto de las otras partes del cuerpo; el contraposto que muestra ya no solo afecta
al alineamiento de la columna y a la posición de la cadera y pierna, sino que además el cuerpo
aparece girado rotando ligeramente hacia su derecha, mientras que los hombros se muestran
inclinados hacia la izquierda y el cuello con la cabeza girados hacia la derecha. Parece haber
acabado de pasar de una postura a otra, de apoyar el peso en un pie, al opuesto. Todo ello obliga a
moverse alrededor de la figura, solo así puede captarse en su totalidad, ya que su visión varía por
completo según se gira en torno a la misma.
En los rostros repite “maneras de hacer” que vemos en otras obras suyas, como el dibujo de la
cabeza más redondeado que el óvalo anterior, las mejillas prominentes, los ojos profundos, el
cabello desordenado creando claroscuro con los mechones rizados, etc. Se dice que está a medio
camino entre la “gracia” de Praxiteles y el “pathos” de Scopas. Lisipo fue uno de los retratistas
preferidos por Alejandro Magno, autor de sus retratos áulicos.

12- Laoconte y sus hijos


1)Arte griego
2)Periodo helenístico
3)Material: mármol
4)Autores pertenecientes a la escuela de Rodas

La obra está enmarcada dentro de una composición de figura piramidal, y la mejor posición para su
observación es la frontal; la obra representa las emociones humanas en su máxima expresión
patética. Es, junto al gran altar de Zeus y Atenea de Pérgamo un ejemplo de la escultura
escenográfica helenística de un dramatismo más extremado.[27] Desde el Renacimiento, este grupo
es representativo del arte antiguo y de la corriente académica y barroca del arte helenístico.[28]
La expresión de culpabilidad y el gran dramatismo de Laocoonte, que hace contorsiones en
dolorosa agonía, son estremecedores. Dentro del grupo, las dos serpientes monstruosas, que se
enroscan para matar de acuerdo al castigo impuesto por los dioses, forman parte de la composición
visual del grupo, y con sus líneas curvas consigue la unión entre todos los personajes, hecho que
ayuda a mostrar la dinámica que se desprende del grupo. Hay una voluntad de exagerar el efecto
teatral de la anatomía, más acentuado que el altar de Pérgamo, y se añade el dolor moral de
Laocoonte al presenciar la muerte de sus dos hijos.
Describe a Laocoonte como un espectáculo de la naturaleza humana sometida al mayor dolor de
que es capaz de soportar. Este dolor hincha sus músculos y pone en tensión sus nervios, pero en su
frente se ve la serenidad de su espíritu. Su pecho se eleva para tratar de contener el dolor y a través
del vientre comprimido se puede ver el movimiento de sus vísceras. Sus hijos lo miran pidiéndole
ayuda y él manifiesta su ternura paternal en su mirada tierna de unos ojos que se dirigen hacia el
cielo implorando ayuda de los dioses. La abertura de su boca tiene un movimiento que expresa
ataraxia e indignación por la idea de un castigo inmerecido.

Roma
13- Panteón Romano

1) Arte romano
2) Materiales: piedra, ladrillo y mármol
3) Combinación de los sistemas constructivos adintelado y abovedado
4) Columnas orden corintio
Marco histórico-geográfico: El arte romano se extiende por todos aquellos territorios que formaron
parte del imperio romano, es especialmente importante en España, sur de Francia, norte de África,
Mediterráneo Oriental y por supuesto Italia.
El mundo romano formará una única unidad política, el imperio con capital en Roma.
La organización de este gran imperio obligará a los romanos a desarrollar un gran realismo político
y un sentido práctico que se refleja en el arte.
A medida que se orientalize el arte perderá naturalismo y proporcionalidad optando por una mayor
abstracción y colosalismo.
Esta obra se llama el Panteón de Agripa. Su autor es Apolodoro de Damasco, que lo construyó por
manato del emperador Adrián. Data de el año 27 a. C y es una muestra muy importante de la
arquitectura romana.
El Panteón consiste en una planta circular de un diámetro de 43,2 metros, que coincide con su
altura, precedido por un pórtico octastilo.
Sobre las ocho columnas del pórtico se alza el entablamento y sobre éste el frontón, que en este
caso tiene un tímpano liso característico de la arquitectura romana, que se divide en tres naves, la
central abovedada y las laterales adinteladas.
Los materiales principales en su construcción, son la piedra de sillería, el ladrillo, y el mármol, que
servirá para crear una rica decoración y para cubrir las zonas más nobles, la cúpula esta hecha de
hormigón.
Esta construido con la combinación de un sistema abovedado y adintelado, es decir, destaca la
existencia de arcos y bóvedas, pero también predominan las columnas y las líneas rectas, sobre todo
en el pórtico principal.
Los arcos existentes son arcos de medio punto y la bóveda del pórtico es de cañón, mientras que la
bóveda interior es una cúpula, por su forma esférica.
Las columnas pertenecen al orden corintio.
La decoración interior fue muy rica, con revestimientos de mármoles de colores y la cúpula
interiormente decorada con casetones que disminuyen su tamaño en altura.
El exterior también estría muy decorado, e incluso la cúpula revestida de bronce.
La iluminación procede de un óculo central de 9 metros de diámetros situado en la parte más alta de
la cúpula, y también de unos pequeños vanos abiertos en el anillo que sirve como base de la cúpula.
La armonía de la obra está conseguida por una perfecta proporción matemática.
Este edificio estaría erigido a todos los dioses, de ahí su forma circular.
Es muy importante porque con esta construcción los romanos llegaron a una perfección técnica
inigualable al resolver problemas por un lado de peso y de empuje, y por otro de estructura, que no
hubieran sido posible resolverlos antes.
El peso de la bóveda y su sujeción se resolvió haciendo recaer todo el peso de la cúpula en unos
pilares muy gruesos que se encuentran dentro del muro y que recogen el peso de tal forma que entre
ellos se permiten abrir espacios que servirías de capillas, aligerando el peso del muro. En segundo
lugar utilizaron para la construcción de la cúpula materiales muy ligeros. En tercer lugar se redujo
el grosor de la cúpula desde la base hasta el óculo central.
El templo también recibe el nombre de Mausoleo de Adrián, en honor al emperador que lo mandó
construir.
Interiormente se han mantenido en el Panteón las líneas de la arquitectura griega, combinadas con
las bóvedas características de la construcción romana. La misma mezcla se puede ver en los grandes
edificios religiosos de la época siguiente: en el templo de Antonio y Faustina, en el Foro romano, en
el templo del Sol, en el Quirinal y en el grandioso templo de Neptuno en Roma, donde está
instalada actualmente la Bolsa de Roma.
La obra se encuentra en perfecto estado de conservación.
Se habilitó para iglesia, y fue reedificado en tiempo de Adrián. Está junto a las antiguas termas de
Agripa, de las cuales emergen todavía restos del suelo en las excavaciones de la parte posterior.
El pórtico del Panteón, con sus robustas columnas de Pórfido, debió de ser el mismo de las teras de
Agripa; por esto Adriano respetó el nombre del gran ministro de Augusto en el friso de la fachada.
Fue el modelo del que aprendieron los arquitectos del Rnacimiento; de su cúpula tomó sus
proyectos Brunelleschi, el autor de la primera cúpula moderna, y se conservan los dibuos de Rafael,
deliciosos croquis que el gran pintor y arquitecto tomó del edificio romano.

14- El Coliseo
1)Arte romano
2)Materiales: hormigón, ladrillo, piedra, toga...
3)Sistema abovedado

Conocido también como “anfiteatro Flavio”, se trata de un anfiteatro, es decir un edificio que en la
antigua Roma era el lugar en el que se desarrollaban las luchas entre fieras, hombres contra fieras y
los combates de los gladiadores, e incluso algunos de ellos podían albergar también
representaciones de batallas navales (naumaquias), siendo éste un ejemplo de ese tipo de
construcciones, aunque esto se hiciese antes de construir las dependencias situadas bajo la arena,
realizadas en tiempos del emperador Domiciano. Fue construido por la dinastía Flavia, durante el
reinado del emperador Vespasiano, a lo largo de los años 70, siendo inaugurado por su hijo Tito en
el año 80 después de Cristo. Su aforo era de cincuenta mil espectadores y se levantó en el centro de
la ciudad, lo que es destacado, ya que normalmente este tipo de edificios solía situarse en las
afueras.
Su arquitecto nos es desconocido, hecho frecuente en el arte romano, pues las obras se conocen no
por su autor, sino por el emperador de turno, al que losedificios pretenden glorificar, como perfecto
ejemplo de “arte áulico”. Los materiales constructivos eran variados, como es característico en la
arquitectura romana, usando hormigón, ladrillo, piedra, toba, etc. La planta es elíptica, resultado de
unir dos semicírculos (de ahí le viene el nombra de anfiteatro, ya que en Roma, el teatro tenía planta
circular).
En el interior se distinguen dos partes. La primera está constituida por la arena, o terreno de juego,
una especie de plataforma de madera cubierta de arena, bajo la que se situaba un entramado
deconstrucciones subterráneas, con jaulas para las fieras, estancias para los gladiadores,
montacargas para trasladarlos arriba, etc. La segunda parte es la cávea, el lugar reservado a los
espectadores, es decir una construcción de graderío con los distintos pisos comunicados entre sí
mediante corredores cubiertos por bóvedas de cañón y de aristas. Se accedía desde los pasillos hasta
las gradas a través de unas aberturas abiertas en las mismas, llamadas “vomitorios”, para facilitar el
tránsito y trasiego de la gran cantidad de espectadores que entraban en el edificio. El graderío estaba
jerarquizado, reservándose el espacio cercano a la arena al emperador y a su séquito y después, a
medida que se ascendía y la vista era peor, iba descendiendo el status social de los asistentes.
Técnicamente la cávea supuso un enorme avance y esfuerzo constructivo, no solamente por el
entramado de bóvedas, sino porque éstas se construyeron con cimbras de madera, sobre las que se
vertió directamente la argamasa de cemento.
En el exterior, la fachada se divide en cuatro pisos y cada uno de ellos aparece como una serie de
galerías de arcos de medio punto con semicolumnas adosadas en los espacios intermedios. Se usa
un orden distinto en cada uno de los pisos, toscano (variedad romana del orden dórico griego que
consiste en que la columna arranca de una basa y el fuste es liso), jónico, corintio y compuesto
(invención romana que consistía en una mezcla del orden jónico y del corintio). Esta superposición
de órdenes era frecuente en el arte romano y será una de las grandes aportaciones de su arquitectura
al arte occidental, consagrada desde el Renacimiento. En las arcadas de los pisos segundo y tercero
se colocaban estatuas. La construcción se completaba con una serie de mástiles que servían para
instalar toldos para proporcionar sombra a los espectadores.

15- Augusto de Prima Porta

1)Arte romano
2)Copia en mármol
3)Se basa en el Doríforo de Policleto
4) Policromada (aun quedan restos de los colores)

Augusto de Prima Porta es una estatua de César Augusto que fue descubierta el 20 de abril de 1863
en la Villa de Augusto, Prima Porta, Roma. Se trata de una copia en mármol de la estatua en bronce
anterior. Hoy se exhibe en el Braccio Nuovo de los Museos Vaticanos.
La estatua es una imagen idealizada de Augusto que se basa en el Doríforo de Policleto del siglo V
a.C. Acoge la forma de contraposto de esa escultura, creando diagonales entre los miembros tensos
y los relajados, es un rasgo típico de la escultura clásica.
Se trata de una figura de bulto redondo, tallada en mármol, y que aún conserva restos de dorado,
púrpura, azul, y otros colores con los que fue policromada.
Es, evidentemente, un retrato, de cuerpo entero, del emperador Octavio Augusto, personificado
como thoracatus —o jefe supremo del ejército romano—, que debió formar parte de un monumento
conmemorativo de las últimas victorias del emperador. Augusto aparece en pie, con indumentaria
militar, sosteniendo un bastón de mando consular y levantando la mano derecha, mostrando la
corona de laurel del triunfo a sus tropas. Su coraza tiene relieves alusivos a diversos dioses
romanos, entre ellos, Marte, el dios de la guerra, así como las personificaciones de los últimos
territorios conquistados por él: Hispania, Galia, Germania, Partia (persas de la frontera del Eufrates
que habían humillado a Craso, y aquí aparecen devolviendo los emblemas robados a aquellas
legiones); sobre ellos, el carro del Sol, ilumina los pasos de Augusto.
La estatua está claramente inspirada en el Doríforo de Policleto, aunque con algunas modificaciones
que recuerdan cierto retrato romano de época republicana conocido como El Orador. Sin embargo, a
pesar de la influencia republicana, el estilo de este retrato está más cerca del idealismo helenizante,
que del realismo latino. Pese a la exactitud con que se describen las facciones del emperador (con la
mirada sombría y su característico flequillo), su rostro tranquilo y distante ha sido idealizado; lo
mismo podemos decir del contraposto, de las proporciones anatómicas y del profundo drapeado de
paludamentum. Por otro lado, Augusto ha sido retratado descalzo, como los antiguos héroes
olímpicos, y un Cupido (que cabalga sobre un delfín) le abraza la pierna, simbolizando su
inmortalidad como heredero de la diosa Venus a través de Eneas. Todas estos refinamientos
estilísticos y símbolos herméticos revelan una clara inspiración griega del retrato oficial, que los
emperadores romanos convirtieron en instrumento de propaganda gubernamental, cuya función
política era muy evidente: se trataba de mostrar al pueblo romano que el emperador —Augusto, en
este caso— era un ser excepcional, equiparable a los antiguos héroes mitológicos, e incluso digno
de ascender a la divinidad del Olimpo. ¿Quién mejor que él para gobernar Roma? Tiene la técnica
de paños mojados, una técnica que transparenta la musculatura de Augusto.

16- Columna Trajana

1)Arte romano
2)Realizado en mármol
3)Monumento conmemorativo
4)Columna de 30 recorrida por un bajorrelieve en espiral

Este relieve, de ejecución algo ruda y superficies un poco ásperas, consigue sugerir
perfectamente la sensación de volumen. Se logra no sólo por la talla sino mediante una incisión
bastante marcada en los contornos de las figuras, con lo que se acentúa la línea o dibujo, gracias a la
creación de sombras acusadas que perfilan las figuras.

En las distintas escenas se emplea una perspectiva caballera, o sea, que en la representación de
las mismas se ha elegido un punto de vista alto que permite ver con más claridad las figuras o
elementos que aparecen en segundos o terceros planos. Sin embargo, esto hace que las figuras del
fondo se dispongan a modo de planos superpuestos. La profundidad que se logra es limitada,
además las escenas tienen poco aire, apenas queda espacio por encima de las cabezas. En algunos
elementos se utiliza una cierta gradación del bulto del relieve, de modo que las figuras u objetos que
están más al fondo se resuelven mediante un bajorrelieve de menos bulto; esto ayuda a distinguir
planos y a sugerir cierta profundidad. Las torsiones y escorzos de algunas figuras contribuyen
también a lograr este efecto.

Hay bastantes alusiones ambientales, paisajísticas y arquitectónicas, aunque están hechas a una
escala pequeña en comparación con el hombre. Hablar de composición en este caso es muy difícil
puesto que ya hemos dicho que las escenas se suceden sin solución de continuidad, enlazando así
unas con otras. El movimiento y el dinamismo están presentes en toda la obra, su intensidad varía
según el episodio, desde los pasos acompasados de un ejército en formación, hasta el desorden y
confusión de la batalla.

La incidencia de la luz sobre una superficie donde el bulto no es uniforme produce la


proyección de sombras de distinta intensidad que dan vivacidad al relieve Por otra parte el recurso,
ya mencionado, de rehundir ligeramente los contornos en algunas zonas origina unas líneas de
sombra más acentuadas que perfilan las figuras, subrayándolas. Tal y como vemos la obra es obvio
que no hay color, sin embargo es probable que estuviera policromada.

Es un relieve figurativo de acusado realismo, en el que las figuras tienen un tratamiento


anatómico correcto, no muy detallado, puesto que está concebido para ser contemplado a cierta
distancia y porque interesa más el conjunto. El realismo, además de en las formas, se aprecia en la
concepción general de la obra, en la plasmación de las distintas actitudes en función de la acción
que desempeñan, sin idealizaciones y sin responder a arquetipos. El tratamiento del ropaje es
austero, el diferente atuendo permite distinguir los diversos grupos representados. Es una obra
monumental, aunque aquí sólo vemos un detalle, que pretende conmemorar o, mejor, inmortalizar
gestas guerreras.

Paleocristiano
17- Basílica de Santa Sabina

1) Arte Paleocristiano
2) Materiales: mármol, ladrillos y madera
3) Sistema abovedado
4) Orden corintio

Marco histórico-geográfico: El cristianismo creció en el imperio romano sin ser notado en un


principio fueron duramente perseguidos y ejecutados gracias al emperador Nerón entre otros pero
con el Edicto de Milán se convirtió en la religión oficial del imperio romano promulgado por el
emperador constantino.

Los materiales constructivos utilizados son varios, distinguimos: el mármol en las columnas; el
muro presenta un revoque que impide apreciar la naturaleza de los materiales empleados, aunque
seguramente se tratará de ladrillo o mampuesto de ahí la necesidad de enmascararlos; y, finalmente,
la madera para la cubierta. Son en general, materiales baratos y ligeros.
Soportes. El edificio combina dos soportes fundamentales: el muro y las columnas. El muro actúa
como soporte continuo y elemento de cierre del edificio. Destaca por su plenitud y lisura, y también
por su escaso grosor apreciable en los vanos. Está horadado por un número considerable de
ventanas que lo aligeran y desmaterializan.
Las columnas son de orden corintio con fuste acanalado, lo que contribuye a subrayar su esbeltez.
Se levantan sobre un plinto y una basa ática.
Los soportes, por tanto, destacan por su ligereza, en estrecha relación con las cubiertas de las que
hablaremos más adelante.
Se utilizan arcos de medio punto ligeramente peraltados en las arcadas de separación entre las
naves. Todos los vanos adoptan la forma de arco de medio punto; están dispuestos en el espacio que
se corresponde con los intercolumnios.
Cubiertas. En la cabecera se emplea una bóveda de cuarto de esfera, cubierta ésta que se adapta
muy bien a la forma semicircular del ábside.
El resto del edificio es adintelado, la cubierta se resuelve mediante un techo plano de madera. La
ligereza de este material justifica el escaso grosor de los soportes y el desarrollo del vano, tanto en
dimensiones como en número.
Decoración. Es muy escasa, casi inexistente. Uno de los elementos que realzan el edificio son las
columnas, antes mencionadas, de un bello orden corintio. No hay molduración ni elementos
escultóricos.
La escasa decoración consiste en incrustaciones de mármoles que cubren el espacio inmediato a la
arcada, albanegas y claves. Se trata de motivos lineales, posibles abstracciones de cálices y patenas.
En el ábside hay decoración figurativa, seguramente de una época posterior.
La escala de la obra guarda relación con el hombre, es un edificio bien proporcionado en el que hay
un cierto equilibrio entre anchura y altura, primando un poco más esta última. Tiene una disposición
simétrica en sentido longitudinal.
Hay una clara valoración del espacio interno, desarrollado en sentido longitudinal y articulado en
tres naves. Es un espacio claramente direccional con un foco de atención en el altar situado en el
ábside. La disposición de los distintos elementos del edificio –sucesión de columnas, arcos,
ventanas y la propia cubierta- subrayan la axialidad de la obra, conduciendo nuestra vista hacia el
ábside semicircular –especie de remanso o colofón de esta sucesión de líneas-, donde se encuentra
el altar mayor.
Otro rasgo a destacar es la diafanidad, está bien iluminado, con una luz clara, escasamente
matizada, especialmente la nave central y el ábside, con lo que se potencia este eje longitudinal
central del edificio.
Por otra parte, puesto que la separación entre las naves se hace con columnas bastantes esbeltas, se
puede hablar de cierta unidad espacial, de espacio fluido, sin compartimentaciones.
El desarrollo longitudinal del edificio, la evidente localidad, la resolución de la cabecera mediante
un ábside, la diafanidad y ligereza de la obra, incluso el clasicismo de las columnas, nos llevan a
clasificarla como una basílica paleocristiana. Se trata, concretamente, de la basílica de Santa Sabina,
en Roma, construida entre el año 422 y el 432.
Es un prototipo arquitectónico que surge tras el Edicto de Milán en 313, promulgado por el
emperador Constantino. Es un edificio destinado al culto cristiano, religión que, hasta ese momento,
había estado prohibida. A partir del 313 sale a la luz y necesitará de edificios de nueva fábrica para
la celebración de sus ritos, en los que era esencial la reunión o asamblea de fieles (ecclesia) que
participaba en el sacrificio de la misa. Ésta se va a celebrar en un altar situado, no al aire libre como
en los ritos paganos, sino bajo techado, en edificios con capacidad suficiente para albergar a la
comunidad de fieles. Para conseguir esto los cristianos adaptaron a sus necesidades un prototipo ya
existente: la basílica, que hasta entonces había tenido una función eminentemente civil como
tribunal de justicia y bolsa de comercio.
La basílica paleocristiana va a ser el punto de arranque de toda la arquitectura cristiana occidental.
Es un edificio sencillo, desarrollado en sentido longitudinal. Consta de tres a cinco naves separadas
por columnas, sobre las que discurren o dinteles o arcos, transepto y ábside semicircular
sobresaliente en planta. Separando la nave central del transepto tenemos un gran arco toral,
auténtico arco de triunfo, alusivo al triunfo de la Iglesia. A los pies del templo hay una nave
transversal, el nártex y más allá, un patio porticado generalmente con una fuente en el centro, el
atrio. Algunas tenían sobre las naves laterales una galería o tribuna.
La disposición de estos elementos responde a las necesidades de culto y a una jerarquización del
clero. Así podemos distinguir:
-La iglesia propiamente dicha, en la que hay dos partes básicas: el presbiterio y las naves. En el
presbiterio se encuentra el altar, generalmente cobijado por un ciborio; bajo él están las reliquias
accesibles a los fieles gracias a la confessio (precedente de la cripta); siguiendo la curvatura del
ábside suele haber un asiento corrido, la solea, reservado al clero mayor, presbíteros, presidido por
la cátedra del obispo; tenemos también la pérgola (precedente del iconostasio) y los ambones;
finalmente ocupando parte de la nave central está el espacio destinado al clero menor, los diáconos,
que se aísla del resto de la nave mediante canceles, y que constituye el origen del coro. El resto de
la iglesia es ocupada por los fieles bautizados, colocándose los hombres en el lado del evangelio, y
las mujeres en el de la epístola. Estas últimas se situarán posteriormente en la tribuna, llamada por
esta razón matroneo.
-El nártex, que se reserva a los neófitos.
-El atrio, que sirve para reuniones y catequesis.
En general las basílicas son edificios adintelados, salvo en el ábside; ligeros, diáfanos, sin
problemas constructivos y con un espacio interno desarrollado y bastante cuidado que suele
contrastar con la sencillez y relativa pobreza de los exteriores. Ni siquiera la fachada atendrá
importancia, a pesar de estar coronada por un frontón (siguiendo así el prototipo de templo
romano), pues carece de perspectiva al estar precedida del atrio.
El caso que nos ocupa, Santa Sabina, es uno de los ejemplos mejor conservados, junto con Santa
María la Mayor. Se construyó entre 422 y 432 por iniciativa de Celestino I y responde a una
tendencia a la simplificación propia de la época frente a las antihéroes basílicas de fundación
imperial. De hecho, como ya hemos mencionado, tiene tres naves en lugar de las cinco habituales
en las basílicas constantinianas, y carece de transepto. Muestra, además, el gusto generalizado en las
basílicas romanas del siglo V por potenciar la esbeltez mediante el alargamiento y la mayor altura
de la nave central.
En Santa Sabina, como en otras paleocristianas, parece que hay material reaprovechado; en este
caso las 24 columnas corintias proceden, según algunos, de un edificio del siglo II d.C. Están
hechas en mármol originario, muy probablemente, de las islas de Proconesia –Mar de Mármara-.
En cuanto a la decoración pudo tener mosaicos por encima de los mármoles con representación de
cálices y patenas.
Originariamente sólo la nave central estaba iluminada (en las laterales se abrieron vanos en la Edad
Media) con una luz bastante opaca, ya que el vano se solía cubrir con paneles de mica.

Bizantino

18- Santa Sofia

1)Arte Bizantino
2)Materiales: piedra, ladrillos y mármoles de colores
3)Fue construida en 5 años
4)Santa Sofía representa la síntesis entre Oriente y Occidente

Marco histórico-geográfico: En el 395 se produce la división del imperio romano: Teodosio entrega
las provincias de Oriente a Arcadio y las de Occidente a Honorio. Mientras la parte occidental
sucumbe ante las invasiones barbaras la parte oriental pervive hasta 1.453 cunado Constantinopla
cae en poder de los turcos.

El edificio conocido como Santa Sofía de Constantinopla o Divina Sabiduría (Hagia Sofia) fue
mandado construir por el emperador Justiniano, durante el período artístico conocido como Primera
Edad de Oro del arte bizantino.
Su ámbito cronológico abarca desde el año 532 al 537 y sus autores fueron Antemio de Tralles e
Isidoro de Mileto.
Los materiales usados fueron piedra y ladrillo para los muros y mármoles de colores para las
columnas.
En Santa Sofía contrasta enormemente el distinto tratamiento que se le da al interior y al exterior
del edificio.
En el exterior, el edificio se concebía como un ejemplo de equilibrio, con nítidos volúmenes, que
dejaban traslucir la estructura interna, con los materiales desnudos, sin decorar columnas y el
pavimento, planchas de cobre en el interior, etc.
En el interior, en cambio, el efecto es otro. Se trata del espacio más importante, dominado por la
gran cúpula que, a causa de las ventanas del tambor parece estar ingrávida, elevándose en el aire.
Como los muros interiores estaban totalmente decorados, la intensa luz del Mediterráneo oriental al
derramarse sobre ellos, crea una sensación de irrealidad, de espacio realmente “mágico”, encantado,
dedicado a la divinidad, que no es de este mundo.
En la nave central nos encontramos la tribuna, en la que le monarca tiene su trono.
En las laterales destaca también la galería de arcos que horadan el muro
Esta iglesia es un lugar dedicado tanto a la glorificación de Dios como del Emperador, con una
jerarquización del espacio que deja traslucir el rígido protocolo de la corte, reflejo de la influencia
oriental en la cultura bizantina.
La estructura de esta iglesia será una de las que más influencia va a tener sobre toda la arquitectura
del Oriente musulmán y ortodoxo.

La cúpula de Santa Sofía es el elemento más llamativo del edificio, tiene la forma de una semiesfera
rebajada y está compuesta por cuarenta nervios que se unen en el centro, su diámetro varía entre 30
y 31 m. y está situada a 54 m de altura.
Las cuarenta ventanas forman un tambor cilíndrico que sirve para aligerar su peso y permitir la
entrada de luz.
La enorme basílica fue concluida en sólo cinco años, pero tuvo problemas con la cúpula que se
debilitó por causa de un terremoto y finalmente se hundió el año 558. La actual es resultado de
varias reconstrucciones.
La iglesia custodiaba las reliquias más extraordinarias del cristianismo primitivo
Se cree que el exterior de la iglesia tenía un color salmón oscuro parecido al actual.
Santa Sofía representa la síntesis entre Oriente y Occidente.
En ella se funden las dos concepciones del mundo y se forma un estilo nuevo, completamente
original. La simbiosis entre la cúpula, como símbolo del arte oriental y la planta basilical, cuyo
origen está en Occidente.
Dice la leyenda que cuando Antemio e Isidoro terminaron la iglesia, Justiniano exclamó: "Salomón
te he vencido".
19- Justiniano y su corte

1) Arte bizantino
2) Materiales: piedra, vidrio o pasta vitrea
3) Isocefalia
4) Pies en V

En esta imagen del Emperador observamos una representación que va a ser habitual a partir de
entonces. No es una imagen realista, sino una reproducción totalmente idealizada de Justiniano, que
ante sus súbditos pasaba por ser una figura semidivina. Por eso todas las figuras están tan rígidas;
con la misma postura repetida en todos los personajes como si fueran maniquíes; todos con los pies
colocados en una postura muy forzada, en una posición en forma de “V”; todos curiosamente con
las cabezas situadas a la misma altura; y todos con los rostros bastante inexpresivos. Tampoco la
perspectiva es real, porque si nos fijamos, unas partes las representan vistas de frente y otras desde
arriba. Esa misma falta de naturalidad se observa también en la representación de las túnicas de los
personajes, todas ellas muy rígidas y con los pliegues igualmente muy poco naturales. Sólo
Justiniano destaca un poco por encima de los demás, por su atuendo, de un color diferente, por sus
joyas y atributos, como la corona, y porque está en el centro de la representación. Con ello se quiere
potenciar la importancia de este emperador, que al estar representado en la parte más importante de
una iglesia, quiere dejar claro que a su poder político se añade su mismo poder religioso. Una
fórmula que asumieron todos los emperadores de Bizancio, la de combinar el máximo poder
político y el máximo poder religioso y que se denomina cesaropapismo.

Por lo demás el mosaico es realmente imponente: su tamaño, las dimensiones de los


personajes, y sobre todo el brillo que emana de sus teselas, crea una sensación majestuosa y
elegante, como sólo los mosaicos bizantinos fueron capaces de lograr
Árabe

20- Mezquita de Córdoba

1) Arte árabe
2) Sistema abovedado
3) Construida a partir de una iglesia visigoda de la que utilizó gran parte
de los materiales
4) Materiales: Piedra y Mármol
5) Tras la reconquiste se construyo una catedral en su interior

Marco histórico-geográfico: en el 711 los musulmanes desembarcaron en Gibraltar y en 7 años


ocuparon la península a excepción de los terrenos montañosos del norte. La ocupación duró 8 siglos
hasta que los reyes católicos conquistaron granada

Contruida en el siglo VIII a partir de la basílica visigoda de San Vicente, con columnas de mármol y
arquería doble para aumentar la altura del mismo modo que en el acueducto romano de los Milagros
de Mérida. Fue mandada construir por Abderramán I.
Sufrió una serie de ampliaciones:
1- La primera ampliación la llevo a cabo Abderramán II quien construyo el Generalife. Mohamed
construyó la puerta de San Esteban
2- La segunda ampliación la llevo a cabo Abderramán III que contruyó el Partal
3- La tercera ampliación fue la más importante y la llevó a cabo Yusuf I que aumentó el tamaño de
las naves hacia el sur añadiendole 12 crujías
4- La cuarta y última ampliación fue llevada a cabo por Al-Mansur que ante la imposibilidad de
aumentar la mezquita hacia el sur por el Guadalquivir decidió aumentarla hacia el oeste añadiendole
8 naves. El mihrar perdía asi su posición central.

21- Alhambra de Granada

1) Arte árabe
2) Materiales: ladrillo, yeso, estuco
3) Sistema abovedado

La Alhambra es una construcción palaciega. Su construcción abarca desde el siglo XIV. al XV. Es la
máxima expresión del arte áulico (poder político y religioso) de la península, ciudad grandiosa en
miniatura que proyecta las influencias de los palacios persas y bizantinos.
Esta Alhambra se rompe con la proyección de estilos artísticos anteriores, construcción plenamente
orientalizante, no hay ningún espacio centralizado, es un espacio laberíntico y sus partes están
ordenadas de forma autónoma e independiente en torno a los patios.
Partes
*Mexuar o parte pública de la Alhambra, s XIII-XIV
*Diwan o patio de los arrayanes, parte oficialista (sXIV)
*Patio de los leones, parte privada (XIV-XV)
Se utiliza por primera vez una columna original y propia islámica, que es la columna nazarí,
también denominada columna de galgo, que es muy estilizada, basa, fuste cilíndrico, en la
transición al capitel tiene una serie de collarinos con decoración geométrica que da paso a un capitel
troncocónico con una gran variedad de decoración geométrica y después está el cimacio.
Las dos modalidades de arco utilizadas son el arco de herradura apuntado y arco de herradura
realzado (decorado el intrados con una decoración festoneada denominada angrelada).
Utilización sistemática de los zócalos realizados mediante cerámica alicatada en azul, verde y rojo,
con motivos geométricos. (grandes rombos, combinados entre sí, decoración en sebka de origen
almohade)
Exhuberancia decorativa de gran esplendor donde aparecen todos los recursos decorativos
realizados sobre yesería, madera, cerámica alicatada (con brillo) y la característica decoración
mocárabe (decoración geométrica sobre yeso o madera) consiste en pequeños prismas que vistas
desde el interior generan pequeñas secciones geométricas.
SALA DEL MEXUAR
Entrando por la puerta de la justicia, da acceso a la parte pública, parte inicial de la Alhambra,
donde se administraba justicia. Destacamos la utilización como soporte de la columna nazarí,
además del muro, predominio de las techumbres adinteladas en madera sobre las que se proyecta
una decoración en sebka.
En cuanto a elementos decorativos destacaríamos:
-Gran zócalo con motivos geométricos de cerámica alicatada de colores azul, verde y rojo.
-Muros totalmente decorados con toda la variedad de decoración geométrica sobre yesería.
-Decoración en mocárabe sobre las ménsulas que sostienen la techumbre adintelada.
Es una sala que ha sido muy modificada por Carlos V y Felipe IV, este último convirtió esta sala en
una capilla privada y por ello se realizó una balconada.
EL CUARTO DE LOS ARRAYANES
Parte oficialista de la Alhambra organizada en torno al patio de la alberca, presidida por la torre de
Comares donde en su interior está el salón de los embajadores.
Aspectos importantes de este patio son:
• Integración de la naturaleza con el arte que proyecta dos conceptos muy importantes.
• Arquitectura abierta e integradora además de ser esencialmente pictórica (se proyecta la luz
y el color en el agua y la vegetación de los jardines) Recreación simbólica de un
microcosmos que simboliza el paraíso coránico a través del jardín.
• El agua es un elemento fundamental en el Islam puesto que el Islam surge de Arabia donde
hay desiertos, además el agua tiene tres aspectos fundamentales:
-Agua como abastecimiento a las ciudades, función práctica.
-Agua como elemento de purificación, el agua es un don de Alá que el poderoso ofrece a sus
súbditos.
-Agua con función estética, máximo elemento que recrea el paraíso
Los jardines de la Alhambra son modelos de los que se establecen en los palacios europeos durante
toda la Edad Media cuyo exponente importante es el patio de los Arrayanes.
Patio rodeado totalmente de columnas nazaries que sostienen arcos peraltados y se unen mediante
alfices con decoración en ataurique y geométrica, realizada sobre yesería. Alrededor de este pato en
el deambulatorio se abren estancias, la más importante es el salón de comares, al que se accede por
un arco de herradura cuyo intrados está totalmente decorado con mocárabe. En la parte inferior del
muro, en el zócalo, hay cerámica alicatada de intensos colores.
SALON DE COMARES
Planta cuadrada coronada por una techumbre abovedada realizada en madrea con decoración
geométrica y epigráfica, todo el muro está totalmente recubierto con decoración de abajo a arriba.
Encontramos:
• Zócalo de cerámica alicatada con color azul y decoración en sebka (geométrica)
• A partir del zócalo y sobre yesería combinados y de forma rítmica encontramos todos los
motivos decorativos del arte islámico, destacando la franja de rombos con decoración en
sebka.
Clara proyección del horror vacui y la importancia de la decoración que oculta los elementos
estructurales arquitectónicos.
PATIO DE LOS LEONES
En el espacio privado juegan un papel importante los patios que ordenan las estancias y estas
mediante vanos que se abren comunican el espacio interior con espacios abiertos (patios, jardines)
estos vanos son miradores que en la parte superior son vanos de acceso de luz cubiertos de celosía
que en el interior proyecta juegos lumínicos y decorativos.
Entre la parte oficialista y la parte privada Carlos V realizó un palacio renacentista que sigue el
modelo de los palacios del siglo XVI
La parte privada organizada en torno al patio de los leones es la última construcción de la
Alhambra. Aquí aparece el más claro exponente de todas las características que definen la
arquitectura islámica (abierta y transparente) donde no se establece una separación entre naturaleza
y arquitectura que están íntimamente unidas a través de un elemento fundamental que es el agua
reflejada en la fuente de los leones. Este patio representa la principal recreación del paraíso
islámico, es decir, la plasmación de un microcosmos en el que triunfa el mundo de los sentidos.
El modelo de jardín es el persa, que es la tipología de jardín que predominará en las construcciones
palaciegas.
La organización del patio de los leones corresponde a la tipología persa y proyecta un alto valor
simbológico.
Planta cuadrada representa el cosmos que a su vez está cruzado por 4 ejes o acequias por los que
discurre el agua, que simbolizan los 4 ríos del paraíso y a su vez los 4 puntos cardinales. En el
centro del cosmos se sitúa la fuente que simboliza la montaña que centra el universo y a su vez el
poder divino.
La fuente de los leones está realizada con una base o taza octogonal que está sostenida por doce
leones por cuya boca mana el agua, esta estructura de la fuente presenta las siguientes
características:
• Destaca la representación animalística de los leones, representaciones figurativas
excepcionales en el mundo islámico. Su origen ha sido muy debatido, durante mucho tiempo
se mantuvo la hipótesis de que eran figuras procedentes del arte bizantino, como regalo al
sultán, no eran de origen islámico, en la actualidad los estudios realizados han demostrado
que estos leones son anteriores al s XIV, pertenecen al XI y estaba ubicados en un palacio
perteneciente a un visir judío. Fueron regalados al sultán por representantes de la comunidad
judía.
• La taza es octogonal y en la ultima limpieza y restauración se descubrió en los bordes
decoración geométrica que explicaba todo el sistema técnico de realización de la fuente y su
simbología.
-Simbología Agua representa un don de la divinidad y su depositario es el sultán, que representa el
poder político y religioso, y a su vez es el centro del Estado. El agua es concedida por el sultán a sus
súbditos representados en los leones.
Por todos estos aspectos el agua de la fuente de los leones resume toda la proyección simbológica
de este elemento en el mundo islámico.
En el conjunto del patio de los leones se mantiene la estructura característica de los patios de la
Alhambra, es decir, todo un gran deambulatorio de columnas nazaries, que sostienen herradura
realzados, cuyo intradós tiene decoración en mocárabe. La exuberante decoración se proyecta Tb.
en el paramento de los muros.

Románico

22- Catedral de Santiago de Compostela

1)Arte románico
2)Planta de cruz latina
3)Sistema abovedado

Marco histórico-geográfico:
1- Milenarismo
2- Reforma de la iglesia
3- Peregrinaciones
4- Movimiento de personas
5- Feudalismo y cruzadas

Catedral del románico español, objeto de peregrinación, perteneciente al Románico Pleno (siglos
XI-XII). Se construye para albergar los restos del apóstol Santiago; en un principio se construye
bajo el reinado de Alfonso III, pero es destruida por Almanzor, y en 1078, bajo la dirección de
Bernardo el Viejo y de Roberto, comienza a alzarse una nueva catedral, pero el obispo Diego Peláez
y el rey Alfonso VI se enfrentan y hasta 1100 no se reanuda la construcción, con el maestro Esteban
al frente, tras ser nombrado como nuevo obispo Diego Gelmírez. Se terminó en el último tercio del
siglo XII, con el maestro Mateo.
Es una catedral de planta cruciforme (de cruz latina) con orientación este-oeste, formada por tres
naves, la central mas ancha que las dos laterales, dividida en diez tramos por pilares cruciformes;
nos encontramos con una nave de transepto que se manifiesta en planta, constituida por tres naves
(la central más ancha que las laterales) con un crucero con arcos torales, que da al exterior una torre
cimborrio, esta nave transversal, cuenta con cuatro absidiolos poligonales; la catedral cuenta con
una cabecera desarrollada, con girola que envuelve el altar y en la que vemos cinco ábsidiolos
poligonales, el central más grande que los otros. En el pórtico o nartex nos encontramos dos torres
cuadradas, y el antiguo Pórtico de la Gloria, ahora tapado por la puerta del Obradoiro.
La bóveda utilizada en las naves centrales de toda la catedral es de cañón, reforzada por arcos
fajones que se nos muestran al exterior como contrafuertes; las naves laterales están cubiertas con
bóveda de arista.
En el exterior, nos encontramos la torre cuadrada, formada por dos arcos geminados de medio punto
peraltados y dos pisos de vanos con arcos iguales a los inferiores; en las naves laterales se abren
vanos al exterior en los que se repite de manera procesional la serie vano, contrafuerte; en la zona
este, observamos tres alturas distintas superpuestas que nos indican la cubierta del altar en la zona
más alta, luego la de la girola y la última nos presenta los ábsidiolos.
La decoración escultórica está a cargo del Maestro Mateo, es riquísima y se sitúa por toda la
catedral (en capiteles, pórticos, etc), los temas, siempre bíblicos representan a los apóstoles,
evangelistas, al Pantocrator, etc; mostrando así también gran variedad del bestiario románico.

23- Pórtico de la Gloria

1)Arte románico
2)Escultura
Dos de los ejemplos más representativos de las esculturas románica y gótica son el Pórtico de la
Gloria, en la catedral de Santiago de Compostela, y el del Sarmental, en la catedral de Burgos,
respectivamente. En ellos se aprecia de forma clara el cambio del Románico al Gótico.
El Pórtico de la Gloria supone un anticipo de lo que sería la escultura gótica, ya que fue creado a
finales del Románico, y es una muestra de perfección de la estatuaria románica. Su autor fue el
escultor Maestro Mateo junto a varios componentes de su taller.
El Pórtico del Sarmental fue mandado realizar por el obispo de la catedral de Burgos. Presenta
características procedentes de escuelas francesas, por lo que se cree que sus autores eran franceses
conocedores de las catedrales de Amiens y Reims.
Al pertenecer casi al mismo período artístico los dos pórticos presentan algunas similitudes. La más
clara es la recreación del Apocalipsis en ambos, tema empleado en numerosas decoraciones
escultóricas. La composición es también casi idéntica, con Cristo presidiendo la obra desde un
puesto superior y en el centro. La aparición de ciertas imágenes como la de los apóstoles sentados y
la de los cuatro evangelistas con el tetramorfos. En las jambas de las columnas que sostienen el arco
se representan personajes bíblicos. El uso de dos entradas estaba generalizado en la arquitectura
medieval, estos pórticos tienen en el parteluz la imagen del santo patrón (en la catedral de Santiago
de Compostela) y la del obispo catedralicio don Mauricio (en la catedral de Burgos), el cual fue el
comitente de la obra.
Las diferencias más notorias entre los dos pórticos son las características más acusadas de los
estilos, así como algún detalle de la composición.
El Pórtico de la Gloria está esculpido en un arco de medio punto, y presenta una serie de serafines
en una arquivolta; por su parte, el del Sarmental tiene uno apuntado, lo que obliga a las figuras de
las tres arquivoltas (arcángeles, escribanos y ancianos) inclinarse para adaptarse al marco
arquitectónico, dotados así de mayor sensación de movimiento que en el Románico.
La escultura románica poseía estereotipos iconográficos por lo que las imágenes de humanos eran
representadas todas de la misma manera, sin formas diferenciadas y con los mismos ropajes. Sin
embargo, en el Pórtico de la Gloria, al estar en un período de transición hacia el Gótico, presenta
algunos detalles de este estilo como mayor individualización de los personajes representados y algo
de expresión y movimiento, lo cual era totalmente inusual en la escultura del período románico. En
el del Sarmental, estas características están del todo establecidas en sus figuras escultóricas, en el
que las figuras incluso interactúan entre sí mostrando mayor naturalidad en los rostros y gestos que
los del Pórtico de la Gloria.
Otra diferencia es la ubicación de los doce discípulos de Jesucristo en el tímpano. Mientras que en
el Pórtico de la Gloria los apóstoles flanquean ambos lados de la figura de Cristo, en el Pórtico del
Sarmental se encuentran por debajo de su imagen y de los evangelistas, en el dintel.
La imagen de Cristo del Pórtico de la Gloria tiene una actitud más majestuosa, mostrando sus llagas
con rostro serio, pretendiendo sobrecoger a los fieles. Por otro lado, el Cristo del Pórtico del
Sarmental, sosteniendo la Biblia en una mano a la vez que la otra aparece en actitud de bendecir, se
representa como un Cristo renovado, más joven y sosegado, que expresa misericordia y resulta más
comunicativo y accesible para los devotos.
En el tímpano del Pórtico de la Gloria aparecen los cuatro evangelistas rodeando a Jesús. En el del
Sarmental, en lugar de ello aparecen sus símbolos, el denominado Tetramorfos.

24- Pintura del ábside de San Clemente de Tahull


1)Arte románico
2)Pintura mural al fresco

La perfección del ábside se explica por la simbiosis de un artista excepcional y una tradición tenaz
de búsqueda de recursos expresivos de varias escuelas. Tres corrientes artísticas han de señalarse en
el camino que desemboca en esta obra maestra: la bizantina, con su espiritualidad solemne,
difundida por todo el Mediterráneo y que el artista aprendió en Italia; la árabe, con su caligrafía
ornamental, que rompe el hieratismo de las fórmulas bizantinas, y la mozárabe, que en las
miniaturas del Beato de Liébana ha conseguido con su sinceridad naturalista dotar a los rostros de
una fuerza expresiva poderosa. Cuando finaliza el siglo X en el monasterio de Ripoll se ha formado
una escuela de miniaturistas catalanes y de otras regiones, que son capaces de fundir estas
corrientes, y de raíces tan variadas se nutre el pintor de San Clemente, quien asume y eleva todos
los ensayos del arte anterior.
En principio un ábside ofrece una superficie poco propicia para la expresión plástica, pero los
artistas románicos aprendieron a convertir su curvatura en un recurso intensificador y se sintieron
tan cómodos para diseñar sus composiciones como en una superficie plana. Y su función de
cabecera de la iglesia, cobijadora del altar y punto de referencia de los ritmos de las naves, convirtió
al ábside en el lugar clave de las representaciones iconográficas. A veces se distinguen tres zonas: la
superior, el cielo, con Cristo Majestad y los Evangelistas; en medio, la Iglesia con la Virgen y
Apóstoles; en una franja inferior, más estrecha, la Tierra, con símbolos y juegos de colores.
La imagen nos muestra una Teofanía, es decir una manifestación plástica de la Divinidad. En el
cuarto de esfera del ábside aparece Cristo en Majestad. Se trata de una figura grandiosa,
descomunal, preponderante, circundado por el óvalo de la perfección divina o mandorla mística,
impone reverencia y temor.
La fijeza e intensidad de su mirada son sobrecogedoras. Estamos ante el Cristo Juez del
Apocalipsis, señor del Alfa y la Omega, del principio y del fin. Es un Cristo bendiciente y
dominador, revestido de gloria en su trono, que sostiene en su mano izquierda el libro de su
doctrina, el cristianismo, en la que señala "Ego sum lux mundi" (Yo soy la luz del mundo), y que
apoya sus pies sobre un horizonte curvo, el mundo. Lo acompañan en su cielo y a sus plantas en
círculos o ruedas sostenidas por ángeles, los vivientes del relato apocalíptico: el hombre, el toro, el
águila y el león, que constituyen el Tetramorfos, el conjunto de los símbolos de los cuatro
evangelistas.
Debajo del Cristo triunfante o Pantocrátor, en la altura intermedia del ábside, entre el Cielo y la
Tierra, se presenta el cortejo celestial de los Apóstoles y la Virgen. Se trata de uno de los frisos más
bellos, solemnes y expresivos del Románico, riquísimo en la combinación y matización de los
colores, en donde predominan los rojos, azules, blancos, ocres y verdes. Rigurosamente frontales y
simétricos, separados entre sí por una escueta arquería, estos personajes son portadores de símbolos
de la verdad y de la redención, así la Virgen lleva en sus manos la copa de la sangre redentora de
Jesús.
El ábside de San Clemente es un emblema del Carácter litúrgico, simbólico y eclesial del arte
Románico. En el mundo fragmentado y tumultuoso de la Edad Media, los eclesiásticos impusieron
un sistema autoritario y unificador del pensamiento y de la vida: la organización teocrática, en
donde el Románico puso de manifiesto aquella concepción religiosa.
El templo románico fue concebido como palacio de Dios en la Tierra y como lugar señalado para
que el hombre entrara en contacto con el mundo sobrenatural y con los secretos de la fe.
Los maestros pintores fueron los encargados de desarrollar sobre los muros de este y otros templos
del Pirineo programas iconográficos que ofrecían a los fieles elementos de información, de piedad y
de exaltación religiosa.