- SIMBOLISMO
El simbolismo es un movimiento artístico que nace a finales del siglo XIX y que pone
en común las investigaciones de pintores, poetas y literatos. Sus orígenes se vinculan al
“Manifiesto del Simbolismo”, publicado en “Le Figaro” en 1886 por Jean Moréas.
Orígenes
Ante la pura visión de los pintores que siguen el rastro de Manet, los cuadros
simbolistas remiten a escenarios oníricos en una línea que preludia lo que será el
surrealismo . Como en éste, la fuerza de la imagen se basa en la meticulosidad del
dibujo , en un color efectista y en la iluminación adecuada para generar una atmósfera
inquietante.
Sus figuras principales, Gustave Moreau, Arnold Böcklin y Odilon Redon disfrutaron
de una importante reputación. Pero el que más éxito tuvo fue Pierre Puvis de Chavannes
(1824-1898), especialmente desde la presentación, en 1881, de su cuadro “El pobre
pescador”. El cuadro, fascinante por su atmósfera congelada e intemporal, provocó un
gran debate entre defensores y detractores de la estética fría y cargada de melancolía, en
la cual el color, extraordinariamente harmonizado, es fundamental.
Gustave Moreau (1826-1898)
Es el más clásico, las ideas que quiere plasmar se mueven dentro de lo equilibrado, lo
tranquilo. La mayor parte de su obra son grandes murales para edificios públicos,
hechos al óleo y no a fresco, lo que le obligó a suprimir la tercera dimensión.
Su énfasis sobre lo plano le llevó a las más atrevidas distorsiones, tanto en perspectiva
como en la figura. En la década de 1870 realiza La esperanza, el título ya indica que no
se trata de una simple imagen, sino de una idea. Es un personaje asequible, examinado
de forma académica, pero al servicio de una idea. Simboliza la paz y la esperanza con
un tema de guerra franco prusiana.
En Visión antigua vuelve al mundo mitológico, de ninfas, muestra una naturaleza
irreal, idealizada. Transmite paz y sosiego. En El verano mantiene la misma idea,
figuras inertes al servicio de la idea de calma, relax.
A partir de 1895 surge el color en numerosas pinturas al óleo y pastel. Su obra se hace
más brillante y alegre y aparece el estudio de las flores. Por ejemplo, Ofelia entre las
flores, Cíclope u Orfeo.
El impresionismo, con su afán por captar la luz del natural, había ido disolviendo las
formas en su ambiente y todos los elementos del cuadro habían ido perdiendo volumen,
dibujo y sentido del espacio. En los últimos años del XIX y principios del XX nos
encontramos con unos pintores que partiendo del impresionismo, derivan hacia una
pintura personal que anuncian algunos de los movimientos pictóricos más importantes
del siglo XX. El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la
importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la
expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su trascendencia para la
evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.
Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las
representa:
INFLUENCIAS
- De los impresionistas, el gusto por los contrastes de colores en Cézanne.- De Rubens,
de los neoimpresionistas y de la estampa japonesa, el rico cromatismo, los colores puros
y la cursividad fluyente de las formas en V. Gogh- De las culturas exóticas de Oceanía,
el primitivismo en Gauguin.
Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable,
familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a
Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo
que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en
grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el
mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del
simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a
la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano
igual que en las pinturas japonesas.
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y
la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas;
todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras
coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones
fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto
de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de
cartas, la montaña de Santa Vitoria.
Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y
paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un
apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y
angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los
colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-.
Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...
Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este
pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista,
sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos
naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores violentos para crear
un mayor énfasis expresivo.
Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando
matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de
contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio de sintetización, buscan la máxima
intensidad emocional combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello
renuncian a la perspectiva clásica, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz
tiende a desaparecer y con ella la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas
muertas, personajes en interiores, paisajes hermosos.
Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras africanas. El arte
de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un evidente alejamiento de
las formas naturalistas para tender a la esquematización.
Precedentes del Fauvismo
Para hablar de los orígenes tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin, ya que
ambos huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal, impulsiva y
pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.
Considerado el líder de los fauvistas, fue el único de ellos que no cambió su dirección.
Intenta expresar sentimientos a través del uso del color y de la forma.
La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como configurador
de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van Gogh y Gaugain.
También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó aplicando pinceladas
más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su aprendizaje inicial de los
cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas y de los iconos persas y
bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena fruto de su imaginación,
totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las odaliscas orientales y las
traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios mediante amplias áreas de
colores sin matizar, estructurados por medio de las líneas de los cuerpos, que dirigen la
vista del espectador y marcan el ritmo de la composición.
La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran
audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura
pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes. En
su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es un camino hacia la
profundidad de sí mismo.
Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del
momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la
masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían
captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el
principal motor de su estética.
La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De
aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan
tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso
para los artistas una gran fuente de inspiración.
Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de Goya, que
rompe con las convicciones con las que se representaban las anatomías para sumergirse
en el mundo interior. Sin embargo, los referentes inmediatos son Van Gogh y Gaugain,
tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.
Ensor (1860-1949)
El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch logra expresar
el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.
Expresionismo Alemán
En el grupo Die Brücke, influido por Munich, destacan Nolde y Kirchner. Son artistas
comprometidos con la situación social y política de su tiempo.
Kirchner intenta demostrar con su paleta estridente y sus trazos angulosos los oscuros
deseos que laten en el fondo de los seres humanos. Mujer del busto desnudo con
sombrero.
Nolde conseguirá pintar la desnudez de las almas humanas. Bailarinas de las velas,
Susana y los viejos.
El grupo Der Blaue Reiter se formó en Munich en 1911, recibió una importante
aportación internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron
numerosos artistas extranjeros. Además del alemán Franz Marc, encontramos al ruso
Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a Gabriel Münter entre otros.
El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke. Les
importa más el cómo de la representación que el qué. Los artistas creían que el
significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio espectador. El artista
da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa en quien lo observa
determinados sentimientos.
Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso concluye Las
Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.
George Braque junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los
principales maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes,
pero con anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.
Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento de la obra
de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color,
etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una nueva relación entre el
espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede contemplarla sin más, sino que
tiene que reconstruirla en su mente para poder comprenderla.
Cubismo Analítico
caracterizado por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes,
todas ellas geométricas. El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el
cubismo más puro y el de más difícil comprensión.
Cubismo Sintético
Al Cubismo Analítico le sucede el cubismo sintético, que es la libre reconstitución de la
imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y desmembrado en todas sus
partes, sino que se resume su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando en el
lienzo las partes más significativas de la figura que serán vistas por todos sus lados.
Pintores Cubistas
Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con todas las
normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva en volúmenes
cuadrados y angulosos. El título se refiere aun burdel barcelonés situado en una calle
con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte ibérico y de la escultura
negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen desfigurados sus rostros, algunas de
ellas recuerdan máscaras africanas.
Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La fábrica de
Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.
Es el otro gran creador del cubismo junto a Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella
descubrió que se pueden simplificar las formas reduciéndolas a prismas y cilindros. Son
características sus naturalezas muertas, empleando con frecuencia la guitarra, el violín o
la mandolina.
En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y geometriza
y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante superposiciones y
transparencias.
Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la
belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece
correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos
movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista
difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la
guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta
coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su
manifiesto hay un punto que dice:
Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya
que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la
sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la
impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia,
pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos
y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color
como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra,
vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o
simbolismo.
Umberto Boccioni
Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde,
las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la
calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente
próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético,
casi desesperado.
En Estados de ánimo las líneas dinámicas se alternan con los espacios vacíos, que
expresan el desánimo.
Trabajó fundamentalmente sobre los aspectos ópticos del movimiento en obras como
Muchacha corriendo en el balcón, Las manos del violinista o Dinamismo de un
perro atado.
De la misma forma se interesa por realizar un análisis de los ritmos en ciertas aves, así
como una serie sobre La velocidad del automóvil.
A partir de 1930, volvió a temas figurativos, pintando ciudades, paisajes y retratos. Fue,
además, precursor del dadaísmo.
Luigi Russolo
Continúa con las sensaciones dinámicas en obras como Casas + luces + cielo, Síntesis
plástica del movimiento de una mujer y Dinamismo de un automóvil.
Gino Severini
Carlo Carrá