C1-TEMA 06 Cubisme

TEORÍA E HISTORIA DEL ARTE I
primeras vanguardias
Profesora: Maia Creus
TEMA VI
PABLO PICASSO
GENIO DE LA MODERNIDAD
Pablo Ruiz Picasso
Málaga,1881 – Paris, 1973
PICASSO: PARADIGMA DEL ARTE MODERNO
• Sus creaciones concuerdan con la esencia del arte

moderno
– Alejamiento radical de la tradición.
– Abandono de la mera reproducción de formas naturales.
– Construcción de un mundo formal libre de toda norma académica.
– La subjetividad pasa a ser el origen de su creatividad y el elemento
trascendental de sus obras.
• Picasso sintetiza los cambios del arte a finales del S. XIX
y funda una de las bases estéticas del S XX
– Su estilo rebasa todas las fronteras.
– Su enorme creatividad (10.000 pinturas, 600 esculturas y un nombre
incalculable de gravados y dibujos) tuvo unas constantes:
• Constante tendencia a la experimentación
• Libertad creativa
• Constancia reflexiva y analítica
• Coherencia interna
Pablo Ruiz Picasso
Autorretrato, 1896 Autorretrato, 1972
• Educación para un genio

– Hijo de un ilustre profesor de dibujo, Picasso recibió la
estricta educación académica de su época.
– Inquieto e inteligente, siente la necesidad de conocer los
aires de modernidad que esta transformando el arte a
finales del S XIX.
– Con 17 años, Picasso se hace independiente y decide su
propio camino.
– La decisión de Picasso de interrumpir su educación
académica marca un crisis definitiva en su vida juvenil.
– 1900. Picasso viaja a Barcelona y comienza su carrera
de artista independiente.
– En Barcelona conoce el círculo de pintores y escritores
modernistas.
ÉPOCA FORMATIVA
ACADEMICISMO
Pablo Ruiz Picasso,

Primera comunión, 1895-96
Pintada a los 15 años.

ACADEMICISMO Pablo Ruiz Picasso, Ciencia y Caridad, 1897
• Barcelona y París: puertas de la modernidad

– Picasso entra en el círculo de “Els Quatre Gats”, donde
se reúnen los pintores y escritores progresistas de la
época.
– 1900, Primer viaje a Paris. Influencia de los pintores
modernistas y post impresionistas.
– Primeros cambios: superación del naturalismo
• Predominio del dibujo con el contornos negro de las figuras
• El buen hacer académico queda substituido por la
espontaneidad del dibujo
• Las formas naturalistas se aplanan
• Acentuación del carácter bidimensional del cuadro
• Predominan los temas urbanos de tabernas e interiores de
cafés o prostíbulos
• El color de tono realista queda sustituido por su valor
simbólico y emotivo
ARTE JOVEN 1898-1901 Pablo Ruiz Picasso, En el sofá, Barcelona 1898
ARTE JOVEN 1898-1901
Pablo Ruiz Picasso,

Interior de la taberna “Els Quatre
Gats”, Barcelona, 1900
• Picasso descubre París

– En sus diversos viajes a Paris, Picasso absorbe con
celeridad y intensidad todas las corrientes de renovación
del arte.
– Además de interesarse por los pintores impresionistas,
estudia el arte de Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Munch.
– Picasso aprende de cada uno de ellos y intenta definir
un estilo propio.
– Picasso lucha por incorporar las innovaciones artísticas
europeas sin abandonar sus propias raíces culturales.
– Esta doble preocupación se deja ver en la obra de este
período:
• En los temas de sus obras: se aleja de la visión alegre y
intrascendente del impresionismo.
• En el estilo: Mezcla libre de estilos diversos.
ARTE JOVEN 1898-1901 Pablo Ruiz Picasso, El abrazo, Paris, 1900
Pablo Ruiz Picasso,

Los amantes del boulevard, Paris, 1900
Picasso, Frenzy, 1900

ARTE JOVEN 1898-1901 Pablo Ruiz Picasso, Le Moulin de la Galette, 1900
• Le Moulin de la Galette, 1900: La obra maestra del arte

juvenil de Picasso
– Picasso aprovecha la guirnalda de luces de gas para
crear una atmósfera con luminosidad uniforme.
– En la cual los personajes han perdido toda
individualidad.
– Picasso no se aferra a una imitación sino que modifica
sus modelos.
– Con las dos mujeres sentadas a primer término,
Picasso introduce un tema tabú en la sociedad del
momento: la homosexualidad femenina.
– El tratamiento de luz y sombra abandona el
naturalismo realista para acentuar su potencial
simbólico.
• Una rebelión individual

– Durante su estancia en París, Picasso asume la
rebelión del arte moderno.
– Y, como Gauguin, Van Gogh o Cezánne, asumirá
algunos de los preceptos de la modernidad:
• La búsqueda de la autenticidad en un arte que
extrae sus temas y principios de la propia vida.
• Y que asume la soledad intrínseca del investigador
y rompedor de convenciones.
• La reflexión entorno al lenguaje de la pintura y sus
límites.
• La investigación entorno al potencial expresivo
derivado de la propia técnica pictórica.
Picasso, Autorretrato “Yo”, 1901

Picasso,
Autorretrato “Yo Picasso”, 1901
Picasso, La bailarina “Nana”, 1901

Picasso, Mujer con joyas, 1901

Picasso, Retrato de “Bibi”, 1901

Picasso, Mujer en el palco, 1901

Picasso,
La bebedora de ajenjo, 1901
Picasso,
Pierreuse, la mano en el hombro,
1901
EL PERÍODO AZUL 1901 - 1904
• 1901 El ambiente de París

– El concepto “Período azul” pone en primer plano el
colorido monocromático de este período.
– Estas obras constituyen una suma de muchas de las
tendencias elaboradas por la pintura europea desde
mediados del XIX.
– Con estas obras, Picasso se opone a una tendencia
imperante en aquellos momentos y que logró
materializarse en el Fauvismo.
– Destaca el carácter melancólico, abismal y sombrío.
– La incomprensión del público y la crítica lleva a Picasso
a un total aislamiento en el mercado del arte de aquel
entones.
– Esta situación se prolongó hasta 1905.
EL PERÍODO AZUL 1901 - 1904
• 1901 El ambiente de París
– La pobreza de Picasso no era la causa que lo impulsaba
a pintar cuadros de marginados sociales, pobres y
viejos.
– Por el contrario: la temática sombría de estas obras eran
la razón de la pobreza de Picasso.
– La temática del período azul no es una invención de
Picasso.
– Son los temas “De la otra cara de la modernidad”.
– Para Picasso, el abandono de los ideales académicos,
significa una modificación de estilo pero también de los
temas.
– Durante esta época formativa, Picasso recibe la
influencia de las corrientes estéticas, intelectuales y
políticas que renuevan Barcelona y París.
PERÍODO AZUL 1901-1904
Autorretrato, 1901
Picasso,
Los dos saltimbanquis, 1901
Picasso, Arlequín acodado, 1901
El mundo mágico y artificioso del

circo es una alegoría de la
“sobrenaturalidad” del arte
Picasso,
Retrato del pintor Sabartés,
1901
Los personajes solos y

ensimismados, encerrados en
su propio mundo interior
evocan la soledad del artista
moderno, abandonado a la
incomprensión del público.
Picasso,
La bebedora de ajenjo, 1901
La temática del período “Azul” es

un reflejo de los profundos
cambios que vive la ciudad
contemporánea.
Picasso, El viejo judío, 1903

El guitarrista viejo, 1903

Picasso,
Los pobres a la orilla del mar, 1903
PERÍODO ROSA 1904-1906
Picasso,
Dos saltimbanquis con un perro, 1905
Entre 1904 y 1906 el monocromo azul

da paso a tonalidades rosa.
Triunfan los temas relacionados con el
circo y el arlequín.
EN BUSCA DE LO PRIMITIVO
• 1906 Gòsol y la búsqueda de la naturaleza primigenia

– Durante el verano Picasso viaja con su amante
Fernande al pueblecito rural de Gòsol (Catalunya).
– En Gòsol Picasso inicia un cambio importante en su
estilo.
– Su punto de inspiración es el clasicismo del
mediterráneo:
• El desnudo pasa a ocupar el centro de sus trabajos
• Las figuras se sitúan en un espació irreal, abstracto
• La paleta de colores se ciñe a los rojos terrosos y a la
luminosidad del Sur
• Sin embargo no sigue el canon idealizante propio de todo
clasicismo
• Al contrario, da a sus figuras la robustez y realismo del arte
primitivo
DESCUBIERTA DEL CLASICISMO
GÒSOL 1906
Los adolescentes, 1906

GÒSOL 1906
Picasso, Muchacho desnudo,

1906
GÒSOL 1906
Picasso,
Muchacho desnudo con caballo, 1906
DESCUBIERTA DEL
CLASICISMO GÒSOL 1906
Retrato de Fernande Olivier, 1906

GÒSOL 1906
Picasso,
Mujer desnuda sobre fondo rojo, 1906
EN EL LABORATORIO DEL ARTE
1906-1907
Picasso, Autorretrato, 1906

EN EL LABORATORIO DEL
ARTE 1906-1907

EN EL LABORATORIO DEL ARTE 1906 - 1907
• Período de intensa experimentación formal

– Picasso descuida la perspectiva y las relaciones de las
diversas partes del cuerpo entre sí de la apariencia
natural.
– Las cabezas aparecen como un bloque irregular con
ojos y nariz agregados como formas autónomas.
– Picasso acentúa los contornos con el objeto de evitar
toda semejanza con la representación de un ser humano
verdadero.
– Picasso ensaya la modificación de los componentes
imitativos.
– Por este motivo, se interesó por el llamado arte primitivo
considerado en esa época como la forma más original
de expresión plástica.
EN BUSCA DE LO PRIMITIVO
• 1906 Gòsol y la búsqueda de la naturaleza primigenia

– Picasso concibe ahora la figura humana a partir del
volumen plástico.
– El artista acentúa las “desviaciones” de las proporciones
para poner en evidencia el carácter autónomo de la
pintura.
– Inicia sus rostros de “máscara” para ocultar el rostro
natural y acentuar lo irreal del arte.
– Se trata de rostros que responden a un mismo esquema
que se repite idéntico en cada figura.
– Dos obras emblemáticas de esta época:
• Autorretrato con paleta
• Retrato de Gertrude Stein
ARTE 1906-1907
Picasso,
Autorretrato con paleta, 1906
ARTE 1906-1907
Picasso,
Retrato de Gertrude Stein, 1906
ARTE 1906-1907
Picasso,
Mujer desnuda sentada, 1906
Picasso retorna a la Antigüedad no

para someterse al clasicismo, sino
para reinventar una tradición.
EN EL LABORATORIO DEL ARTE 1906-
1907
Picasso, Dos mujeres desnudas, 1906

– Las intensas investigaciones de este momento
culminaran en la obra “Las Demoiselles d’Avignon”,
1907.
– Esta se reconoce como la obra clave de nuestra
historia del arte, pero esa valoración estuvo basada
durante decenios en una falsa interpretación de las
informaciones recibidas sobre el proceso de su
creación.
– La interpretación cambió radicalmente cuando se
pudieron examinar los estudios previos.
– Un aspecto interesante es la evolución larga y penosa
de la obra (un año). Esto descarta un trabajo
espontáneo o irreflexivo.
– La extensa serie de estudios permite distinguir el camino
de Picasso, constituido por dos fases de desarrollo: una
formal y otra temática.
– Los bocetos de Picasso tenían una doble función: una
forma de plasmar ideas, pero también una forma de
elaborar un largo repertorio de soluciones formales al cual
poder recurrir en cualquier momento.
– Picasso llegó a la conclusión que toda representación que
imita a la Naturaleza es una unión de elementos que en
realidad no se corresponden unos a otros.
– Su vinculación es totalmente arbitraria.
– Así, debe ser posible combinar estos elementos de
manera distinta y, crear formas, que si bien son una
representación visual, ya no son una imitación.
– El nuevo lenguaje formal debe contener una mínima
cantidad posible de imitación de la naturaleza.
– La mínima para que sea comprendido como
representación.
– Y la mayor cantidad posible de medios plásticos
autónomos, sin caer en la abstracción.
– Picasso ensayó ese método en un objeto que resulta
comprensible para todo observador: el cuerpo humano.
– En los esbozos para las Demoseilles, Picasso utiliza un
método simple y convencional: líneas irregulares más o
menos paralelas.
ARTE 1906-1907

1906-1907
Picasso,
Estudio para “Las demoiselles
d’Avignon, 1907
ARTE 1906-1907
Picasso,
Estudio para “las demoiselles
d’Avignon”, 1907
1906-1907
Picasso, Mujer, 1907

ARTE 1906-1907
Picasso,
Estudio para “Las Demoiselles
EN EL LABORATORIO DEL ARTE 1906-1907
Picasso,
Estudio para “Las Demoiselles d’Avignon”, 1907
EN EL LABORATORIO
DEL ARTE 1906-1907
Picasso, Las
“Demoiselles
Presentada por
primera vez en público
en 1937, esta obra ha
sido reconocida como
la frontera entre el
viejo y el nuevo
mundo pictórico, pues
en él hay tantos
elementos que miran
al pasado europeo,
como elementos que
preparan el inmediato
futuro.
• Les Demoiselles d’Avignon
– Se mantiene el esquema de representación, pero las
caprichosas transgresiones crean una imagen
completamente extraña.
– Los resultados de su labor de experimentación son
aglomerados con tal maestría en “Las demoiselles
d’Avignon”, que en las fisonomías de las figuras puede
observarse toda la gama de posibilidades.
– La obra terminada es una imagen programática para el
nuevo lenguaje formal.
– Surgido de una investigación sistemática y del desarrollo
de una nueva síntesis de elementos convencionales de
representación plástica.
– La obra no tiene nada que ver con formas o estilos
artísticos históricos.
– Cada uno de los elementos del cuadro posee una
significación fundamental, comenzando por las
dimensiones de la tela: 243,9 x 233,7 cm.
– La pintura es un rectángulo vertical pero produce la
impresión de un cuadrado.
– La mínima diferencia entre altura y ancho ocasiona al
observador una sensación indisoluble de ambigüedad.
– Una lección magistral sobre la insuficiencia y la
arbitrariedad de los conceptos establecidos entorno a la
representación plástica.
– La escala cromática también está sometida al principio de
desorientación: el azul intenso del centro de la obra: (la
llamada sección áurea), habitualmente es el lugar de
expresión de armonía y serenidad. Aquí ocurre todo lo
contrario.
– Picasso tampoco sigue las normas compositivas de la
perspectiva convencional.
– Si bien el cuadro despierta la noción de profundidad, ésta
se consigue a base de intersecciones.
– Picasso también predetermina el punto de vista donde se
encuentra el observador.
– En la mitad inferior del cuadro muestra los objetos como
si se los viera desde abajo, mientras que la parte superior
de la pintura no ofrece ningún ángulo de visión.
– En la plasmación de objetos y figuras sigue esta
combinación de formas contradictorias de representación.
– Esta representación de los cuerpos, vincula diversas
vistas frontales y laterales incompatibles en apariencia.
– Los órganos y los miembros, se deforman arbitrariamente
mediante líneas de contorno y sombreados de color.
– Picasso no abandona la representación figurativa pero
somete a las figuras a fuertes desviaciones del modelo
natural.
– El impacto del cuadro se incrementa por el contraste
entre el desnudo del las mujeres y sus cabeza como de
máscaras.
– Picasso reflexiona sobre la tradición artística europea y
crea un nuevo lenguaje visual.
– La intención de Picasso no era romper absolutamente
con la tradición, sino destruir sus convenciones.
– El artista consigue en esta obra un profunda reflexión
entorno a la noción de la belleza en el arte.
EL CUBISMO ANALÍTICO 1907- 1912
• Punto final a un proceso histórico
– Desde la época del Renacimiento la pintura había tenido
motivaciones literarias y sociales. Y servia para transmitir
determinados mensajes por medios visuales.
– La imitación de la naturaleza, ofreciendo una ilusión de
apariencia natural, era la forma más adecuada de hacer
comprensible el mensaje visual.
– De las relaciones de tensión entre la realidad y su
imitación surgían numerosas posibilidades de transmitir
determinados contenidos por medio de la imagen.
– Dentro de esta tradición: forma y contenido coinciden
para transmitir un mensaje
– A finales S XIX se produce una profunda transformación:
forma y contenido dejan de coincidir para intensificar el
dominio de la forma. La forma pasa a ser el contenido.
• Punto final a un proceso histórico
– Partiendo de la convicción filosófica de que la
percepción, la idea y el conocimiento van de la mano,
– Se llega a la necesidad de recalcar el contenido espiritual
de la pintura como forma de percepción pura.
– A consecuencia de esta evolución, la pintura debía perder
forzosamente su carácter imitativo.
– Picasso logró concretar ésta tendencia en la obra “Les
Demoiselles d’Avignon”.
– Que se convirtió en la obra clave más importante del arte
moderno.
– En su innovación, Picasso no parte del color sino
solamente de la forma.
– Picasso demostró que se puede crear algo nuevo
partiendo de antiguos principios.
• Inventores del Cubismo: George Braque i Picasso
– El Cubismo se fue construyendo lenta y gradualmente
sobre éstas bases,
– Y alcanzó su punto culminante en el llamado
• Cubismo Analítico
– Picasso demuestra como se puede reproducir una
imagen natural mediante diversas formas de
interpretación.
– Las líneas no delimitan los cuerpos sino que se rompen
arbitrariamente.
– El objeto representado resulta desmembrado y analizado.
– Pero pese a todas las arbitrariedades, la imagen cubista
no pierde su relación con el mundo objetivo.
– Es un arte de “representación” que ha modificado el
lenguaje naturalista tradicional.
• Inventores del Cubismo: George Braque i Picasso
– Consideraron siempre el estudio de la forma, inseparable
de la creación del “espacio pictórico que engendra”.
– Este espacio apareció por primera vez en “Las
Demoiselles d’Avignon” (1907).
– El cubismo es un término inadecuado, porque lo
sorprendente de éste lenguaje, no es la solidez y
concentración de la geometría formal sino todo lo
contrario:
La dispersión y la apertura de las formas como si fueran
transparentes
– La evolución de Picasso y Braque coincide hasta 1912.
Después sus caminos artísticos se separan.
– Picasso llevará el lenguaje cubista al máximo de sus
posibilidades.
EL CUBISMO ANALÍTICO
1907-1912
Picasso, Tres mujeres, 1907
La líneas y las superficies de

colores crean formas
geométricas
La perspectiva fracturada
fusiona distintos puntos de
visión
EL CUBISMO ANALÍTICO 1907-1912
Picasso, Paisaje, 1908 Picasso, Casita en un jardín, 1908

Estos paisajes adoptan el principio de la estructura espacial autónoma,
libre del punto de vista central de la perspectiva clásica.
1907-1912
Picasso, Mujer con abanico, 1908

Picasso, Desnudo sentado, 1908

1906-1907
Picasso, Desnudos de pie, 1907

Madera tallada
EN EL LABORATORIO
DEL ARTE 1906-1907
Picasso, Hombre de pie, 1907

Madera tallada
Picasso,
La dríade (desnudo en el bosque, 1908)
1907-1912
La amistad, 1908
Picasso, Paisaje, 1908 Picasso, Casita con jardín, 1908

1907-1912
Picasso,
El depósito de agua, 1909
Entre 1908-1909, en los

paisajes y naturalezas
muertas, se observa la
reducción a “pequeños
cubos” que, desplazando
sus ejes, rompen las
conexiones angulares y
liberan ritmos pictóricos
nuevos, no naturalistas.
Picasso, Casas en la colina, Horta de Ebro, 1909

1907-1912
Picasso, Naturaleza muerta con

botella de Anís del Mono, 1909
La cualidad artística del cubismo,

su no-naturalidad, está acentuada
por la paleta contenida de los
colores, intencionadamente
pobre.
1907-1912
Picasso, Cabeza de mujer sobre

fondo de montañas, 1909
El principio cubista fundamental

es que la forma no es una
característica definida y fija de un
objeto.
El artista puede considerar el

objeto desde varias posiciones
distintas en el espacio y exponer el
resultado de sus observaciones.
Y esta multiplicidad de miradas

determinan la cualidad dinámica
del espacio cubista.
1907-1912
Picasso, Muchacha con

mandolín, 1910
1907-1912
Picasso,
Retrato de Wilhelm Uhde, 1910
En sus retratos cubistas,

Picasso explora las
posibilidades de la
descomposición de la forma, en
una serie cuadros que giran
entorno al retrato
1907-1912
Picasso, Retrato de Kalnweiler, 1910
Las zonas del rostro, transmiten su

dimensión espacial, surgida de la
relación de volumen entre nariz,
boca, pómulos, frente y ojos, los
cuales se descomponen en luces y
sombras y son convertidas en una
estructura de superficies que se
entremezclan y entrechocan
1907-1912
Picasso, Retrato de A. Vollard, 1910
El cubismo aporta una nueva

configuración nunca vista en la
historia de la pintura.
Su magia artística surge sólo, si lo
aceptamos como equivalente, no el
duplicado, de un objeto natural
CUBISMO ANALÍTICO 1907-1912 Picasso, Violín “Jolie Eva”, 1912
Picasso, El guitarrista, 1910
Esta obra, como las de “El poeta” o

“El clarinete” y otras de ésta época,
posee un poderoso atractivo artístico
y demuestra que la belleza y la
sensibilidad estética en la pintura, no
están ligadas a la reproducción de un
objeto concreto
Picasso,
La mandolinista
En esta fase avanzada, el

cubismo analítico crea
estructuras desde elementos
no tomados de la realidad,
sino enteramente creados por
el artista y dotados por él de
una realidad potente.
El titulo de estas obras se

debe tomar tan solo como una
indicación, no como una
descripción.
1907-1912
Picasso, El poeta, 1912

Picasso, El torero, 1912
Estas pinturas, forman parte de una

serie de imágenes
austeras en que los objetos
naturales mencionados en el título
son difíciles de descubrir.
Se utiliza el término de “cubismo

hermético” para sugerir la dificultad
de la percepción.
EL CUBISMO SINTÉTICO 1912-1915
Picasso, Naturaleza muerta con trenzado de silla, 1912

(Óleo y hule impreso sobre lienzo enmarcado con cuerda)
Se trata del primer

“collage” cubista. Ha
pasado a la historia
del arte como el
primer “tableau
object”
La realidad conceptual
cubista, alcanzó una
nueva dimensión
intelectual, ahora que
las formas pintadas
eran más “reales”
artísticamente, que las
imitadas.
EL CUBISMO SINTÉTICO
1912-1915
Picasso,
Violín colgado en la pared, 1913
(óleo y arena sobre lienzo)
1912-1915
Picasso, La guitarra
(collage, carboncillo, tinta china
y tiza sobre papel)
1912-1915
Picasso, Violín y partitura

Collage: (papeles y partitura
musical pegados sobre cartón)
A la fragmentación “analítica”,
le sigue su construcción
“sintética” a partir de formas
no derivadas originariamente
del objeto.
1912-1915
Guitarra y copa de vino, 1913
La guitarra está compuesta de

elementos sin parecido con los
de una guitarra.
El cuerpo de la guitarra no está
en absoluto representado; está
visto cómo un hueco entre los
fragmentos curvos del papel de
la pared y el dibujo del vaso de
vino, reducido a sus formas
esenciales.
1912-1915
Picasso, Guitarra, 1912

Ensamblaje: cartón recortado, papel,
lienzo, óleo y lápiz
La forma exterior del instrumento es

imitada mediante una tosca
estilización, pero perfectamente
reconocible para el espectador.
Sin embargo, el empleo de materiales

impropios y la inversión de las
relaciones de volumen causan una
cierta irritación.
1912-1915

Ensamblaje: Cartón, papel, lienzo, lápiz
Aquí también es válido el principio

básico del cubismo: la combinación de
formas arbitrarias.
Al contrario del cubismo analítico,
donde se descomponían las formas,
aquí los objetos vuelven a
recomponerse, aunque con materiales y
procedimientos radicalmente nuevos.
1912-1915
Picasso, Botella encima de una

mesa, 1912
Collage: (carboncillo y papeles sobre
periódico)
El nivel iconográfico de la
representación se mantiene
intacto, aunque sean aportados al
cuadro materiales completamente
extraños.
EL CUBISMO SINTÉTICO 1912-1915
Picasso, Guitarra, periódico, vaso y botella, 1913 (Collage)

1912-1915
Picasso, Violín, 1913 (Collage)

1912-1915
Picasso, Botella de Marc, copa

y periódico, 1913 (Collage)
Podemos considerar el efecto

plástico de los papeles pegados
como un sistema de signos
1912-1915
Picasso, Mujer en camisa sentada en

un sillón, 1913
1912-1915
Picasso, Cabeza de muchacha

joven, 1913
Picasso, Copa de ajenjo, 1914
Escultura serial realizada en seis ejemplares a partir de un molde de cera y plastilina
al que añadió una cucharilla real, sobre la cual, está ubicado un terrón de azúcar
moldeado en cera.
Como toda la escultura del cubismo sintético, lo que pretende es la
contraposición entre la reproducción convencional y la representación cubista
1912-1915
Picasso,
Violín, 1914
Ensamblaje: Chapa de metal doblada
La obra se compone de partes de

chapa de metal recortada, plegada
y pintada unidas con alambre. Se
ocultan las cualidades del material
empleado.
En esta obra, los medios de
composición gráficos, pictóricos y
espaciales son plasmados en una
síntesis especialmente refinada.
1912-1915
Picasso,
Mandolín y clarinete, 1914
Ensamblaje: madera pintada
y lápiz
EL CUBISMO COMO ESTILO
Picasso,
Retrato de muchacha joven, 1914
Picasso, Hombre con sombrero

sentado en un sillón, 1915
Picasso, Arlequín, 1915

EL CUBISMO COMO
ESTILO
Picasso, Arlequín y
mujer con collar, 1915

Picasso, Arlequín tocando la

guitarra, 1918
Picasso, Naturaleza muerta delante de la ventana, 1919

Picasso, La mesa delante de la ventana, 1919
Picasso,
Músicos con máscaras II, 1921
EL CUBISMO COMO
ESTILO
Picasso, Músicos
con máscaras, 1921
Picasso, Mandolina y guitarra, 1924

Picasso, Naturaleza muerta con Mandolina, 1924

C1-TEMA 06 Cubisme

Diunggah oleh

Informasi Dokumen

Deskripsi Asli:

Hak Cipta

Format Tersedia

Bagikan dokumen Ini

Bagikan atau Tanam Dokumen

Opsi Berbagi

Apakah menurut Anda dokumen ini bermanfaat?

Apakah konten ini tidak pantas?

Hak Cipta:

Format Tersedia

C1-TEMA 06 Cubisme

Diunggah oleh

Hak Cipta:

Format Tersedia

TEORÍA E HISTORIA DEL ARTE I

• Sus creaciones concuerdan con la esencia del arte

• Educación para un genio

Pablo Ruiz Picasso,

Pintada a los 15 años.

• Barcelona y París: puertas de la modernidad

Pablo Ruiz Picasso,

• Picasso descubre París

Pablo Ruiz Picasso,

Picasso, Frenzy, 1900

• Le Moulin de la Galette, 1900: La obra maestra del arte

• Una rebelión individual

Picasso, Autorretrato “Yo”, 1901

Picasso, La bailarina “Nana”, 1901

Picasso, Mujer con joyas, 1901

Picasso, Retrato de “Bibi”, 1901

Picasso, Mujer en el palco, 1901

• 1901 El ambiente de París

Picasso, Arlequín acodado, 1901

El mundo mágico y artificioso del

Los personajes solos y

La temática del período “Azul” es

Picasso, El viejo judío, 1903

El guitarrista viejo, 1903

Entre 1904 y 1906 el monocromo azul

• 1906 Gòsol y la búsqueda de la naturaleza primigenia

Los adolescentes, 1906

Picasso, Muchacho desnudo,

Retrato de Fernande Olivier, 1906

Picasso, Autorretrato, 1906

Picasso, Autorretrato, 1906

• Período de intensa experimentación formal

• 1906 Gòsol y la búsqueda de la naturaleza primigenia

Picasso retorna a la Antigüedad no

Picasso, Dos mujeres desnudas, 1906

Picasso, Autorretrato, 1907

Picasso, Mujer, 1907

Picasso, Tres mujeres, 1907

La líneas y las superficies de

Picasso, Paisaje, 1908 Picasso, Casita en un jardín, 1908

Picasso, Mujer con abanico, 1908

Picasso, Desnudo sentado, 1908

Picasso, Desnudos de pie, 1907

Picasso, Hombre de pie, 1907

Picasso, Paisaje, 1908 Picasso, Casita con jardín, 1908

Entre 1908-1909, en los

Picasso, Casas en la colina, Horta de Ebro, 1909

Picasso, Naturaleza muerta con

La cualidad artística del cubismo,

Picasso, Cabeza de mujer sobre

El principio cubista fundamental

El artista puede considerar el

Y esta multiplicidad de miradas

Picasso, Muchacha con

En sus retratos cubistas,

Picasso, Retrato de Kalnweiler, 1910

Las zonas del rostro, transmiten su

Picasso, Retrato de A. Vollard, 1910

El cubismo aporta una nueva

Picasso, El guitarrista, 1910

Esta obra, como las de “El poeta” o

En esta fase avanzada, el

El titulo de estas obras se