Revista virtual de los alumnos de Taller de Diseño Gráfico 1

Facultad de Comunicaciones - Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas

Año 4, Número 5. Ciclo 2011-1

MELIÉS • LANG • EISENSTEIN

KUROSAWA • BERGMAN • GODARD
KIESLOWSKI • CRONENBERG
LUCAS • JACKSON • SCORSESE
DE LA IGLESIA • NOLAN
 Ma. Jo
sé
Hinost
roza

TALLER DE
DISEÑO GRÁFICO 1
Ciclo 2011-1. Sección PU49
Profesor: César Pita
Portada: María-José Hinostroza
Diego Almendariz - Wilfredo Álvarez
José Iván Camacho - Lisset Dávila
Pedro Egúsquiza - Rocío Escalante
María José Hinostroza - Anndy Ilizarbe
Otto Paredes - Mercy Talavera
Lucía Túpac Yupanqui
Juan Luis Vargas - Priscilla Zubiria
N
uestra pequeña revista CREARTE llega a
su quinta edición más fresca que nunca. En
esta oportunidad, hemos seleccionado un
puñado de directores de cine que se han caracteri-
zado por ser visionarios en el arte que les tocó expre-
sar. Cada uno de ellos, a su manera, creó un lenguaje
propio en base a la experimentación, la exploración
y la postura iconoclasta. No les importó quebrar
cánones, generar escándalos, ganarse un rinconcito
en el Hades o pelearse con papi, mami o la industria.
Algo similar a lo que tratamos de hacer en el curso
de Taller de Diseño Gráfico 1.
Este ciclo ha sido particular por una sencilla razón:
es la primera vez que en el salón de clases confluyen
alumnos que pertenecen a las carreras de Comuni-
cación y Marketing y Comunicación Audiovisual y
Medios Interactivos. Todo un desafío, considerando
que este curso ha sido, por años, escenario de desafíos
para los chicos de Publicidad y Periodismo. Afortu-
nadamente, el trabajo ha estado sazonado de buena
vibra, chispas creativas, trabajo metódico y compro-
miso. Por supuesto, también ha habido descalabro,
desesperación y una que otra maldición susurrada por
lo bajo, de tal modo que no llegue a los oídos del pro-
fesor (bueno, eso es lo que creen los alumnos).
He aquí, pues, el resultado del trabajo hasta medio
ciclo. Es hora de preparar algo de pop corn y sentarse
a disfrutar la función que les hemos preparado.
El profe
 Anndy
Ilizarb
e
 Por: Anndy Antonio Ilizarbe Jurado

5
 Méliès nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint Martin en París
– Francia. Llegó a ser actor y director de sus creaciones cinematográfi-
cas, y una parte de su juventud se dedicó a la industria del calzado,
negocio que era de su padre y en donde aprendería el manejo de
las maquinarias que, posteriormente, le serviría para la in-
dustria cinematográfica. Méliès es considerado el

M
padre de los efectos especiales en el cine gra-
cias a la combinación de sus pasiones: el
éliès nació En 1896 proyectó sus primeras películas
ilusionismo en su
y cine.
el 8 de Diciembre de teatro Robert Houdin. Rápidamente, su estilo
1861 en el boulevard evolusionó y buscó crear sus pri-
Saint Martin en París – meras películas parecidas a
Francia. Llegó a ser actor y direc- sus espectáculos de ilu-
sionismo. Por

E
tor de sus creaciones cinematográficas,
y una lparte
28 de diciembre de 1895 Méliès asistió, invita-
de su juventud se dedicó a la indus-
do por los hermanos Lumière, a la primera pro-
tria del calzado, negocio que era de su padre y en
yección del cinematógrafo. Este evento marcó la
donde aprendería
vida de Méliès el manejo
y decidió de una
comprarles las máquina,
maquinarias
pero
que, posteriormente, le serviría para la industria esto
los hermanos se negaron a venderla. Motivado por lo
cinematográfica. Méliès essuconsiderado el padre de fue conci-
que vio, optó por construir propia máquina cinema-
los efectos especiales en el cine gracias a la combi-
tográfica. derado el pionero
nación de sus pasiones: el ilusionismo y cine. en la utilización de trucos
En 1896 proyectó sus primeras películas en su teatro de cámaras, y también lo
de se usaron sistemas mecáni-
Robert
El 28 deHoudin. Rápidamente,
diciembre su estiloasistió,
de 1895 Méliès evolucionó
invita-y fue en la exposición multi-
cos para ocultar zonas al sol y
buscó
do porcrear sus primeras
los hermanos películas
Lumière, a laparecidas
primeraaproyec-
sus es- ple
otrosdel negativo de
mecanismos (doble
puestaso-
en
pectáculos de ilusionismo. Por esto es considerado el breimpresión)
escena. y los
Es así que sumófundidos
más de
ción del cinematógrafo. Este evento marcó la vida
pionero en la utilización de trucos de cámaras, en la ex- amedio
negrocentenar
y desdedenegro.
películas y en
de Méliès
posición y decidió
múltiple del comprarles unasobreimpresión)
negativo (doble máquina, pero
los 1902 crea su primera obra maestra,
y loshermanos
fundidos asenegro
negaron a venderla.
y desde negro. Motivado por Viaje a la luna.
lo que había visto Méliès optó por construir su pro- Invertió una gran cantidad de
pia máquina
Invirtió cinematográfica.
una gran cantidad de dinero para la creación dinero para la creación del que se
En 1913 junto
consideró con la llegada
el primer estudiodedelacine,
prime-
en
del que se consideró el primer estudio de cine, en don- ra guerra mundial, Méliès vio en declive su
donde se usaron sistemas mecánicos para
negocio y se vio obligado a cerrar y a perder todo
ocultar zonas al sol y otros mecanismos de pues-
contacto con el cine.
ta en escena. Es así que sumó más de medio cen-
tenary de películas y en 1902 crea su primera obra
“Corría el año
maestra, Viaje 1902 cuando el francés
a la luna.
Georges Méliès filmó Le voyage dans la
lune, una pequeña joya muda en la que
diseñó los primeros efectos especiales de
la historia del cine, incluida esa cápsula
espacial
Le Voyage que aluniza en el ojola
dans derecho
Lunedel
satélite terrestre”.
(Viaje a la Luna):
Le Voyage dans la Lune
Viaje
(Viaje a laaLuna es obra maestra cinematográfica y
la Luna):
la primera película de ciencia ficción dirigida por
Georges
Esta es unaMéliès y escrita
obra maestra en compañíayde
cinematográfica su her-
la primera
mano mayor
película Gastón
de ciencia Méliès.
ficción Viaje
dirigida por aMéliès
la Luna está
y escri-
basada
ta en De la
en compañía de tierra a la Luna,
su hermano mayor,deGastón
Julio Méliès.
Verner

6
yViaje
Thea First Men in the Moon, de Herbert George
la Luna está basada en De la tierra a la Luna, de
tar a los astrónomos. Estos buscan refugio en una
Wells. cueva. En esta cueva encuentran unas grades setas.
Julio Verner y The First Men in the Moon, de Herbert
George Wells.
Obras y Gracias
Los astrónomos no saben cómo tratar con estos se-
La película dura un aproximado de 14 a 8 minutos res extraños y matan, sin intención, a uno de ellos,
dependiendo
La película duradeun
la aproximado
velocidad de defotogramas
14 a 8 minutosquede-se lo cual provoca la furia de la tribu de selenitas.
pendiendo de la velocidad de fotogramas que se usen. Su conocimiento en el manejo de maquinarias y su gran
usen. Actualmente, es muy popular y es reconoci-
Actualmente, es muyfilm
popular y es reconocida inversión en la cinematografía lo llevó a crear el primer
da como el primer de ciencia ficción decomo el
la his- Estos son perseguidos hasta que el jefe de la tri-
primer film de ciencia ficción de la historia del cine. Te- estudio de cine, en el que tenía control sobre la luz y
toria del cine. Teniendo como principales escenas pulación de astrónomos mata al líder de la tribu y
niendo como otros factores que en la actualidad son indispensables
el disparo de principales
la bala del escenas el disparo
cañón que mandade a lala gen-
bala logran escapar en su cápsula.
del cañón que manda a los astrónomos a la luna y la para el cine.
te a la luna y la cara animada de la luna recibiendo
cara animada de la luna recibiendo el alunizaje.
el impacto del cohete.
Méliès intentó llegar al público americano; sin
Méliès
embargo,intentó
técnicosllegar al público
que trabajaban paraamerica-
Thomas
no; sin embargo, técnicos
Edison lograron hacer copias
que trabajaban
del film para Tho-
y las distribuyeron
por todo Estados Unidos.
mas Edison lograron hacer Via-
je a la Luna resultó ser
copias del film y las distri-todo un
éxito
b u yene -ese país,
ron pero Méliès
por todo el
nunca recibió
país. Viaje a la
dinero por su
Luna resultó
exposición.
ser todo un éxito
en Estados
La película trataUnidos,
que en
peroreunión
una Méliès nunca
de astróno-
re-
mos, c i bpre-
el ió
sd i -
dente
nero
propone
por la ex-
hacer un viaje a la
posición de su obra
luna. Seis valientes
maestra. Méliès es considerado el descubri-
astrónomos diseñan
dor de la técnica del stop motion, y
un plan para viajar
En
a launa reunión
luna. Estos sin este gran aporte, quizá el ratón
de astrónomos,
construyen una más famoso del mundo Mickey
el presidente
nave especial, la mouse no hubiera podido to-
cual es lanzada
propone hacera la
uncara de laa
viaje mar vida.
luna y esteDespués,
la luna. proyectil de
termi-
un
na clavado en uno
cierto silencio, seis de los
ojos de la luna.
valientes astrónomos
diseñan un plan para La práctica de la magia y el ilusionismo de Méliès,
Los astrónomos ya en combinado con su pasión por el cine dio como resulta-
viajar a la luna.
la luna salen de su Estos
naveconstruyen una
para investigar
nave especial, do las películas de ciencia ficción, quizá sin este valio-
y se dan cuentaladecual es lanzada
la distancia de laa so aporte George Lucas no hubiera podido filmar Star
la cara
tierra a ladeluna.
la luna y esteporproyectil
Exhaustos el largo
Wars y toda su saga o Harry Potter.
v i ater-
je, mina
los clavado se
astrónomos enpreparan
uno de para
los ojos de
dormir.
la luna. duermen un cometa pasa y la Osa Mayor apa-
Mientras
rece, cada estrella tiene cara humana y Febe, diosa de la
luna, aparece sentada
Los astrónomos ya enenlauna luna
luna creciente.
salen de su nave para
investigar y se dan cuenta de la distancia de la tie-
Febe provoca una tormenta de nieve para espantar a los
rra a la luna. Exhaustos por el largo viaje, los astró-
astrónomos. Estos buscan refugio en una cueva. En esta
nomos se preparan
cueva encuentran unaspara dormir.
grades setas.Mientras duermen
Los astrónomos no
un cometa pasa y la Osa Mayor aparece, cada es-
saben cómo tratar con estos seres extraños y matan, sin
trella tienea cara
intención, uno dehumana y Febe,
ellos, lo diosa de
cual provoca la la luna,
furia de
aparece
la tribu desentada en una luna
selenitas.Estos creciente. hasta que el
son perseguidos
jefe de la tripulación de astrónomos mata al líder de la
tribu
Febeyprovoca
logran escapar en su cápsula.
una tormenta A.A.I.J.
de nieve para espan-

7
 Lisset
Dávila
EL MUNDO SUBTERRANEO
DE

Qué pensamiento hizo que el

cineasta alemán, evoque en su
imaginaciòn y plasme en sus
películas un mundo paralelo que
parece fantàstico, pero que, a
veces, coincide y representa la
realidad
Por: Lisset Dávila

El espíritu cineasta de Fritz
Lang emergió en medio de
la devastadora Primera
guerra Mundial, literalmente,
después de caer mal herido,
en un hospital militar de
Alemania: he ahí sus primeros
relatos, esos que luego lo
conducirían al éxito
A
lemania de principio de re p re s e n t a n t e s de este
los 90’ p re s e n c i ó s u movimiento, cuando en la imagen,
nacimiento y su éxito juega con los espacios, los
c o m o d i re c t o r d e c i n e . E l c a o s y c l a ro s c u ro s , l a e x a g e r a c i ó n e n
la desolación de la sociedad de las líneas y los volumétricos
aquel entonces, fue testigo y, a decorados, cuando en el
l a v e z , p ro t a g o n i s t a d e l t a l e n t o c o n t e n i d o , s e e n fo c a e n l a s
dramático de Lang. h i s t o r i a s fa n t á s t i c a s y f u t u r i s t a s ,
c o n p e rs o n a j e s c o n f l i c t i v o s ,
S u s l a rg o s v i a j e s i n s p i r a ro n v a m p i ro s , l o c o s y a s e s i n o s .
v a r i a s d e s u s p e l í c u l a s , p e ro
m u c h a s o t r a s s o n p ro d u c t o d e DE ALEMANIA A EE.UU.
l a c o r r i e n t e e x p re s i o n i s t a d e
la época, aquella que muestra
el interior del artista, que,
guiados por la intuición, evaden
E n el país que lo vio nacer,
n a c i e ro n también
primeras películas: Die Spinner
sus

g r a n p a r t e d e l a re a l i d a d y s e
alejan del pensamiento positivo
p a r a a d e n t r a rs e e n u n m u n d o
fantástico, un mundo en el que
re i n e n e l c a o s y l o s c o n f l i c t o s .
A s í p u e s , Fr i t z L a n g ,
es uno de los
más grandes
o L a s A ra ñ a s ( 1 9 1 9 ) , De r M ü d e
To d o L a s t re s l u c e s ( 1 9 2 1 ) ,
E l D r . M a b u s e ( 1 9 2 2 ) , Lo s
N i b e l u n g o s ( 1 9 2 4 ) , M E l va m p i ro
de Düsseldorf (1925). todas
ellas son sin duda grandes obras
del cineasta, pertenecientes
a l m o v i m i e n t o e x p re s i o n i s t a .
Pe ro , s i n d e s m e re c e r a
las demás, con

19 27
L IS-
Ó PO
TR
ME

5
192
M-

22
DR MABUSE - 19

10
Metrópolis (1927), Lang logra
uno de sus más grandes éxitos.
Sus historias, hasta ese momento
h a c e n re fe re n c i a a u n m u n d o
subterráneo, un mundo al que
se llega gracias a su caótica y
a v e n t u re r a i m a g i n a c i ó n , e n e l
q u e p re d o m i n a n c u e v a s , s ó t a n o s ,
y galerías.
L a n g c o n o c i ó o t ro m u n d o
t o t a l m e n t e d i fe re n t e , c u a n d o
llego a Estados unidos, huyendo
de Hitler y de su dictadura. Ahí,
a pesar de la demora para la
a p ro b a c i ó n d e s u s p ro y e c t o s ,
debido a su condición de
a l e m á n , s u é x i t o s n o t a rd a ro n e n
a p a re c e r c o n s u p r i m e r a p e l í c u l a ;
Fu r i a ( 1 9 3 6 ) , l u e g o c o n ; S ó l o s e
vive una vez (1937), La mujer
d e l c u a d ro ( 1 9 4 4 ) ,
Mientras
- 1936
LA FURIA
N u e va Yo r k d u e r m e ( 1 9 5 6 ) , M á s La carrera y el éxito de Fritz
a l l á d e l a d u d a ( 1 9 5 7 ) , e n t re o t r a s .
To d a s e s t a s i n c l i n a d a s h a c i a l a Lang no tenían límites
c r í t i c a s o c i a l , re f l e x i o n e s s o b re hasta que la oscuridad,
la justicia y el individuo. esa misma que evocaba
en sus películas,
DE EE.UU A LA OCURIDAD
llega a su vida
P a re c í a q u e l a c a r re r a y e l
é x i t o d e Fr i t z L a n g n o t e n í a n
límites hasta que la oscuridad,
para quitarle
la luz de los
esa misma que evocaba en sus
ojos.
películas, llega a su vida para
quitarle la luz de los ojos; solo
la ceguera, que lo fue abatiendo
poco a poco, logró ponerle
fin a sus fantásticas
historias.
195
6
ME
UER
KD
YOR
VA
NUE
AS
NTR
MIE
4
RO- 194
D
EL CUA
MUJER D
LA
tecnología florece en medio del caos,
en el que la máquina esclaviza al hom-
La “ciudad” de Fritz Lang podría ser bre y se genera una lucha de clases.
cualquiera, cualquiera pero situada Aquí la burguesía tiene el poder; pero
en el futuro, con enormes rasca- el pueblo, el protagonismo. Aqui se
cielos, llenas de mágicas luces, pero sublevan los desafortunados.
en blanco y negro, naves veloces,
robots que nos faciliten el trabajo, El mensaje de la película es marca
etc. Es el ideal, pero no todo podría un hito en la época, además de ser
ser perfecto. En esa “Ciudad”, las la primera del género ciencia ficción,
comodidades de los de arriba, son es la primera que muestra la cruda
las penurias de los de abajo; los úl- realidad de la deshumanización de
timos, pierden su condición humana los hombres y las diferencias so-
para convertirse en máquinas. Ésta ciales, que, en determinado momento,
es la ciudad de Fritz Lang, ésta es podría ser amedrentado con diálogo
METRÓPOLIS. y no con violencia. Quizás esta sea
la metrópolis a la que Fritz Lang
La película muestra la realidad de deseaba llegar, una ciudad en la que
comienzos de siglo XX, cuando la se reconcilien las clases sociales.
11

Sergei Einsenstein, nacido el 23 de Enero en Riga, en lo
que era entonces el Imperio Ruso, Einsenstein estudió
Ingeniería y Arquitectura en sus primeros años, sin
embargo, se unió a la causa comunista y se enroló en el
ejército rojo en la Revolución Rusa en 1918.
Eisenstein comenzó su primera producción visual en ese
mismo año, haciendo propagandas pro-comunistas para la
revolución de Octubre.
En 1920, al terminar la guerra, Sergei se dedicó al teatro,
siendo su primera obra Gas Masks, para luego crear Lis-
ten Moscow, y Wiseman.
Sin embargo, el teatro nunca llegó a satisfacer a Sergei en
materia de expresividad y emociones. Necesitaba algo más
fuerte que eso. Ahí fue cuando emigró al cine e hizo su
primer largometraje, Strike (1925), ambientada en la rusa
pre-revolucionaria de 1903, cuenta la historia de un grupo
de obreros que es oprimido y explotado hasta el punto de
rebelarse contra sus accionistas y tirar al gerente general
por un acantilado. Otra película similar fue Octubre, en
honor al décimo aniversario de la revolución de Octubre
en 1917.
Ese mismo año, Eisenstein filmará Battleship Potem-
kin, parte de una serie de películas que tenían como
objetivo engrandecer la victoria del socialismo contra la
dictadura y el despotismo del tsarismo en el
Imperio Ruso. Aparte de tener gran
valor histórico y una
gran carga
emotiva, (en
mayor medida
para el pueblo
soviético),
técnicamente
fue la película
mejor filmada y
mejor editada de
su época; marcando
un hito tan grande
en la historia del
cine, dándole el
título a Sergei de
“Padre del mon-
taje moderno”, por
el uso de montaje, la
variedad de sus pla-
nos, la continuidad, la
emotividad, y el impacto
que generó tanto en la
audiencia nacional, como
en el plano internacional fue
tan apoteósica, que marcó un
antes y después en la historia
del cine.
Como elemento de propaganda
visual, la dramatización realizada
por Sergei acerca del infortunio de los
marineros oprimidos fue tan efectiva,
que hasta Joseph Goebbels, el siniestro
ministro de propaganda Nazi, y mano
derecha de Hitler, dijo que cualquier
persona que no tuviera, hasta ese momento,
una convicción política fuerte y definida,
podría haberse convertido en bolchevique en el
instante que hubiera terminado la película.
Una escena muy recordada es la escena del bebé en
su cuna mientras cae por las escaleras del pueblo de
Odessa, y que a su vez ha sido homenajeada por una
gran cantidad de películas, entre las más conocidas
El Padrino, y los Intocables, dos clásicos de cine de la
última mitad del siglo XX. A final de los años 90, en el
dibujo animado Histeria!, también se hizo un pequeño
homenaje a esta escena.
El acorazado Potemkin no ha escapado de los avances
tecnológicos del último siglo. Ha sido remasterizado y
llevado a formato Blu-ray en el 2010, y el soundtrack de
la misma ha sido tergiversado por muchos músicos de
renombre hasta el día de hoy.
 Posteriormente, Ei-
senstein viajó a Estados
Unidos, gracias a un
ofrecimiento de Paramount
Pictures, ofreciéndole un
pago de cien mil dólares por
adelantado para contratar sus
servicios.
Sin embargo, el enfoque ideo-
sincrático y artístico de Sergei era
demasiado incompatible con el estilo
de cine Hollywoodense, mucho más
comercial y parametrado al que estaba
acostumbrado. Este fenómeno, exacerbado
por la actitud anticomunista y xenófoba
de algunas personalidades conocidas del
mundo del cine americano, hizo que Sergei
regresa a su país natal, para luego embarcarse
a México.
Acompañado de sus incondicionales amigos, el
productor Grigori Aleksandrov, y el cinematógrafo
Eduard Tisse, Eisenstein tuvo la oportunidad de
hacer un cine mantiendo la integridad de su visión y
estilo propio.
Mientras filmaba ¡Que viva México!, Sergei conoció a
Frida Kahlo y a Diego Rivera, pintores mexicanos de am-
plia trascendencia. Eisenstein valoraba mucho la cultura
mexicana, en tanto el contexto de la revolución mexicana
constituía en ambiente idóneo para expresar audiovisual-
mente el sentir de miles de personas involucradas en la
misma.
Sin embargo, los problemas llegaron para Eisenstein, en
el momento menos esperado.
Casi al final de la película, cuando casi todo estuvo ter-
minado, hubieron problemas internos de producción, que
conllevaron a la cancelación total de la película, deján-
dola incompleta.
A pesar que se dijo Eisenstein que el largometraje sería
terminado por otras manos, Sergei nunca recibió el
proyecto terminado. Hay varias versiones de ¡Que viva
México! finiquitadas, editadas de maneras diferentes
por diferentes productores. Se dice que Sergei olvidó
el proyecto y pasó a otro tema. Luego de hacer una
escala en Texas, Sergei regresó a Rusia. A hacer más
cine.
A su regreso a la Union Soviética, Sergei regresó a la
realidad del cine ruso, y aprovechó para limar asperezas
con Stalin, con quién se mantuvo en conflicto durante los
años en los cuales trabajó para Hollywood y en México.
Como una respuesta a la buena disposición de Stalin,
Sergei realizó varias películas, películas legendarios que
hasta ahora son referentes de cine a nivel mundial, y que
han recibido elogios, tanto de la Unión Soviética como del
resto del mundo.
Primero realízó la película “Alexander Nevsky”, en el cual
retrataba al príncipe del mismo nombre, como un héroe
nacional, un joven que a los 19 años repelió la invasión de
los teutones y que posteriormente se convertiría en líder
del pueblo ruso.
Luego, Sergei filmó “Ivan el Terrible”, en tres partes; una
en 1944, otra en 1946, y otra última que estuvo en produc-
ción, pero que fue cancelado a mitad de camino.
La historia del tsar Iván el terrible, específicamente la
parte I, lo hizo merecedor de elogios nacionales e inter-
nacionales, como por ejemplo, la Orden de Lenin, el
premio más representativo que puede recibir un
ruso, otorgado solo a aquellos individuos o gru-
pos que han revolucionado, realzado o mejo-
rado la USSR en cualquier aspecto; ya sea
militar, político, social, y en este caso
específico, cultural. Es una mención
comparable, si se quiere comparar
a nuestro propio contexto, a la
Orden del Sol.
Sergei Einsesntein
muríó relativamente
joven, a la edad de
50 años. Su invalorable
legado quedará en nuestro
imaginario por siempre
Juan L
uis
Varga
s
AK LLEVEME CON SU LIDER
Por: Juan Luis Vargas

INSTRUCCIONES: PASE LA PÁGINA SIN LEVANTAR ESTE BORDE

IRK U
A RO
SA
W
A
 A kira Kurosawa, llamado “Emperador del cine” por su carácter estricto a la
hora de dirigir, es uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos. El
director japonés, admirador del cine occidental, logró con sus apasionantes trabajos
sobre crímenes, samuráis, adaptaciones literarias extranjeras y la vida diaria,
reestructurar la forma de hacer cine en el mundo entero. Llegó a trabajar codo a
codo con la URSS, con George Lucas, Steven Spielverg y Francis Ford Coppola.

D escendiente de una antigua

casta de samuraís, en 1910
Akira Kurosawa nació último de
siete hermanos y creció muy apegado
a su hermano Heigo. La pasión de
Kurosawa por el cine le fue inculcada
por Heigo, quien trabajaba de
narrador para cine mudo y le mostró
mucho cine extranjero a su hermano
Akira. Con la llegada del cine sonoro
se acabó el trabajo para los narradores
de cine mudo en Japón, lo que
desencadenaría una ola de depresión
para Heigo, que termino suicidándose
a los 27 años.
Akira se ejercitó en todo tipo de
artes, de las cuales se perfeccionó en
la pintura mucho antes de encontrar
“Me había dedicado
a la pintura, a la
literatura, al teatro,
a la música y a
otras artes”
alguna oportunidad en
el mundo del cine:
“Me había dedicado
a la pintura, a
la literatura, al
teatro, a la música
y a otras artes, y
me había quebrado la cabeza con todas
esas materias que, al fin y al cabo, reúne
el arte del cine”. En 1938 participó en
cursos para aprendiz de director que
dictaba el estudio de cine Toho (factoría

George Lucas se basó

en el argumento de El Cas-
tillo Escondido (1958) para
realizar las primeras en-
tregas de Star Wars;
y en dos personajes
(humanos) de esta mis-
ma película para crear a
R2D2 y a C3PO.

Takashi Shimura y Toshiro

Mifune son dos nombres que casi
siempre vamos a leer estelarizando
el reparto de sus películas (si es
que tiene subtítulos). Se puede ver
gran destreza de ambos en Los
Siete Samurais y en Perro Rabioso,
y destacan de forma individual
“Yojimbo” Shimura en Vivir y Mifune en
Yojimbo.

18
que produciría Godzilla en 1954) donde, la entrañable Vivir (1952) y Los siete gran película a color (El Camino de la
posteriormente, comenzó a trabajar. Sus Samurais (1954), película que instituiría Vida), pero supero las adversidades
primeros trabajos fueron como asistente los argumentos clásicos para presentar con éxitos como Derzu Uzala
del director Kajiro Yamamoto (Hawai personajes. De aquí en adelante produjo (1975), Kagemusha (1980) y Los
Mare Oki Kaisen) y luego como uno de cintas espectaculares como Trono de Sueños de Akira Kurosawa (1990). El
los guionistas del Toho. Sangre (1957), La Fortaleza Escondida cineasta, habiendo sido ya reconocido,
(1958), Yojimbo (1961), El Infierno del homenajeado e imitado; después de
Sus primeras películas se vieron Odio (1963), Barbarroja (1965). una vida de admirable trabajo, falleció
sometidas a ser propaganda para el gobierno mientras dormía antes de que fuesen
japonés a principios de los 40, estas fueron Kurosawa tuvo problemas por la proyectadas sus dos últimas películas:
La Leyenda del Gran Judo y su secuela (en poca eficacia comercial de su primera Rapsodia de Agosto y Madayayo.
la que un judoka vence a un boxeador
americano). Después de esta etapa pudo
plasmar su vida y sus pensamientos con
más libertad. Él mismo decía que quien
conociera de su vida entendería mejor sus
filmes. A finales de los 40, el cineasta con
afición por el alcohol rodó Angel Borracho,
sobre un médico alcohólico y un gangter
tuberculoso; y “Perro Rabioso”, película
policiaca que gira alrededor de la pérdida
de una pistola.
En 1950 recibió el
reconocimiento
internacional que se
merecía con Rashomon
En 1950 recibió el
reconocimiento internacional que se
merecía con Rashomon (ganadora del
Oscar a mejor película extranjera).
Pronto seguiría mostrando su pasión
Takashi Shimura & Toshiro Mifune
por las vida militar del Japón feudal Perro Rabioso (1949)
y por los sentimientos humanos con

Una forma fácil de iden-

tificar a un director que sea
seguidor de Kurosawa es fi-
jarse en la utilización de sus
transiciones característi-
cas (usted acaba de simu-
lar una, si es que siguió las
instrucciones de la página
anterior).
Los Siete Samurais (1954) es
la película de Kurosawa que más
veces ha sido adaptada. De todas En 1990, sus dos
las adaptaciones destacan el grandes seguidores, George
clasico western de 1960 Los Siete Lucas y Steven Spielberg le
Magnificos y la serie retrofuturista entregaron un premio Oscar
de animación japonesa del 2004 honorifico por toda su
Samurai 7. trayectoria cinematografica.

19
 Diego
Almen
dariz
INGMAR
BERGMAN
Un arte confuso y peligroso

por Diego Almendariz

21
 Son los llamados temas metafísi-
cos, aquellos temas de conversa-
ciones interminables, de opinio-
nes internas, inexplicables, de
creencias y costumbres; de Dios,
del Diablo, del universo… Ing-
mar Bergman fue un gran direc-
tor cinematográfico que vale la
pena recordar. Autor de memo-
rables películas que han pasado
a la historia en las que siempre
rondaron temas tan polémicos
como los relacionados a la reli-
gión, la conciencia, el pecado y
la intimidad. Durante sus obras
maestras nos mantuvo engan-
chados por los caminos revolto-
sos de la metafísica, los proble-
mas y laberintos en las que las
personas se envolvían.
Ernst Ingmar Berman naciò el 14 de Julio de 1918 en Uppsala, Suecia.

Ingmar Bergman, segundo hijo de un Progresivamente el joven Bergman buscó

pastor luterano, Erik, y de Karin Åker-
blom, nació en Uppsala. El mundo me-
tafísico de la religión influyó tanto en
su niñez como en su adolescencia. Su
educación, por otro lado, estuvo basada
en los conceptos luteranos de “pecado,
confesión, castigo, perdón y redención”.
la forma de encauzar sus propios senti-
mientos y creencias independizándose
cada vez más de los valores paternos a fin
de buscar su propia identidad espiritual,
pero, a lo largo de su vida, Bergman siempre
mantuvo un canal abierto con su infancia.

“La vida es una

interr umpida e
intermitente sucesión
de problemas que
solo se agotan con la
muer te.“

22
ESTILO
Dos dramaturgos, August Strindberg y, so-
bre todo, Frank Nicholas Petrosinov, le in-
fluyeron e introdujeron en un mundo don-
de se manifestaban los grandes temas que
tanto lo atraían, cargados de una atmósfera
dramática, agobiante y aun desesperanza-
da, lo que deja una profunda huella en el
espíritu del joven Bergman y una marcada
influencia en su obra artística.

Su narrativa visual suele ser deliberadamen-

te lenta, con un montaje y una secuencia de
planos mesurados, esto con el fin de lograr un
suficiente tiempo de reflexión entre los espec-
El Séptimo Sello, quizás la más emblemática de sus películas, crítica con una
tadores, aun cuando ya estén “capturados”. Sin
rudeza sutil la verticalidad grisácea y culposa de la religión. A Bergman se le hizo
embargo, tal lentitud está (como en Andrei
intolerable ver como la Iglesia, a través de un maniqueo concepto de Dios, buscaba
Tarkovsky) lejos de la monotonía merced a la
rebajar al hombre a algo poco menos que miserable.
carga del mensaje o a la excelente marcación
actoral; otra característica de su estética fílmi-
ca es la limpieza de las imágenes.

Es recurrente el hecho de que en la mayor

parte de la filmografía del realizador sueco, Imágen representativa
sus personajes son atravesados por los del séptimo sello y
mismos caminos en que se internan. Se trata de Bergman como su
de trayectorias que los reconducen hacia director, en la que se ve
sí mismos, hacia su propia alma, hacia su a un hombre jugando
propia conciencia. Son recorridos íntimos,
enigmáticos, que muchas veces se apoderan del
ajedrez con la muerte.
espectador transportándolo a una experiencia
estrictamente personal e inquietante.

El Silencio, una de las películas más

abstractas y simbólicas de Bergman,
vuelven a exhibirse los temas que tanto
lo obsesionaran: el arte como liberador
(simbolizado por Bach y los enanos de
circo que viven en el hotel), el conflic-
to para la comunión, la sexualidad y la
culpa. Y todo en un marco físico donde
gobiernan el calor, la excesiva luz y el
silencio que nace de la incomunicación.
En esta atmósfera, Dios podría ser el
gran ausente.

23
 Lucía
Túpac
Yupan
qui
R
Al margen

Por: Lucia Tupac Yupanqui Palomino

 Innovador, incomprendido, crítico, inquietante, coherente, censurado, incansable, experimental,

literario, plástico, iconoclasta, sugerente, reinventor, discípulo, maestro

Es indescriptible, es JEAN LUC GODARD

DESENLACE Javier Memba. Es decir, Godard quiebra

Definir el estilo de Godard
es una tarea odiséica en la
que más de uno ha dado un
paso en falso. Probablemente,
se debe a que, como él mismo
afirma, “Godard no tiene estilo,
sino simplemente ganas de hacer cine
(…). De hecho, mi tarea ha consistido
siempre en estar al margen, en el
margen”. Esta tarea se traduce en la
reducción del lenguaje cinematográfico
a una “taquigrafía”, en palabras de
los convencionalismos del cine (la
continuidad, la dirección habitual de
actores, los géneros, etc.). Y además lo
hace deliberadamente, por necesidad.
Sus influencias se extienden en amplias
direcciones, desde Bertolucci hasta Lars
Von Trier. Y, como consecuencia de esta
curiosa amalgama, Jean Luc Godard es
uno de los cineastas más importantes
de la historia, pues ha conseguido lo que
muchos denominan una “reinvención del
cine”.

Le mepris
1963

“Godard no tiene estilo,

sino simplemente ganas de
hacer cine (…). De hecho,
mi tarea ha consistido
siempre en estar al margen,
en el margen”

“Por supuesto un filme debe teber un principio, un

nudo y un final.
Pero no necesariamente en ese orden”

26
 Al final de la escapada
1960
NUDO
Tan solo con estreno de su primer
largometraje, Al final de la escapada,
en 1960, Godard produce un quiebre
en la historia del cine sin precedentes.
Este film constituye su tarjeta de
presentación: Godard había realizado
una suerte de reingeniería del lenguaje
cinematográfico. A través de su película,
muestra al mundo su modo, hasta
entonces inconcebible, de percibir la
realidad y contar historias. En adelante,
se ha mantenido fiel a su estilo sin
dejar de moldearlo con innovaciones
permanentes. En su etapa temprana INICIO
entrega cintas como El Soldadito, Lemmy París no solo es el lugar en el que nace
contra Alphaville y Pierrot el loco. Estas Godard un 3 de diciembre de 1930. Sino
películas muestran cierto interés por también, el lugar en el que Godard tiene y, tal vez, más importante escuela.
la temática maoísta, sin embargo son su primer y más profundo encuentro Como consecuencia, Godard y otros
de corte comercial. A raíz de la crisis con el cine (que desencadenó un que también fueron seducidos (François
de mayo de 1968, el cine de Godard romance que no terminaría jamás). Truffaut, Eric Rohmer, Jacques Rivette,
toma un nuevo giro y aborda temas Así, mientras estudiaba etnología en entre otros) crearon la Nouvelle Vague
estrictamente políticos. Pertenecen a La Sorbona, él y sus contemporáneos en la década de 1960. Si bien es cierto
esta segunda etapa Pravda, Lotta Italia, “descubren” la Cinemateca Francesa que Godard es considerado como uno
Jusqu’à la victoire, etc. Todo va bien (proyección, conservación y restauración de los fundadores de esta corriente, es
(1972) constituye una reconciliación de un sinnúmero de películas desde los difícil etiquetarlo como parte de ella. Es
entre su interés por la temática política primeros años del cine, como iniciativa difícil etiquetarlo como parte de alguna.
y el cine comercial. En adelante y hasta del Gobierno Francés). Además de Y es que Godard tiene un estilo con una
ahora, se ha mantenido en el cine mostrarle un nuevo universo, el del cine, particularidad tal, que, como afirma
experimental. Su interés se pasea por la Cinemateca se convirtió en su primera Laurent Tirard, “ocupa un lugar propio en
la revisión de clásicos (Nombre:Carmen), la historia del cine”.
la religión (Yo te saludo, María),
mitos cinematográficos
(Detective) , entre otros, con
el particular andar que lo
caracteriza. Incluso la
televisión se ha convertido,
más recientemente, en su
terreno de exploración.

Pierrot el loco
1965

27
KRZYSZTOF
KIESLOWSKI
Libertad, Igualdad y Fraternidad
 Director y
guionista polaco nacido en
Varsovia, el 27 de junio de 1941.
Kieslowski vivió en un entorno infantil difícil,
ya que su padre sufrió de tuberculosis, lo que
llevó a ir y venir de hospitales debido a la escasez de
servicios médicos en la postguerra. Su madre era una
oficinista que falleció en un accidente de tránsito.
Esto explica el tratamiento que le daría a sus
obras: impregnadas de melancolía y abordar
temas como la fugacidad de la vida, y
la proximidad de todos a la
muerte.
por: Pedro Egusquiza
K
rzysztof conoce el mundo del
cine guiado por el teatro, su gran
afición. Logra ingresar, después
de varios intentos, a la famosa
escuela de cine de Lodz, lugar donde se
formaron grandes directores como Polanski (El
pianista). Al poco tiempo de haber ingresado,
logra realizar su primer cortometraje llamado
El tranvía. Con esto busca analizar la opresión
que representaban todas las autoridades. La
cinematografía juega a ser un elemento por el
cual puede reflexionar sobre esta realidad.
Se gradúa en 1968, con su tesis denominada
La realidad y el cine documental. En este
documento trataba de exponer que la realidad
es mucho más extraña que cualquier obra
de ficción. La misma realidad es fuente de
inagotables reflexiones, las cuales no se han
descrito totalmente. Es por esto que surge una
crítica al comunismo, ya que no pretendían
cambiar su entorno, sólo querían imponer un
modelo en el cual sólo se implantarían falsas
propuestas.
El cine de Kieslowski toma una personalidad
única. El autor se convierte en descubridor de
tiempos y espacios nunca antes percibidos. Tal
como menciona: “Lo que intento capturar es tal
vez el alma; en cualquier caso, una verdad que
yo mismo no he encontrado. Quizá un tiempo
que vuela y que no pueda ser nunca atrapado”.
A continuación, una lista de su filmografía
seleccionada: La cicatriz (1976); el Amateur
(1979); Sin final (1985); El azar (1987); No
matarás (1988); No amarás (1988); La doble
vida de Verónica (1991); Tres colores: Azul
(1993); Tres colores: Blanco (1994); Tres
colores: Rojo (1994).
“El cine de Kieslowski
toma forma y personalidad.
El autor se convierte en
descubridor de tiempos
y espacios nunca antes
percibidos”
Blanco, es un filme tragicómico que nos
muestra la vida de Karol, un peluquero
polaco casado con Dominique. Su matrimonio
se rompe y están a punto de divorciarse,
su incapacidad para tener intimidad con su
esposa es el problema de todo esto. El trato de
la justicia francesa lo hace sentir indefenso: no
es su país, su esposa no lo entiende. Su vida
se ha convertido en nada más que una lenta
carga. Por ello decide regresar a su país, y
ambos descubren un viaje de autoexploración
para conocer lo que en realidad siente cada
uno. En el filme, Kieslowski nos muestra la
lucha por esta igualdad. Karol, a diferencia
de Julie en Azul, se apoya en el amor de su
esposa, o en la búsqueda de este para poder
lograr sus objetivos.
Rojo, nos presenta a Valentine, una chica que
es modelo de medio tiempo y que tiene un
novio manipulador. Bajo varios accidentes del
azar se ve relacionada con el ex juez Joseph
Kern. Al final, la vivacidad del amor demostrará
la unión de toda la trilogía presentada.
Al terminar estas obras, Krzysztof se retira del
cine. Según él, ya habia todo lo que tenía que
decir en esta vida.

Azul, es un filme sencillo y triste a la vez.

Julie acaba de perder a su marido y a su hija
en un accidente de tránsito. Por ello decide
alejarse de todo aquello que le hiciera sentir
algo, la música la persigue: una ópera sin
acabar trata de convencerla de terminarla.
El panorama parece desolador, pero poco a
poco las personas van apareciendo en su vida
haciéndola dudar si en verdad estuvo bien
cerrar su corazón, a costo de ser libre.

30
 Fondo y forma
Su obra tiene el componente principal
de la reflexión. El director duda de todo,
es escéptico por naturaleza, pero es en esa
duda que nos muestra la verdadera realidad de
la vida y la libertad interior, aquella que el cine de
empaquetado no puede llegar ni llegará debido a su
propio origen en la cual todos estos productos son iguales.
Kieslowski nunca buscó el éxito taquillero, se consideraba un
poeta. El rollo de treinta y cinco milímetros era su herramienta
para poder mostrar su mundo interior y utilizaba la fotografía y el
sonido como sus moldeadores de sus relatos.

“El cine no se debe olvidar su dimensión ética.

Y la conversación es algo ético, sobre todo en este
mundo en su lugar envía un fax”

Se interesó por utilizar el lenguaje cinematográfico para expresar sus ideas

sobre la vida del individuo, de la libertad, igualdad y fraternidad. En estas
épocas se hablaban bastante en Europa, pero no se practicaban. El cine
siempre para él fue un medio. No era un vanguardista, ya que no producía
el efecto de extrañamiento en sus espectadores, como si lo hacía Bergman,
Tarkovski o Godard. Krzysztof buscaba decir algo, antes que perder el
tiempo reduciendo un papel a sólo mostrar algo. Para él primaba el fondo,
pero sin una forma correcta este nunca iba a calar hondo en la mente de sus
espectadores.

Kieslowski, al final de su carrrera, consideró a la cámara un objeto burdo

para su propósito. Siempre quiso ser escritor pero por azares del destino,
primero llego a la escuela de cine y teatro en Lodz. Todo esto lo llevaría a
convertirse en un director que concedia a la estructura del cine un valor de
útil, que servía para analizar su vida misma. Krzysztof decía “(…) yo no hago
propuestas morales. Es más cuando oigo la palabra moral me escondo dentro
del caparazón. Yo no hago películas morales sino éticas, porque moralista
es alguien que sabe e intenta decir a los otros lo que es bueno y lo que es
malo (…) yo no porque lo que intento hacer a través de mis películas son
preguntas que sirvan para mantener una conversación con el público”.

Según el director, el cine no se debe olvidar su dimensión ética. Y la

conversación es algo ético, sobre todo en este mundo en que el diálogo
desaparece porque la gente cada vez habla menos y, en su lugar envía un fax. Es en
este objetivo de Kieslowski que deslumbro no haberla hallado, por su complejidad.
Y, por lo tanto, asumimos que el objetivo del diálogo se convirtió en el propio camino
antes que en algo palpable. La libertad y el amor fueron los medios utilizados en su
vida, hasta que lentamente se fue extinguiendo, despues de habernos dejado
una obra tan maravillosa que culminó en 1994.

31
El Inicio
Por: José Iván Camacho Castro

Martin Scorsese es uno de los directo-
res cinematográficos más destacados
de su generación. Siempre con un es-
tilo narrativo anticonvencional, lo ha
ganado todo. Sin embargo, no todo
fueron lauros para “Marty“, pues se
desarrolló como cineasta en
medio de una coyuntura di-
ficil, donde los recursos no
siempre abundaban.
M
artin Scorsese nació el 17 de
noviembre de 1942 en New
York, exactamente en el
populoso barrio de Queens.
Si embargo, creció en Little
Italy, otro barrio de la misma
ciudad. Es descendiente de
inmigrantes italianos pues
se conoce que sus padres
llegaron desde Sicilia a tierras
americanas.
Hijo de personas de la clase
trabajadora, siempre estuvo
alejado de las prácticas
deportivas por padecer de
asma. Cuando creció quiso
convertirse en sacerdote e
ingresó al seminario de la
Cathedral College.
Posteriormente, a finales de
la década de los cincuenta, decide
abandonar sus ideas de sacerdocio
al ser influenciado por grandes del
cine como John Ford, Orson Welles,
Federico Fellini y, sobretodo, Michael
Powell. Es así que el joven Scorsese
comienza a rodar sus primeros cortos.
AHÍ LLEGO YO
El primer cortometraje que realizó Scorsese
fue “Vesuvius VI” en 1959, hecho que lo
entusiasmó a continuar con la idea de
dedicarse al cine, tanto así que se incorpora
34
a la New York University en 1960, donde estudió
cinematografía durante cinco años.
En el lustro que permaneció en la universidad pudo
grabar varios cortometrajes, casi todos inspirados
en las corrientes cinematográficas más innovadoras,
como la Nouvelle Vague y el Neorrealismo Italiano,
de gran influencia durante la década de los sesenta.
Hacia 1963 rodó su segundo corto titulado
“What’s a nice girl like you doing in a place like
this” , considerado por la crítica como su primer
cortometraje medianamente profesional. Al año
siguiente, realizó “it’s not just you, Murray”,
cortometraje donde iba marcando más su propio
estilo.
Otro hecho que le favoreció en su
lucha por destacar en el cine, fue que
logró obtener una serie de amistades
muy importantes, como Brian de
Palma, un cineasta compañero de
generación con quien asistía a clases
y con quien tenía una gran afinidad
debido a lo similar de su tendencia.
Con estos cortos, Scorsese inició
un accidentado camino para
salir adelante como cineasta,
pues durante sus primeros años
como tal, los antiguos estudios
atravesaban por una gran crisis
económica.
A todo lo señalado, se sumaba
el “boom” de la televisión, que
en un inicio acaparó mucho la
atención del público y propició
que las personas se ausentaran
considerablemente de las salas
de cine durante un periodo de
tiempo y, para colmo de males,
se vivía una época convulsa
en Norteamérica en todos
sus ámbitos (social, político y
económico).
Aun en la segunda mitad de la
década de los sesenta, Scorsese no
sabía si podría tener una continuidad
laboral.
Barbara Hershey en
Boxcar Bertha.
A pesar de ello, realiza su primer largometraje:
“¿Quién golpea a mi puerta?” (1967), un drama
urbano de corte autobiográfico protagonizado por
Zina Bethune y Harvey Keitel.
Hasta aquí todos sus trabajos fueron realizados con
mucho corazón e instinto, pues contó con pocos
recursos para realizarlos. Sin embargo, Scorsese
ya dejaba ver un talento tan enorme como las
ganas de ser grande, imponiendo un estilo que
había encaminado por la premisa de narrar
de forma anticonvencional, jugando entre lo
sublime y lo fallido, un riesgo que Scorsese ha
tomado durante toda su carrera.
Aún en la segunda mitad de la
década de los sesenta, Scorsese
no sabía si tendría estabilidad
laboral.
¡MAMÁ PAPÁ!
Scorsese utilizó a sus padres, Charles y Cathe-
rine, en varias de sus películas. Su progenitora
in terpretó a la madre de Joe Pesci en “Good
Fellas“. Al parecer, la vena art[istica le venía de
familia.

Catherine Scorsese en “GoodFellas” (1990).

LAS MÁS RECORDADAS

¿QUIÉN GOLPEA A MI PUERTA? (1967)
BOXCAR BERTHA (1972)
ITALIANAMERICAN (1974)
TAXI DRIVER (1976)
AMERICAN BOY: A PROFILE OF STEVEN
TORO SALVAJE (1980)
EL REY DE LA COMEDIA (1983)
LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988)
KUNDUN (1997)
GANGS OF NEW YORK (2002)
EL AVIADOR (2004).
INFILTRADOS (2006)
SHUTTER ISLAND (2010)
Jodie Foster en
la recordada
“Taxi Driver”.

35
Priscil
la
Zubiria
 Actor y director de cine canadiense. Es uno de los principales exponentes de
lo que se ha denominado horror corporal, el cual explora los miedos humanos
ante la transformación física y la infección. Inaugura y abandera el concepto de
la “Nueva carne”, eliminando las fronteras entre lo mecánico y lo orgánico.

N ació en el seno de una familia

lituana en Toronto; su padre
era periodista y su madre, piani-
sta. Asistió al Harbord Collegiate
Institute en su juventud y luego se
graduó en literatura en la Universi-
dad de Toronto. Ha citado a William
S. Burroughs y Vladimir Nabokov
como sus influencias.
En sus películas, usualmente se
mezcla lo psicológico con lo físico.
En la primera mitad de su carrera
exploró estos temas principalmente
a través del terror y la ciencia ficción,
aunque su trabajo hace tiempo se ha
extendido más allá de estos géneros.
Junto a John Carpenter y a Wes Cra-
ven forma el grupo denominado “las
tres C” del cine de terror actual.
Cronenberg no ha trabajado
Durante su carrera, sus películas dentro del mundo del
han seguido una progresión defi-
nida, un movimiento del mundo
cine comercial y de alto
social a la vida interior. En sus presupuesto de Hollywood,
primeras películas, científicos mod- aunque ha tenido ocasionales
ificaban cuerpos humanos, lo cual acercamientos.
daba lugar a la anarquía social .
1977

1983

1986

Filmografía mutacional y seductora

38
 Cronenberg ha dicho que sus pelícu-
las deberían ser vistas “desde el punto
de vista de la enfermedad”. Por ello,
enfermedad y desastre, en el trabajo
de Cronenberg, son mejores proble-
mas con que lidiar que los agentes de
transformación personal.
El rechazo a
Hollywood
Cronenberg no ha trabajado den-
tro del mundo del cine comercial y
de alto presupuesto de Hollywood,
aunque ha tenido ocasionales acer-
camientos. Todo lo contrario, la
mayoría de sus películas han sido
al menos parcialmente financiadas
por Telefilm Canadá, y Cronenberg
es un partidario de los proyectos fíl-
micos apoyados por los gobiernos.
“Cada país necesita un sistema de
fondos gubernamentales con el fin
de tener un cine nacional frente a
Hollywood”, expresa Cronenberg.
Del mismo modo, Cronenberg
permanece siendo un cineasta ca-
nadiense incondicional, con casi
todas sus películas -incluyendo las
grandes de estudio La zona muerta
y The Fly - han sido filmadas en su
provincia natal de Ontario.
1986
1991
1996
La Lealtad
Es importante resaltar también que
Cronenberg, asociado con la leal-
tad que muestra a sus colaboradores
clave, ha contratado a Howard Shore
para componer la banda sonora en
prácticamente todas sus películas.
Otros colaboradores regulares in-
cluyen al actor Robert Silverman, el
director de arte Carol Spier, el editor
de sonido Bryan Day, el editor Ronald
La nueva carne
Sanders, su hermana, la diseñadora El cuerpo sufre una serie de mu-
de vestuario Denise Cronenberg, y de taciones para poder albergar im-
1979 a 1988, el director de fotografía ágenes en sus entrañas, al enfren-
Mark Irwin. Ahora trabaja en cada tarse a un videocasete palpitante
una de sus películas con el director de una vagina dentada se abre en el
fotografía Peter Suschitzky . estómago del protagonista para
recibirlo gustosamente. En un
mundo obsceno, sólo el objeto
Su encanto como puede seducir.
director
La nueva carne como el último des-
Gran parte del encanto de tello de seducción en el universo
Cronenberg es lo explícito de sus his- desencantado del sujeto fractal.
torias y personajes, no sólo a un nivel
histriónico o gráfico, sino a nivel emo- Esta resulta ser, entonces, la cor-
cional y psicológico, en los que las poralidad desnuda ante la caricia
transformaciones y mutaciones físi- abyecta del metal, la somática an-
cas y mentales juegan un papel vital ti-utopía post-industrial presente
dentro de la historia, permitiéndole en el imaginario cultural de cruce
ingresar a partes de profundo terror y de milenios.
altibajos emocionales que desarrollan
espirales de tragedia y exposición.
En sus películas, usualmente
se mezcla lo psicológico con
lo físico. En la primera mitad
de su carrera exploró estos
temas principalmente a través del
terror y la ciencia ficción, aunque su
trabajo hace tiempo se ha extendido
más allá de estos géneros.
1999
2002
2005
2007
39
 Mercy
Talave
ra
 George
Lucas

“A pesar de escribir guiones, no creo que

sea un buen escritor.”

Por Mercy Talavera

41
 George Lucas no solo fue creador de la famosa saga Star Wars, sino
tambien fue coproductor y creador de la historia de Indiana Jones y
el templo maldito, estrenada en 1984, nominada a dos premios de la

c
Academia y que obtuvo un Oscar por los efectos especiales.

ineasta estadounidense nacido el

14 de mayo de 1944 en Modesto,
California. Estudió en la escuela
de cine University of Southern California.
A lo largo de su carrera realizó algunos cor-
tometrajes y gracias a su esfuerzo y dedi-
cación ganó el primer premio en el Festi-
val Nacional de Películas de Estudiantes en
1967. Luego, se hizo acreedor de una beca la
cual le permitió observar el rodaje de Rain-
bow de Finian (1968) dirigida por Francis
Ford Coppola. Gracias a ello, estableció una
relación de amistad con el conocido direc-
tor. Como consecuencia de ello, formaron
la compañía American Zoetrope con la idea
de hacer un largometraje. Sin embargo, al
poco tiempo se separaron y Lucas fundó
su propia compañía, Lucasfilm Ltd. Es así
como comenzaron a llegar los éxitos para Star Wars : The
este brillante director; sin embargo, al poco Force Unleashed.
Juego creado por
tiempo todos ellos se verían opacados con
LucasFilm Games
la llegada de su gran película y futura
saga.
sonido, cambiando luego su nombre a Sky-
walker Sound en honor a la gran acogida
que había logrado la película.

Inspirado por el comic Flash Gordon
y la película El Planeta de los Simios,
escribió su primer guion, el cual sin sa-
berlo seria el primero de muchos más. Para
realizar los efectos especiales de su película
fundó ILM (Industrial Light & Magic), ya
que este director requería efectos especiales
inusuales para la época, que en ocasiones
eran auténticas obras de ingenio debido a
la falta de medios tanto económicos como
tecnológicos de por aquel entonces, y la fal-
ta de tecnología digital. Mientras que otra
compañía se dedico a la edición y mezcla de
Es importante mencionar que para Lu-
cas no fue fácil realizar su película, ya que
tuvo que presentar su proyecto a varios
estudios, siendo rechazado una y otra vez.
Sin embargo, esto no fue impedimento
para que este genial director lograra que
su proyecto fuese aceptado, pero para ello
tuvo que llegar a un acuerdo con los ejecu-
tivos de Twentieth Century Fox. Se vio en
la necesidad de ceder su salario como
director de la película a cambio
de recibir el 40% de las ga-
nancias de taquilla y to-
dos los derechos del
merchandising.

Star Wars recibió

siete nominaciones
de la Academia, lo
cual era casi im-
No obstante, Fox
pensado hasta ese no imaginaba
el gran éxito
momento para una de taquilla
que sería este
película d e cien- proyecto; por lo
cia fIcCión. tanto, George Lucas
fue el mayor beneficiado.
Con el éxito de la película y de su comer-
cialización, Lucas ya no necesitó al estudio.
 narse en tan solo una película:

“No mucho tiempo después de que

comenzara a escribir Star Wars, concluí
que la historia daba para más de lo que
una simple película podía dar cabida.
(...) empecé a visualizarlo como un relato
que tomaría lugar en, por lo menos, nueve
películas -tres trilogías- y decidí continuar
justo entre los hechos precedentes y los suc-
esivos, partiendo entonces con la historia
intermedia.”

Definitivamente, esta saga demuestra

que George Lucas es un gran director y
guionista, capaz de empezar con una
historia a la mitad y terminarla sin
ningún tipo de error o problema
de conexión. Esto es lo que
hace genial a este director.
Además de que fue ca-
paz de hacer exitoso un
proyecto por el cual
absolutamente
nadie apostaba.

Para los episodios V y VI, pidió préstamos bancarios, que

pagó con las ganancias de cada película. En realidad el rodaje
tuvo multitud de problemas, y los críticos y analistas pronos-
ticaban un gran fracaso del estreno. Con un gran trabajo
de persuasión consiguieron llevarla a 37 salas de cine
para su estreno el 19 de mayo de 1977. Sin em-
bargo, los espectadores quedaron impacta-
dos ante tan buena película.
Desde un principio Lucas sa-
bía que este proyecto
no podía
termi-
Wilfre
do
Álvare
z
 Peter
Jackson
...El pasado Está hecho
para recordar
Por Wilfredo Alvarez

45
Empezó con una cámara de 8mm que le regalaron sus padres y ahora incursiona en el
rodaje de películas en 3D. Sin duda Sir Peter Jackson no da pasos escalonados, ni mucho
menos en falso; él simplemente salta barreras, ya sea como guionista, productor y/o director.

S ir Peter Robert Jackson nació el 31 de octubre de 1961 en

Pukerua Bay. Es guionista, productor y director de cine
neozelandés, ganador de numerosos premios.
La infancia de Peter
Jackson hubiera sido
Como un gran apasionado del cine de terror y fantástico, en sus muy solitaria
inicios como director grabó varios cortos. En 1987 aparecería
en la pantalla grande con su primer largometraje, Mal gusto, una al ser hijo
comedia de horror en la que se presentaban a seres de otros
planetas. Bad Taste, nombre original del film, aunque surgió de
único,
una broma entre amigos que rodó con un presupuesto mínimo, pero sus padres
llegó a convertirse en un film de culto para los amantes del cine
gore y abrió a Jackson las puertas de Hollywood. Más adelante, le compraron una
filmaría Tu madre se ha comido a mi perro, nombre con el cual
ingresaría al mercado español o más conocida como Braindead cámara de 8 mm
(1992 ), título con el que gana numerosos premios. cuando tenía Jackson
comenzó su
Jackson también es el responsable de Criaturas celestiales, con el 8 años. carrera rodando
cual se introduciría como director de cine “convencional”, pero filmes en su tiempo
sin abandonar su característico humor negro. También es suya libre, entre los que
la película The Frighteners, una comedia fantástica de espectros destacó en 1987 Bad Taste,
protagonizada por Michael J. Fox. rodado el mismo año de su
boda con Fran Walsh, con la que
¿Cómo empezó todo? comenzó su carrera para acceder al
mundo de Hollywood. A diferencia de sus
La infancia de Peter Jackson hubiera sido muy solitaria al ser hijo único,
compatriotas directores, él ha permanecido en
pero sus padres le compraron una cámara de 8 mm cuando tenía
Nueva Zelanda realizando sus nuevos proyectos.
8 años. Después de recibirla rodaba todos los días películas de
guerra en su jardín con ayuda de sus amigos, con lo que no es
El Señor de los Anillos, es claramente su obra
un misterio saber con este regalo iniciaría su camino como
maestra, gracias a ella y habiendo ganado 11 premios
un reconocido gran director, a pesar de que él siempre
Oscar, sería reconocido a nivel mundial. Algo que pocos
soñó con trabajar en efectos especiales. Años más
saben es que el participó como extra en cada una de las
tarde, habiendo conseguido dinero tras trabajar
películas de la trilogía. Además, antes de ser un famoso director
en un periódico local, compró su primera
de índole hollywoodense, Peter solía plasmar su humor negro
cámara de 16 mm. Este fue otro impulso
y características gore en todas sus películas de cine fantástico y
en la carrera de Peter y terminaría
de terror. Otro dato resaltante sobre él, es que probablemente
despertando el interés por el cine
pase a la historia del cine como el primer cineasta
fue haber visto King Kong en la
en atreverse a dirigir tres superproducciones
pantalla grande a los 9 años y
a la vez. Algo realmente loable por las
en ese mismo momento
características de responsabilidad y
fue que, en realidad,
habilidad que esto conlleva.
empezó todo.
 afía
o gr
Film Bad taste (1987)
Meet the Febbles (1990)
Braindead (1992)
Criaturas celestiales (1994)
The Frighteners (1996)
Trilogía del
Señor de los Anillos (2001-
¿Cómo llegó a obtener el 2002-2003)
título de Sir? King Kong (2005)
Peter Jackson ha sido nombrado caballero de District 9 (2009)
la orden de Nueva Zelanda el 27 de abril del 2010,
siendo el primer título de estas características que Nueva
The Lovely Bones (2009)
Zelanda concede en una década, reconociendo así a su El hobbit (2011 – rodando)
director más universal y a uno de los ciudadanos más importantes
de este país. Peter declaró anteriormente, cuando se enteró de su
nombramiento que sin duda sería un momento increíble y luego
de recibir su título de nobleza, declaró “es mejor que un Oscar”.
Asimismo, dijo: “Una de las mejores cosas de crecer en Nueva
Al Toro por las astas...
Zelanda es que si estás preparado para trabajar duro y tienes fe A fines del 2007 se llegó a conocer sobre su acuerdo con las
en ti mismo, realmente cualquier cosa es posible”, dando aliento compañías MGM (Metro-Goldwyn-Mayer) y New Line Cinema
a sus compatriotas que buscan salir adelante. para llevar la producción ejecutiva de las dos películas basadas
en la novela de JRR Tolkien, El Hobbit, el rodaje de ambas
películas comenzó en febrero de este año, y se planea que serán
No olvida Nueva Zelanda estrenadas para finales del 2012 y 2013, respectivamente.
Mas allá de que todas sus películas han sido rodadas en su país,
Sir Peter Jackson ha adquirido negocios y creado otros. Además,
apoya financieramente escuelas locales, festivales de cine y artes y un
organismo neozelandés para la gestión de órganos. De igual manera,
las locaciones donde rodó la trilogía del Señor de los Anillos es
considerada como parte importante para el turismo de su país.

En un principio, iban a ser dirigidas por el realizador mexicano

Guillermo del Toro, ya que Jackson estaba preparando la
adaptación de Las Aventuras de Tintín junto a Steven Spielberg,
pero del Toro se desligó del proyecto por los retrasos en el
comienzo de la grabación, lo cuales se habría dado por los
problemas económicos que estaba afrontando la productora
MGM. Sin embargo, en octubre del 2010 se confirmó que
Jackson no solo será el director de ambas cintas, sino que, según
rumores, la producción contará con un presupuesto total de 500
millones de dólares, convirtiéndolo en el proyecto más caro de
la historia, ojalá que Guillermo del Toro no se entere.

47
 Rocío
Escala
nte
ALEX DE LA
IGLESIA
de la calle al cine

Alex de la Iglesia, reconocido en

el séptimo arte por su creatividad
en las tramas de sus películas,
empezó como dibujante de
fanzines y terminó como un
reconocido director de cine
independiente europeo.

Por: Rocio Escalante Delmar

 Alex de la Iglesia, uno de los
directores más importantes
del cine español, ha
realizado 9 largometrajes,
3 cortometrajes, ha sido
50 director artístico de dos
películas y se ha dado
tiempo para aparecer en la
primera spoof movie española. Sus más allegados amigos que a su vez forman el elenco y equ

A
lejandro de la Iglesia Mendoza, director,
productor y guionista de cine español,
antiguamente fue historietista. Más
conocido como Alex, nació en Bilbao el 4 de
diciembre de 1965. Empezó como dibujante de
comics a los diez años y dibujó historietas en los
fanzines No, el fanzine maldito y Metacrilato y en
revistas como Trokola, Burdinjaun, La Ría del Ocio
o La Comictiva, dirigida por Torbe.
Licenciado en Filosofía por la Universidad de
Deusto, España, como parte de su debut en el medio
cinematográfico decidió introducirse en el mundo del
espectáculo, trabajó en televisión como
decorador, realizó la dirección artística
de Todo por la Pasta de Enrique
Urbizu y participó como director
artístico en el cortometraje
Mamá (1988), de Pablo Berger. A partir de ahí los
acontecimientos se precipitaron y sin darse cuenta
del nivel del que habìa alcanzado para la dirección
de películas, De la Iglesia se ha convertido en uno de
los mejores directores de España.
El avance en su carrera
La peculiaridad de las películas que ha
producido es que estas tienen mucho contenido
tosco y crudo, es decir, las imágenes que
presenta son un poco impactantes para el
público. Sus películas se caracterizan por ser
cine independiente en las categorías de: terror,
acción, comedia y ciencia ficción.
Como parte de su amor por el arte, en 1997
publicó un relato humorístico llamado Payasos en
la lavadora, el cual narra las diversas experiencias
que tiene un escritor durante la Semana Grande
de Bilbao. Para las personas que les guste las
ficciones de la cultura pop, y la filosofía, esta
novela está cargada de ellas y asegura colmar las
expectativas.

A raíz de su gran habilidad y desempeño por el

Acción Mutante cine, el 21 de junio de 2009 fue elegído presidente
es considerada
una de sus de la Academia de las Artes y las Ciencias
mejores
producciones.

uipo de trabajo en todas las producciones del cineasta.
Cinematográficas de España hasta enero pasado.
Sus películas no solamente
apreciadas dentro de su país natal,
en el 2010. Balada triste de
trompeta fue galardonada con
los premios al mejor guión y
el León de Plata a la mejor
dirección en la 67ª Muestra de
Venecia.
Así mismo, este año ha sido
premiado con los premios Goya en
España a los rubros de dirección de producción,
De la Iglesia es una
de las personas más
influyentes del cine
independiente.
Filmogr afia
• Todo por la pasta 1991
• Accion mutante 1993
• El dia de la Bestia 1995
• Perdita Durango 1997
• Muertos de risa 1999
51
• 800 balas 2002
• Crimen perfecto 2004
• Los crímenes de Oxfort 2008
• Balada triste de trompeta 2010
maquillaje y peluquería y efectos especiales.
son Balada Triste de Trompeta, fue la película más
“Lo nominada, con un total de 15 candidaturas.
fascinante
del cine Por otro lado, De la Iglesia siempre
es colocar al se encarga de buscar actores de alta
espectador en trayectoria para sus películas. Han
posiciones morales trabajado bajo sus órdenes diversas
en las que nunca estrellas del mundo de Hollywood como
estuvo” Javier Bardem, Elijah Wood, Leonor
Watling, John Hurt o Salma Hayek, entre
otros.
Christopher Nolan, uno de los más reconocidos
directores de cine del día de hoy, nos tiene acos-
tumbrados a películas llenas de calidad visual y
narrativa. Sin embargo, todo este éxito nace en un
recóndito espacio, lleno de ideas, laberintos, miste-
rios, conocimientos, y recuerdos: su mente. ¿Esta-
mos dispuestos a armar su inmenso rompecabeza?

Por: A. Maria-Jose Hinostroza

 EL INICIO DEL
LABERINTO
Nolan tuvo una vida común, fue al
colegio y a la universidad, como
“¿CUÁL ES EL PARÁSITO
MÁS RESISTENTE? UNA
cualquier otra persona, pero jamás
IDEA. SOLO UNA IDEA DE dejó de realizar cortometrajes
LA MENTE HUMANA PUEDE pues era su pasión. Por esta
CONSTRUIR CIUDADES.
UNA IDEA PUEDE
razón, su perfeccionamiento lo
TRANSFORMAR EL MUNDO ayudó a que sus trabajos fueran
Y CAMBIAR TODAS LAS proyectados bastante tiempo
REGLAS. Y POR ESO
TENGO QUE ROBARLA.”
antes del lanzamiento de su primer
largometraje, tiempo para el cual ya

Dom Cobb
era catalogado como un excelente
(personaje de Inception) realizador.

Si bien Doodlebug es su corto

la temprana edad de 7 años,
y ayudándose de la cámara de su
padre y sus muñecos, Cristopher
más reconocido, desde mucho
antes, Christopher Nolan se había
interesado mucho en el aspecto
psicológico del ser humano, es por
esta razón que, en adelante, esta
característica no solo sería resaltada
sino que sus largometrajes siempre

Nolan empezó a dirigir giran alrededor de temas

sus propios cortos, NOLAN muy relacionados

hecho que, Y LA al cerebro y sus

años más tarde, PSICOLOGÍA misterios.

Si bien es
influiría en su NOLAN TIENE UNA LICENCIATURA EN cierto, se
inevitable PSICOLOGÍA Y ENSEÑA ANÁLISIS DE LA
justifica que
CONDUCTA. NUNCA DEJA DE ESTUDIAR
ascenso a la Y DE ANALIZAR CIERTAS CONDUCTAS Nolan use la
cima en la que HUMANAS LO CUAL REPERCUTE EN psicología por
UN BUEN CUIDADO DEL ASPECTO
se encuentran los los estudios
PSICOLÓGICO EN SUS PELÍCULAS
QUE TANTO DAN QUE que este realiza,
genios del cine de
H A B L A R . el motivo va, más
los últimos
bien, conectado a la
años.
ambición del director por
presentar películas “perfectas”
pues está, desde sus inicios,
acostumbrado a que sus trabajos lo
sean.

Nolan saltó a la fama

con su segundo
largometraje,  Memento,
basado en un relato
corto escrito por su propio personas como nosotros, que, quizá, resto de sus trabajos. Es con la saga
hermano,  Jonathan Nolan, que carecen de información acerca de Batman que Nolan no solo se
luego adaptarían juntos a un guión de esta, podamos sumergirnos posiciona sino que logra realizar un
convencional para rodar la película en enigmas insospechables que gran reto, plasmar su mundo en una
y por el cual fueron candidatos habitan en nuestras propias historia tan conocida y venerada
Oscar en la categoría de mejor cabezas. Muestra del arduo trabajo como es la vida del hombre
guión original. de investigación de Nolan murciélago: ante esto,
son sus películas, cada Christopher no duda
una de ellas nos en darle su toque
da una pieza a las películas,
nueva del gran llenándolas
LAS PIEZAS DEL rompecabeza. de pasado,
ROMPECABEZAS EN CADA PELÍCULA TRATO DE
misterios
Following, su
EXIGIRME MÁS A MI MISMO; y un gran
Con infinidad de cortos realizados, ópera prima, EL HECHO DE QUE EL PÚBLICO c o n t e n i d o
7 películas exitosas y una nueva nos narra la VAYA A VER MIS PELÍCULAS
psicológico. Es
entrega de Batman en camino, historia de un Y HABLE DE ELLAS
YA ME SATISFACE con Inception
Christopher Nolan no solo nos escritor que empieza M U C H Í S I M O que llegamos a
ha engalanado con historias a perseguir a un hombre M Á S.
sumergirnos en el mundo
cautivantes y calidad visual sino que, para conseguir una idea para su
de los sueños, esta vez alejados de
además, nos ha permitido entrar en próximo libro. Desde esta película,
los tradicionales cuentos de hadas
su mundo de piezas importantes de ya podemos observar la marca de
y más bien orientados a las turbias
un rompecabezas el cual nos invita Nolan pues nos cuenta la historia
intenciones de unos robasueños
a armar según nuestro criterio pero desde dos puntos: el principio y
que hacen de todo con tal de

*
basándonos siempre en lo que él el final; y para esto, hace uso de
conseguir datos muy impotantes.
desea que sepamos. flashbacks a modo de recuerdo.

La mente humana es uno de los más
complejos misterios del mundo; sin
embargo, este director ha sabido
pasearse por los más estrechos
pasillos de esta para permitir que
Por otro lado, Memento ya daría
cuenta del interés del director por
la memoria, el tiempo, la identidad,
la realidad y la venganza, temas
que se mantendrían presentes en el
A
ESCRIBIR
SE HA
DICHO

Inception fue la segunda

película original de
Christopher Nolan. Este
tuvo la idea desde que
terminó Insomnia, su
tercera película, pero tardó
9 años en terminar el guión
pues quería aportar toda
su experiencia en el ámbito
psicológico para que tanto
los personajes y la trama,
pudieran satisfacer al
CHRISTOPHER NOLAN DIRIGIENDO A CHRISTIAN BALE EN BATMAN BEGINS. Una de las dúplas más exitosas de insaciable espectador.
Hollywood en la actualidad.

55
José Iv
án
Camac
ho
 Pedro
Egúsq
uiza
 Otto
Parede
s