Pintura, arquitectura y diseño

1900-1950
Integrantes:
Sergio Baeza
Fabián Cordero
Marianela Rojas
David Sepúlveda

Profesor:
Norberto Flores
 Art Noveau
• Movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas
del siglo XX ( 1890-1914).

• Es un movimiento de estilo decorativo desarrollado durante la Belle Époque en Europa y

Estados Unidos. Toma su nombre a raíz de una exposición que realiza Munch en la galería
parisina “La maison del Art Nouveau”, diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905).

• Es conocido con diferentes nombres en determinados países tales como: Judendstil en

Alemania, Estilo modernista en Cataluña, Modernismo en España, Liberty en Inglaterra, entre
otros.

• Utilizaba ciertos recursos artísticos como el uso de líneas sinuosas y composiciones

asimétricas. Sus principales motivos fueron las hojas, flores, la figura femenina. A su vez
este estilo se aplicó al diseño de interiores, joyas, vidrio, cerámica, telas.

• Utilizaba técnicas que le eran propias, tales como , la reproducción mecánica, xilografía,
cartelismo y la impresión. Las imágenes eran planas, lineales y ornamentales.

• Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran
flores, hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio,
cerámica, telas y, sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento
de la litografía.
 Education
Louis Comfort Tiffany
1890
CASA TASSEL.
Víctor Horta
1893
LAS CUATRO ESTACIONES
Alphonse mucha
1896
 Candelabro
Herry Van de Velde
1896
 Medea
ALPHONSE MUCHA
1898
 Palacio Aguirre
Cartagena, España
Víctor Beltrí Roquetas
1901
La Méditerranée
Aristide Maillol
1905
Casa Batllo
Antoni Gaudí
1904-1906
Cartel de Maude Adams
como Juana de Arco

Alphonse Mucha

1909
Casa Milà o La Pedrera
Antoni Gaudí
1910
Venus in der Grotte
Koloman Moser
1915
 FAUVISMO
Fue un movimiento pictórico de origen francés ( 1904 a 1908) que se caracterizó por el empleo
provocativo del color. Su nombre proviene del calificativo fauve, fiera en español, dado por el
crítico de arte Louis Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño
de París de 1905. El precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la
pintura posterior se ha relacionado con la utilización libre del color..
Utiliza visiones idílicas del hombre en la misma naturaleza, con paisajes hermosos. Su
representación era muy colorida como también atrevida, utilización de colores fuertes,
violentos, y atrevidos.

El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los
contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué
colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este
planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor
contraste visual y una mayor fuerza cromática .En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se
olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. Defendían una actitud
rebelde, un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en
definitiva, algo diferente, que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.

Los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintaron el mundo rural y otros el ámbito
urbano. Algunos realizaron desnudos e interiores, mientras otros preferían la pintura al aire libre
influidos por las costumbres del impresionismo, otros mostraban la importancia de sentir la
alegría de vivir.
Berges de la Seine à Chatou
Maurice de Vlaminck
1904
Mujer con sombrero
Henri Matisse
1905
 Pastorale
Henri Matisse
1905
Retrato de Henri Matisse
André Derain
1905
The Turning Road, L´Estaque
André Derain
1906
El puente de Londres
André Derain
1906
Armonía en rojo
Henry Matisse
1908
Desnudo de pié
Jean Puy
1910
 Provenza
Alfred Henry Maurer
1912
 Autorretrato
Isaac Grünewald
1915
 Expresionismo
• El término expresionismo da nombre en los primeros años del siglo XX al estilo que reacciona
frente al impresionismo y al Jugendstil en Alemania, al igual que ocurre en Francia o Italia como el
cubismo o futurismo.

• Asimismo, se utiliza para denominar un clima de desencanto frente a la estructura social y política
de la Alemania de Guillermo II y engloba además al resto de las manifestaciones artísticas.
• Dos grupos en Alemania se consideran específicamente expresionistas. "Die Brücke"(El Puente)
fundado en 1905 en Dresde, y "Der Blaue Reiter" (El jinete azul) en Múnich (1911).

• Desde una posición postromántica, el expresionismo en sus comienzos se centra en la utilización

del cuadro para expresar sentimientos humanos de un modo muy libre, con fuerte colorido y dibujo
agresivo.

• Ahondan en la deformación y el color adquiere contenidos emocionales. Las fuentes de inspiración

de los artistas de "Die Brücke" son Van Gogh, Gauguin y Munch; la escultura primitiva de África y
Oceanía, y los grabados alemanes en madera.

• Se proponen una renovación del lenguaje artístico al tiempo que los fauvistas y los primeros
cubistas, pero éstos llevan al extremo la idea de la deformación subjetiva. Son artistas que tienen
clara conciencia de grupo. Kirchner, Heckel, Bleyl y Smichdt-Rottluff, a los que se unen Nolde y
Pechstein, se trasladan de Dresde a Berlín en 1910, justifican sus ideas en escritos teóricos y editan
periódicamente carpetas de grabados, todo ello documentos de primer orden.

• En 1913 la "Crónica" de Kirchner provoca la disolución del grupo. En 1911 Kandinsky y Marc lideran
la formación del "Blaue Reiter", sin un programa ideológico tan claro pero tendiente a la búsqueda
de una renovación espiritual que les conduciría a la abstracción y que pronto tiene eco
internacional. Marc y Macke mueren al inicio de la guerra en 1916 y cada artista inicia un trayecto
diferente
• eco internacional. Marc y Macke mueren al inicio de la guerra en 1916 y cada artista inicia un trayecto diferente
Dame blanche
Alfred Kubin
1903
 Jinete Azul
Wassily Kandinsky
1903
Cedro Solitario
Tivadar Kosztka
1907
Otoño en Baviera
Vasyly kandisnky
1908
Fränzi ante una silla tallada
Ernst Ludwig Kirchner
1910
La niña parada
Erich Hecke
1910
Caballo azul I
Marc Franz
1911
Dama con chaqueta verde
August Macke
1913
 Tirol
Franz Marc
1914
 Meditation
Gabriele Münter
1917
 Cubismo
• Fue un movimiento artístico nacido en Francia que se desarrollo entre 1907 y 1014. Sus
principales exponentes fueron Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia
esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de
un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.

• El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que
había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus
pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por
«pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo

• Los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas, los elementos que se
disponen de modo caótico sobre la mesa de un café. Se pueden distinguir diversas fases en el
desarrollo del cubismo, como el cubismo analítico (1909-1912) y el cubismo sintético (1912-
1914).

• En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de

la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así
la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo
plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de
las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Por eso
aparecían al mismo tiempo y en el mismo plano vistas diversas del objeto: por ejemplo, se
representa de frente y de perfil; en un rostro humano, la nariz está de perfil y el ojo de frente; una
botella aparece en su corte vertical y su corte horizontal.

• La escultura empezó a construirse con materiales de desecho, elaborándose con piezas diversas
y no procedentes de un solo bloque de piedra o mármol. Con ello se crea la llamada estética de
«ausencia de masa», al surgir huecos y vacíos entre las superficies. Como los arquitectos, los
escultores no dan forma a un volumen, sino que crean espacios

• La primera obra de este movimiento fue Las señoritas de la calle Avignon de Pablo Picasso.
Las señoritas de Avignon
Pablo Picasso
1907
La Fábrica de Horta de Ebro
Pablo Picasso
1909
 Violín y jarra
Georges Braque
1910
Desnudos en el bosque
Fernand Leger
1909-1910
Guitarra y Pipa
Juan Gris
1913
The Staircase
Fernand Leger

1913
Marinero con guitarra
Jacques Lipchitz

1914
Mujer con animales
Albert Gleizes

1914
Guitarra y Mandolina
Juan Gris

1919
La alegría de vivir
Jaques Lipchitz

1927
 Futurismo
• Fue fundado en Italia en 1909 por Felipo Tommaso Marinetti, quien publica el Manifiesto
de Fundación del Futurismo (Manifeste du Futurisme ).

• Surgido en Milán, este movimiento artístico buscó romper con los antiguos preceptos
tradicionales, como el pasado y la historia del arte. Sus elementos principales fueron la
poesía, la revolución, el insomnio febril. Este movimiento es fundamentalmente Italiano,
desde este país se difunde con rapidez por algunos países de Europa.

• Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus

dos temas dominantes: la máquina y el movimiento.
• Recurría a distintos modos de expresión como las artes plásticas, arquitectura, urbanismo,
publicidad, moda, cine, música, poesía)
• Este movimiento proviene del cubismo, sus primeros cuadros son de pleno derecho,
cubistas, pero rápidamente evolucionan en una estética diferenciada, tenía la obsesión por
presentar la velocidad.

• Se define en 1910 a través del Manifiesto Futurista, que publica el poeta Fillippo Tomaso
Marinetti.

• Sus obras se caracterizan por el color y las formas geométricas, como a su vez la
representación del movimiento y de la velocidad, para esto hacían uso de diferentes
objetos los cuales eran mostrados de forma sucesiva y pintados en varias posiciones o
embarrándolos. El futurismo utilizó colores netamente puros.
La ciudad se levanta
Umberto Boccioni
1910
Funeral del anarquista Galli
Carlo Carrá

1911
Estados de la mente. Las despedidas
Umberto Boccioni
1911
Niña corriendo por un balcón
Giacomo Balla

1912
Vuelo de golondrina
Giacomo Balla
1912
Dinamismo de un automóvil
Luigi Russolo
1913
Formas únicas de continuidad en el espacio
Umberto Boccioni
1913
 La citta nuova
Antonio Sant Elia
1914
Tren blindado
Gino Severini
1915
Cañón en acción
Gino Severini
1915
•
Dadaísmo
Movimiento artístico-cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich
(Suiza). Fue propiciado por el escritor Hugo Ball (el primero que escribió textos
dadaístas), posteriormente, se une el rumano Tristan Tzara, el que se convirtió en el
emblema del Dadaísmo. Fue un movimiento artístico surgido primero en Europa y
posteriormente en Estados Unidos

• Una de las características principales de este movimiento es la oposición al concepto de

razón que fue instaurado por el movimiento positivista. Se caracterizó por rebelarse
en contra de las antiguas convenciones literarias y artísticas, se burlaba especialmente
de los artistas burgueses y de su arte. El Dadaísmo se extendió a una gran variedad del
arte, desde la poesía, escultura, la pintura y la música.

• Los artistas más reconocidos de este movimiento fueron Marcel Duchamp ,Tristan
Tzara y Marcel Janco , el francés Jean Arp y los alemanes Hugo Ball,,
Richard Huelsenbeck. Tras varios encuentros informales en distintos cafés, empezaron a
darle forma a la idea de crear un cabaret internacional. La primera celebración tuvo
lugar el 5 de febrero de 1916 en el Cabaret Voltaire, y consistió en un espectáculo de
variedades con canciones francesas y alemanas, música rusa, música negra y
exposiciones de arte.

• Este movimiento propone una libertad del individuo, de lo espontaneo, lo inmediato, lo

aleatorio. El dadaísmo niega la razón, el sentido, la típica construcción del consciente.
Sus formas de expresión son el gesto, el escándalo, la provocación. Para el Dadaísmo,
la poesía, está en la acción y los límites entre arte y vida deben ser proscritas.

• Los artistas dadaístas usaban temas y materiales poco convencionales en la creación de

sus obras.
Configuration
Hans Arp
1916
 Fountain
Marcel Duchamp
1917
 Hat rack
Marcel Duchamp
1917
Les Tablettes
Marcel Janco
1918
 L.H.O.O.Q
Marcel Duchamp
1919
 Cabeza Dadá
Sophie Taeuber-Arp
1919
Cadeau ( regalo)
Man Ray
1921
 El gran vidrio
Marcel Duchamp
1923
 Centímetros
Francis Picabia
1924
Le violon d’Ingres
Man Ray
1924
 Bauhaus
Fue una escuela de diseño, arte y arquitectura que fue fundada en 1919 por Walter
Gropius en Alemania y fue cerrada por miembros del partido nazi en el año 1933.La
Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño
industrial y gráfico.
Estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una
de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna,
incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana.
Esta escuela tuvo tres etapas:

En la primera etapa de la escuela desde 1919 hasta 1923, idealista y romántica,

predominó la vertiente de la vanguardia alemana expresionista. La segunda (1923-
1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1931) alcanzó su mayor
reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar aDessau. En 1932, bajo la
dirección de Mies Van der Rohe, se trasladó a Berlíndonde cambió por completo la
orientación de su programa de enseñanza.

Este movimiento estaba influenciado por diferentes corrientes como

el Constructivismo ruso, Suprematismo, Expresionismo y Neoplasticismo. Rubio
describe las características de este movimiento: "El estilo de la Bauhaus se caracterizó
por la ausencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por
la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.
Cuando los nazis llegaron a Dessau 1932 y dejaron de ayudar financieramente a la
famosa institución, se trasladaron a Berlín hasta que fue ordenada su clausura el 11 de
abril de 1933 por las autoridades alemanas nazis. Su cierre se debía a que la Bauhaus
era una institución privada considerara socialista, internacionalista y judía odiada por
el gobierno nacionalsocialista.
Nickel Construction
László Moholy-Nagy
1921
 Wine jug
Christian Dell
1922
Cartel: BAUHAUS
PAUL KLEE
1923
 Tetera
Marianne Brandt
1924
Wagenfeld Lampe o lámpara de mesa
Wilhelm Wagenfeld
1924
 Fábrica Fagus
Walter Gropius, Adolf Meyer
1911 a 1925
 Cenicero
Mariannne Brandt
1926
Silla Wassily
Marcel Breuer
1926
 Plato de comida
Margarete Heymann-Marcas
Lobenstein
1930
Nido de las tablas
Marcel Breuer
1926-1930
•
Art decó
Movimiento estilístico desarrollado a lo largo de la década de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se
extiende hasta la década de 1950 en ciertos países) que se centra en el área del continente
europeo, aunque no deja de tener ciertos ribetes e importancia en Norteamérica.
Conjuntamente del ámbito diseño y ornamento, este movimiento abarcó a su vez otros terrenos
como el de la actividad artística, con cierta menor insistencia o personalidad, es decir, se puede
decir que fue una respuesta a la necesidad que tenía el mercado de un nuevo conjunto de
productos para poder sustituir a los que había impuesto el modernismo. tomó su nombre de la
Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales, celebrada en París en 1925.

• Tuvo influencia en las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e
industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y
cinematografía.

• Se caracteriza también por los materiales que prefiere y utiliza, tales como aluminio, acero
inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía
en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las
curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en
forma de sunburst son típicos del Art Déco. Ciertos patrones de ornamento se han visto en
aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño
de interiores para teatros, y rascacielos.

• El Art Deco hace uso de líneas puras y sin complicaciones, regulares y disciplinadas, armónicas y
simples que crean una suave elegancia. Utiliza como ornamentos figuras geométricas, en general
repetitivas, en materiales como el acero, el plástico, la baquelita, el jade, el cromo y el cristal de
roca. La intención del Art Deco es la de representar elegancia, sofisticación y riqueza.
Mujer en español mantón
Federico Beltrán Masses
1925
Autorretrato en el Bugatti Verde
Tamara De Lempicka
1925
 Palacio Díaz
Gonzalo Vázquez Barriére y Rafael Ruano
1929
 Palacio Rinaldi
Alberto Isola y Guillermo Armas
1929
Edificio Chrysler
William Van Alen,
1930
 Edificio Bacardí
Rafael Fernández Ruenes, Esteban Rodríguez Castell
y José Menéndez

1930
 La Bailarina
Demetre Chiparus

1930
Ayuntamiento de Buffalo
Dietel, Wade & Jones
1931 art deco
 Mujer durmiendo
Tamara De Lempicka
1935
New India Assurance Building
Sarhe y Bhuta, NG Parsare
1936
 Surrealismo
• Movimiento que surge en los años 1920-24 en Francia y proviene del movimiento
dada o dadaísmo. Su origen gira entorno al poeta André Breton.

El término fue inventado por Apollinaire en 1917. En 1924 se produce el primer

manifiesto surrealista hecho por André Breton , el cual decía :

"automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea
verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del
pensamiento".

Se podría decir que este movimiento se origina oficialmente en el año 1924

Su producción se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor

corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición,
la moral y la cultura burguesa. Sus mayores exponentes son: J. Miró, S. Dalí, M.
Ernst, R. Magritte, A. Masson.

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía

así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto
encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles
de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de
superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras
como Historia Natural, pintada en París en 1926.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de
expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por
medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más
profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
La tierra labrada
Joan Miró
1924
El Carnaval del Arlequín
Joan Miró
1925
Dibujo automático
André Masson
1925
El espejo falso
René Magritte
1928
La persistencia de la memoria
Salvador Dalí
1931
El Ángel del Hogar
Max Ernst
1937
 España
Salvador Dalí
1938
Suspendido en el tiempo
René Magritte
1939
 Pygmalion
Paul Delvaux
1939
El hombre del huevo
Salvador Dalí
1943
 Expresionismo abstracto
• Surge durante la década de los 40 en Estados Unidos y se concreta en el año 1947.

• Los integrantes de este grupo fueron artistas internacionalmente reconocidos ya en su

momento, y trascendentales para movimientos posteriores. Sus nombres eran Willem De
Kooning, Jackson Pollock, Mark Rothko, Bill Newman y Still.

• Se considera a líder de este movimiento o iniciador del mismo a Arshile Gorky (1904-1948),
armenio exiliado a Nueva York desde 1925. Recibe la influencia del surrealismo y sirve de
puente entre la pintura europea de entreguerras y la escuela norteamericana. Hacia el año
1936 abandona la figuración y, bajo la influencia de Roberto Matta, descubre un nuevo
lenguaje formal, optando por las figuras abstractas biomorfas. Aunque tendió a la abstracción
y la espontaneidad, no prescindió completamente del dibujo ni renunció a controlar la
pincelada.

• Los artistas de este movimiento se apartan del lenguaje figurativo y crean un nuevo estilo
donde se fusionan abstracción y surrealismo.

• Una de las características principales de los expresionistas abstractos es la concepción de la

superficie de la pintura como all over (cobertura de la superficie), para significar un campo
abierto sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad y
no hay jerarquía entre las distintas partes de la tela.
Los esponsales
Arshile Gorky
1947
 Lucifer
Jackson Pollock
1947
Centro Blanco
Mark Rothko
1950
Autumn Rhythm
Jackson Pollock
1950
Blue, green and brown
Mark Rothko
1952
Aquiles (Achilles)
Barnett Newman
1952
Mujer y bicicleta
W. de Kooning
1952-53
Al Filo de Agosto
Mark Tobey
1953
Pintura Nº 2
Franz Kline
1954
Barra violeta
Mark Rothko
1957
 Pop Art
• El Pop Art nace se inicia en la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos, como reacción
artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista.
• Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace
de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la
sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos
artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.

• La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se

multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana
marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el
espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una
producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

• El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos
que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda
relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su
contemporaneidad con sutil conformismo.

• Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de
consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus
obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que
niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada. El Pop Art
toma sus temas de la cultura popular, de la calle, tal como los transmiten los medios de masas, con
preferencia por los lugares comunes y los estereotipos ( Coca-Cola, Marilyn Monroe, la fábrica
Disney, entre otros).
Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?
Richard Hamilton
1956 .
Lata de Sopa Campbell
Andy Warhol.
1962
 Standing rib
Roy Lichtenstein
1962
 Whaam!
Roy Lichtenstein
1963
Cakes (Pasteles)
Wayne Thiebaud
1963
 M-Maybe
Roy Lichtenstein
1965
10 Marilyn’s
Andy Warhol
1967
 Seven suckers
Wayne Thiebaud
1970
Las Meninas de Picasso.
Richard Hamilton
1973
 La Librería
Red Grooms

1978