1.

Aliran Romantisme

Millet menghabiskan masa mudanya

bekerja di tanah itu, tetapi pada usia 19
ia belajar seni
di Cherbourg , Prancis . Pada 1837 ia
tiba di Paris dan akhirnya mendaftar
di studio Paul Delaroche , di mana ia
tampaknya tetap tinggal sampai 1839.

KUIS BRITANNICA
Ini atau itu? Pelukis vs. Arsitek
Jacques-Francois Blondel

Setelah penolakan dari salah satu entri untuk Salon 1840, Millet
kembali ke Cherbourg, di mana ia tetap selama sebagian besar tahun
1841, melukispotret. Dia mencapai kesuksesan pertamanya pada
tahun 1844 dengan The Milkmaid dan pastel besar, The Riding
Lesson , yang memiliki karakter sensual yang khas dari sebagian
besar produksinya selama tahun 1840-an.

Subjek-subjek petani, yang sejak awal 1850-an menjadi perhatian

utama Millet, muncul pertama kali di Salon 1848 bersama The
Winnower , kemudian dihancurkan oleh api. Pada tahun 1849, setelah
masa yang sangat sulit, Millet meninggalkan Paris untuk menetap
di Barbizon , sebuah dusun kecil di hutan Fontainebleau. Dia terus
memamerkan lukisan-lukisan petani, dan, sebagai akibatnya, secara
berkala menghadapi tuduhan menjadi seorang sosialis . Surat-surat
periode yang membela posisi Millet menggarisbawahi sifat klasik
yang mendasar dari pendekatannya terhadap lukisan.
 Millet, Jean-François: GleanersGleaners (juga disebut The
Gleaners ), minyak di atas kanvas oleh Jean-François Millet, 1857; di
Musée d'Orsay, Paris.© Everett- Art / Shutterstock.com

Dapatkan akses eksklusif ke konten dari Edisi Pertama 1768 kami dengan
berlangganan Anda. Berlangganan hari ini

Pada pertengahan 1860-an, pekerjaan Millet mulai

diminati. Pengakuan resmi datang pada tahun 1868, setelah sembilan
lukisan besar ditampilkan pada eksposisi 1867. Koleksi-koleksi
penting dari foto-foto Millet dapat ditemukan di Museum Seni Rupa ,
Boston, dan di Louvre .
Millet, Jean-François: A Norman Milkmaid di GrévilleSeorang
Norman Milkmaid di Gréville , minyak di atas kardus oleh
Jean-François Millet, 1871; di Museum Seni Kabupaten Los
Angeles. 80,01 × 55,56 cm.

Spring (Daphnis and Chloë)

Jean-François Millet, 1865

menurut saya karya ini sangat

vulgar karna ada bagian intim yang
seharusnya tidak patut di
perlihatkan tapi didamping itu karya
ini memiliki pewarnaan yang bagus
detailnya pun sangat nyata.
2. Aliran Kontemporer

Jeff Koons

Koons pada bulan Desember 2014

Lahir Jeffrey Koons

21 Januari 1955 (usia 65)

York , Pennsylvania , AS

Kebangsaan Amerika

pendidikan Sekolah Tinggi Seni Institut Chicago

Maryland Sekolah Tinggi Seni Institut , Baltimore

Dikenal sebagai Artis

Pekerjaan penting Rabbit (1986)

Puppy (1992)
Balloon Dog (1994–2000)

Pasangan Ilona Staller

 (
m. 1991 – 1994)

Justine Wheeler

Situs web jeffkoons .com

Mainkan media
Jeff Koons dalam seri Refleksi Matt Black di Nowness

Pada 12 November 2013, Anjing Balon Koons (Oranye) dijual di Christie Post-War
dan Contemporary Art Evening Sale di New York City seharga US $ 58,4 juta, di atas
perkiraan US $ 55 juta, menjadi karya paling mahal oleh seniman yang masih hidup
dijual di lelang. [4]Harga tersebut melampaui rekor Koons sebelumnya sebesar US $
33,7 juta [5] dan rekor untuk artis hidup paling mahal, yang dipegang oleh Gerhard
Richter , yang lukisannya pada 1968, Domplatz, Mailand , dijual seharga US $ 37,1
juta di Sotheby pada 14 Mei , 2013. [6] Anjing Balon (Oranye)adalah salah satu karya
Anjing Balonnya yang pertama kali dibuat, dan telah diakuisisi oleh kolektor
Greenwich, Peter Brant pada akhir 1990-an. [7]Masing-masing Anjing Balon Koons
berukuran 307,3 × 363,2 × 114,3 cm dan terbuat dari stainless steel yang dipoles
cermin dan selesai dengan lapisan tembus cahaya baik biru, magenta, oranye, merah,
atau kuning. [8]

Para kritikus terpecah tajam dalam pandangan mereka tentang Koons. Beberapa orang
memandang karyanya sebagai perintis dan penting seni-historis. Yang lain menampik
karyanya sebagai kitsch , kasar, dan berdasarkan pada self-merchandising
sinis. Koons telah menyatakan bahwa tidak ada makna dan kritik tersembunyi dalam
karyanya. [9] [10]

Masa mudaEdit
Koons lahir di York , Pennsylvania , dari Henry dan Gloria
Koons. Ayahnya [11] adalah pedagang furnitur dan dekorator interior. Ibunya seorang
penjahit. [12] Ketika ia berusia sembilan tahun, ayahnya akan menempatkan lukisan
master tua disalin dan ditandatangani oleh putranya di jendela tokonya dalam upaya
untuk menarik pengunjung. [13] Sebagai seorang anak ia pergi dari rumah ke rumah
sepulang sekolah menjual kertas kado dan permen untuk mendapatkan uang
saku. [14]Sebagai seorang remaja ia sangat memuliakan Salvador Dali sehingga ia
mengunjunginya di St. Regis Hotel di New York City.

Koons belajar melukis di Sekolah Tinggi Institut Seni Chicago dan Sekolah Tinggi
Institut Seni Maryland di Baltimore . [15] Saat menjadi mahasiswa tamu di Institut
Seni, Koons bertemu dengan seniman Ed Paschke , yang menjadi pengaruh besar dan
untuk siapa ia bekerja sebagai asisten studio pada akhir 1970-an. [16] Ia tinggal
di Lakeview , dan kemudian di lingkungan Pilsen di Halsted Street dan 19th
Street. [17]

Setelah lulus, Koons pindah ke New York pada tahun 1977 [18] dan bekerja di meja
keanggotaan Museum Seni Modern [19] sambil memantapkan dirinya sebagai seorang
seniman. Selama waktu ini, ia mewarnai rambutnya merah dan sering menumbuhkan
kumis pensil, setelah Salvador Dalí. [18] Pada 1980, ia mendapat lisensi untuk
menjual reksa dana dan saham dan mulai bekerja sebagai broker komoditas Wall
Street di First Investors Corporation. Setelah musim panas dengan orang tuanya
di Sarasota , Florida (Koons mengambil pekerjaan singkat di sana
sebagai kamp politik), dia kembali ke New York dan menemukan karier baru sebagai
pialang komoditas, pertama di Clayton Brokerage Company dan kemudian di Smith
Barney . [18]Dia melakukan pekerjaan ini ketika dia menghadapi masalah pembiayaan
seri pertamanya, tetapi juga untuk menjadi independen dari pasar seni: "Saya bisa
membuat persis apa yang ingin saya buat. Dan saya akan selalu tahu bahwa saya tidak
membutuhkan pasar seni. " [20]

KerjaEdit
Jeff Koons menjadi terkenal pada pertengahan 1980-an sebagai bagian dari generasi
seniman yang mengeksplorasi makna seni di era yang dipenuhi media. [21] Ia
mendapat pengakuan pada 1980-an dan kemudian mendirikan studio seperti pabrik
di loteng SoHo di sudut Houston Street dan Broadway di New York. Itu staf dengan
lebih dari 30 asisten, masing ditugaskan untuk aspek yang berbeda dari memproduksi
karyanya - dalam modus yang sama seperti Andy Warhol 's Pabrik (terkenal karena
semua karyanya diproduksi menggunakan metode yang dikenal sebagai fabrikasi
seni ). [22] Hari ini, ia memiliki 1.500 m 2(16.000 kaki persegi) pabrik dekat yard rail
Hudson tua [23] di Chelsea , bekerja dengan 90 hingga 120 [23] asisten
reguler. [12] Koons mengembangkan sistem warna demi angka , sehingga setiap
asistennya [24] dapat mengeksekusi kanvas dan patungnya seolah-olah itu dilakukan
"dengan satu tangan". [11]"Aku pikir seni membawamu keluar dari dirimu sendiri,
membawamu melewati dirimu sendiri. Aku percaya bahwa perjalananku benar-benar
untuk menghilangkan kegelisahanku sendiri. Itulah kuncinya. Semakin gelisah yang
bisa kau lepaskan, semakin bebas dirimu untuk membuat gerakan itu, apa pun
isyaratnya adalah. Dialog pertama dengan artis, tetapi kemudian keluar, dan dibagikan
dengan orang lain. Dan jika kegelisahannya dihapus semuanya begitu dekat,
semuanya tersedia, dan hanya sedikit kepercayaan diri ini, atau percaya, bahwa orang
harus menyelidiki. " [25]

Three Ball Total Equilibrium Tankoleh Jeff Koons di Tate Liverpool

Pekerjaan Awal dan InflatablesEdit

Antara 1977 dan 1979 Koons menghasilkan empat karya seni terpisah, yang kemudian
ia sebut sebagai Karya Awal. Mulai dari 1978 ia mengerjakan seri Inflatables- nya,
yang terdiri dari bunga-bunga tiup dan kelinci dari berbagai ketinggian dan warna,
diposisikan bersama dengan cermin. [26]

Pre-New , The New , dan Equilibrium seriEdit

Sejak 1979 Koons telah menghasilkan karya dalam seri. [27] Karya awalnya adalah
dalam bentuk patung konseptual, contohnya adalah The Pre-New , serangkaian objek
domestik yang melekat pada lampu, menghasilkan konfigurasi baru yang
aneh. Contoh lain adalah The New , serangkaian penyedot debu , sering dipilih untuk
nama-nama merek yang menarik bagi artis seperti Hoover yang ikonik , yang ia
pasang di kotak Perspex yang menyala . Koons pertama kali memamerkan
karya-karya ini di jendela Museum Barudi New York pada tahun 1980. Dia memilih
kombinasi terbatas penyedot debu dan mengaturnya di dalam lemari sesuai,
menyandingkan vertikalitas pembersih tegak dengan silinder jongkok dari pembersih
"Shelton Wet / Dry drum". Di museum, mesin-mesin ditampilkan seolah-olah di
ruang pamer , dan berorientasi di sekitar pusat lampu neon merah dengan hanya
kata-kata "The New" yang tertulis di atasnya seolah-olah mengumumkan beberapa
konsep baru atau merek pemasaran . [28]

Contoh lain untuk karya awal Koons adalah The Equilibrium Series (1983), yang
terdiri dari satu hingga tiga bola basket mengambang di air suling , sebuah proyek
yang telah diteliti oleh seniman itu dengan bantuan fisikawan pemenang Hadiah
Nobel, Richard Feynman . [11] The Jumlah Equilibrium Tank -benar diisi dengan air
suling dan sejumlah kecil biasa garam , untuk membantu bola berongga di sisa
ditangguhkan di tengah cairan. Dalam versi kedua, 50/50 Tank , hanya setengah tangki
diisi dengan air suling, dengan hasil bahwa bola melayang setengah masuk dan
setengah keluar dari air. [29]Selain itu, Koons menyusun dan membuat lima karya unik
untuk seri Encased (1983–1993 / 98), patung-patung yang terdiri dari bola-bola
olahraga bertumpuk dengan kemasan kardus aslinya dalam kotak kaca. [30] Juga
bagian dari seri Equilibriumadalah poster-poster yang menampilkan bintang-bintang
bola basket dalam iklan Nikedan 10 benda perunggu, yang mewakili peralatan
penyelamat nyawa.

Seri patungEdit

Koons mulai membuat patung menggunakan mainan tiup pada tahun

1970-an. Mengambil kelinci tiup readymade, Koons melemparkan benda itu dalam
baja stainless yang sangat halus, menghasilkan Rabbit (1986), salah satu karya seni
yang paling terkenal. Awalnya bagian dari koleksi pribadi Ileana
Sonnabend , Kelincisaat ini dimiliki oleh Museum Seni Kontemporer, Chicago . Bukti
dari patung tersebut dimiliki oleh Eli Broad . [ rujukan? ]

The Kelinci telah sejak kembali ke bentuk lembut aslinya, dan, berkali-kali lebih besar
di lebih dari 50 kaki tinggi, dibawa ke udara. Pada 13 Oktober 2009, kelinci warna
monokrom metalik raksasa yang digunakan selama parade hari
Thanksgiving Macy 2007 [31] dipajang untuk Nuit Blanche di Eaton
Centre di Toronto . [ rujukan? ]

Objek lain dari seri ini menggabungkan objek Koons yang ditemukan di toko-toko
suvenir dan citra barok, sehingga bermain dengan perbedaan antara seni rendah dan
seni tinggi. [32]

Pada 15 Mei 2019 Koons mencetak rekor untuk karya seni termahal yang dijual oleh
seniman yang masih hidup untuk penjualan "Kelinci". "Kelinci" dijual di Rumah
Lelang Christie seharga $ 80 juta yang — termasuk biaya lelang — menghasilkan
harga jual final $ 91.075.000.

Seri mewah dan Degradasi dan KiepenkerlEdit

Pertama kali diperlihatkan dalam pameran eponymous Koons di International With

Monument Gallery yang berumur pendek, New York, dan di Galeri Daniel Weinberg,
Los Angeles, pada tahun 1986, seri Luxury and Degradation adalah sekelompok karya
yang secara tematis berpusat pada alkohol . Kelompok ini termasuk lemari koktail
perjalanan stainless steel, botol kristal Baccarat dan rendering buatan tangan lainnya
dari perlengkapan yang berhubungan dengan alkohol, serta iklan yang dicetak ulang
dan dibingkai untuk minuman seperti Gordon's Gin("I Can Go for Something
Gordon's"), Hennessy ("Hennessy, Cara Beradab untuk Memberlakukan
Hukum"), Bacardi ("Aqu ... el gran sabor del ron Bacardi"), Dewars("The Empire
State of Scotch"), Martell ("Saya Asumsikan Anda Minum Martell")
dan Frangelico ("Stay in Tonight" dan "Find a Quiet Table") [33] dengan warna yang
semakin menggoda di atas kanvas [12] Koons disesuaikan iklan-iklan ini dan
menilainya kembali dengan mengkontekstualisasikan ulang menjadi karya
seni. Mereka "memberikan kritik terhadap periklanan tradisional yang mendukung
pandangan Baudrillard tentang pergaulan bebas tanda-tanda konsumen yang
cabul". [34] Karya lain, Jim Beam - JB Turner Engine (1986) didasarkan pada botol
peringatan yang dapat dikoleksi dalam bentuk lokomotif yang dibuat oleh Jim
Beam.; Namun, Koons menggunakan model ini dan membuatnya menggunakan baja
stainless berkilau. [35] Model kereta yang terbuat dari baja berjudul Jim Beam -
Baggage Car (1986) bahkan berisi bourbon Jim Beam. [36] [37]Dengan
seri Kemewahan dan Kerusakan, Koons ikut campur dalam ranah sosial. Dia
menciptakan permukaan buatan dan berkilau yang mewakili kemewahan proletar . Itu
diartikan sebagai rayuan oleh simulasi karena itu palsu mewah. Menjadi produsen
penipuan ini membawanya ke semacam kepemimpinan, saat ia berkomentar
sendiri. [38]

Bahan yang sama dari stainless steel digunakan untuk patung Kiepenkerl . Setelah
dibangun kembali pada 1950-an, sosok pedagang keliling digantikan oleh Jeff Koons
pada tahun 1987 untuk pameran Skulptur Projekte yang berlangsung selama sepuluh
tahun . Berdiri di alun-alun pusat di Münster, patung itu mempertahankan kekuatan
budaya tertentu sebagai simbol nostalgia masa lalu. [39] Selama proses produksi,
pengecoran di mana bagian itu dibuat ingin mengetuk cangkang keramik terlalu cepat,
yang mengakibatkan potongan menjadi bengkok dan cacat. Koons memutuskan untuk
membawa spesialis dan memberikan karya "operasi plastik radikal." Setelah
pengalaman ini dia merasa terbebaskan: "Saya sekarang bebas untuk bekerja dengan
benda-benda yang belum tentu ada. Saya bisa membuat model."

Seri banalityEdit

Artikel utama: Banality (seri patung)

Koons kemudian pindah ke seri Banality . Untuk proyek ini ia melibatkan bengkel
di Jerman dan Italia yang memiliki tradisi panjang bekerja di
bidang keramik , porselen , dan kayu . [18]Serial ini memuncak pada tahun 1988
dengan Michael Jackson and Bubbles, serangkaian tiga patung porselen berlapis emas
seukuran aslinya dari penyanyi yang sedang duduk sambil memeluk Bubbles ,
simpanse peliharaannya. Tiga tahun kemudian, salah satunya dijual di Sotheby New
York seharga US $ 5,6 juta. [41] Dua dari patung ini sekarang berada di Museum Seni
Modern San Franciscodan Broad Contemporary Art Museum (BCAM) di pusat kota
Los Angeles. Patung itu dimasukkan dalam retrospektif tahun 2004 di Museum Seni
Modern Astrup Fearnley di Oslo yang melakukan perjalanan setahun kemudian
ke Museum Seni Kota Helsinki . Ini juga ditampilkan dalam retrospektif keduanya
di Museum Seni Kontemporer, Chicago , pada tahun 2008. Patung tersebut saat ini
kembali di Museum Seni Modern Astrup Fearnley yang baru
dibuka di Tjuvholmen di Oslo . [ rujukan? ] Baru-baru ini, karyanya Kristus dan Anak
Domba(1988) telah dianalisis sebagai pengakuan dan kritik terhadap kekuatan
spiritual dan meditatif Rococo. [42]

Mengantisipasi tanggapan kritis yang kurang dari murah hati terhadap pameran
seri Banality1988 , dengan semua objek barunya dibuat dalam edisi
tiga, [43] memungkinkan untuk pertunjukan simultan dan identik di galeri di New
York, Cologne, dan Chicago, Koons merancang Seri Iklan Majalah
Seni (1988-89). [44] Ditempatkan di Artforum , Art in America , Flash Art , dan Art
News, iklan tersebut dirancang sebagai promosi untuk pameran galeri
sendiri. [45] Koons juga mengeluarkan Signature Plate , edisi untuk majalah Parkett ,
dengan stiker fotografis berwarna pada piring porselen dengan pelek berlapis
emas.[46]Jurnalis seni Arifa Akbar melaporkan untuk The Independent bahwa dalam
"era ketika seniman tidak dianggap sebagai 'bintang', Koons berusaha keras untuk
mengembangkan kepribadian publiknya dengan mempekerjakan konsultan
gambar". Menampilkan foto-foto oleh Matt Chedgey, Koons menempatkan "iklan di
majalah-majalah seni internasional yang dikelilingi oleh kesuksesan" dan memberikan
wawancara "merujuk dirinya sebagai orang ketiga". [22]

Seri Made in HeavenEdit

Pada tahun 1989, Museum Whitney dan kurator tamunya Marvin Heiferman meminta
Koons untuk membuat karya seni tentang media di papan iklan [11] untuk pertunjukan
"Dunia Gambar: Seni dan Budaya Media". Baliho itu dimaksudkan sebagai iklan
untuk film yang belum dirapikan, berjudul Made in Heaven. [47] Koons
mempekerjakan istrinya Ilona Staller (" Cicciolina ") saat itu sebagai model dalam
pemotretan yang membentuk dasar dari karya yang dihasilkan untuk Whitney, Made
in Heaven (1990-91). [48] Termasuk karya-karya dengan judul seperti Ejakulasi
Kotor dan Asshole Ilona , serangkaian karya kasar yang sangat besar [49]foto-foto
yang dicetak di atas kanvas, kaca, dan patung menggambarkan Koons dan Staller
dalam posisi seksual yang sangat eksplisit dan menciptakan kontroversi yang cukup
besar. Lukisan-lukisan seni referensi seri dari periode Barok dan Rococo - antara
lain, Gian Lorenzo Bernini , Jean-Honoré Fragonard dan François Boucher - dan juga
memanfaatkan terobosan pelukis modern awal seperti Gustave Courbetdan Édouard
Manet . [50]

Serial ini pertama kali ditampilkan di Venice Biennale 1990 . [51] Koons dilaporkan
menghancurkan banyak pekerjaan ketika Staller membawa putra mereka Ludwig
bersamanya ke Italia. [52] Dalam perayaan peringatan 20 tahun Made in Heaven ,
Luxembourg & Dayan memilih untuk menyajikan edisi seri
redux. [50] [53] [54]Museum Whitney juga memamerkan beberapa foto di atas kanvas
dalam retrospektif 2014 mereka.
Anak anjingEdit

Anak anjing , 40 kaki 8 3/16 in. X 27 kaki 2 3/4 in. X 29 kaki 10 1/4 in., Guggenheim
Museum Bilbao , Spanyol

Koons tidak termasuk di antara 44 seniman Amerika yang dipilih untuk memamerkan
karyanya di Documenta 9 pada tahun 1992, [55]tetapi ditugaskan oleh tiga dealer seni
untuk membuat karya untuk Kastil Arolsen di Bad Arolsen , Jerman. Hasilnya
adalah Puppy , patung topiary tinggi 43 kaki (13 m) dari anak anjing West Highland
White Terrier , dieksekusi dalam berbagai bunga (termasuk Marigold , Begonias,
Impatiens, Petunia , dan Lobelias ) [56]pada substruktur baja stainless krom berlapis
transparan. Bunga yang membersihkan sendiri akan tumbuh selama jangka waktu
tertentu yang dipamerkan. [57]Ukuran dan lokasi Puppy - halaman istana barok -
mengakui khalayak ramai. [58] Setelah wabah yang mengikuti seri Made in
Heaven-nya, Koons memutuskan untuk membuat "gambar yang mengkomunikasikan
kehangatan dan cinta kepada orang-orang." [59] Pada tahun 1995, dalam kerjasama
antara Museum Seni Kontemporer , Proyek Seni Publik Kaldor dan Festival
Sydney , [60] patung itu dibongkar dan didirikan kembali diMuseum Seni
Kontemporerdi Sydney Harbour menggunakan armature baja stainless yang lebih
permanen dengan sistem irigasi internal . Sementara Arolsen Puppy memiliki 20.000
tanaman, versi Sydney menampung sekitar 60.000. [61]

Karya itu dibeli pada tahun 1997 oleh Solomon R. Guggenheim Foundation dan
dipasang di teras di luar Guggenheim Museum Bilbao . [62]Sebelum penahbisan di
museum, trio Euskadi Ta Askatasuna (ETA) menyamar ketika tukang kebun berusaha
menanam pot bunga berisi bahan peledak di dekat patung, [63] tetapi digagalkan
oleh petugas polisi Basque Jose María Aguirre, yang kemudian ditembak mati oleh
anggota ETA. [64] [65] Saat ini alun-alun tempat patung itu diletakkan bertuliskan
nama Aguirre. Pada musim panas 2000, patung itu melakukan perjalanan ke Kota
New York untuk pameran sementara di Rockefeller Center . [56]

Raja media Peter Brant dan istrinya, model Stephanie Seymour , menugaskan Koons
untuk membuat duplikat patung Bilbao Puppy (1993) untuk perkebunan mereka
di Connecticut , Pusat Studi Seni Yayasan Brant. [66] Pada tahun 1998, versi
miniatur Puppy dirilis sebagai vas porselen mengkilap putih, dalam edisi 3000. [67]
Seri perayaanEdit

Balloon Dog (Magenta) , 1994–2000, baja stainless dipoles cermin dengan lapisan warna
transparan, 121 × 143 × 45 inci (307,3 × 363,2 × 114,3 cm), François Pinault
Foundation. [68] Satu dari lima versi unik (Biru, Magenta, Oranye, Merah,
Kuning). Versi Orange dijual pada 2013 dengan harga rekor untuk pematung hidup.

Perayaan Koons adalah untuk menghormati Ludwig dari Roma yang sangat
diharapkan. Terdiri dari serangkaian pahatan berskala besar dan lukisan anjing balon,
hati Valentine, berlian, dan telur Paskah , dikandung pada tahun 1994. Beberapa
bagian masih dibuat. Masing-masing dari 20 patung berbeda dalam seri ini datang
dalam lima "versi unik" yang berbeda-beda warna, [69] termasuk Egg 's cracked
artist (Blue) memenangkan Charles Wollaston Award 2008 untuk karya paling
terkenal di Pameran Musim Panas Royal Academy . [70] The Berlianpotongan
diciptakan antara tahun 1994 dan 2005, terbuat dari stainless steel mengkilap tujuh
kaki lebar.[71] Dibuat dalam edisi lima versi, Tulips karyanya yang
kemudian(1995-2004) terdiri dari karangan bunga balon warna-warni yang meledak
hingga proporsi raksasa (lebih dari 2 m (6,6 kaki) tinggi dan 5 m (16 kaki)
seberang). [72] Koons akhirnya mulai mengerjakan Balloon Flower pada 1995. [73]

Koons berusaha menyelesaikan seri tepat waktu untuk pameran tahun 1996
di Solomon R. Guggenheim Museum di New York, tetapi pertunjukan itu akhirnya
dibatalkan karena penundaan produksi dan pembengkakan biaya. [74] Ketika dana
"Celebration" habis, staf diberhentikan, meninggalkan dua awak kerangka: Gary
McCraw, manajer studio Koons, yang telah bersamanya sejak 1990, dan Justine
Wheeler, seorang seniman dari Afrika Selatan, yang telah tiba pada tahun 1995 dan
akhirnya mengambil alih operasi patung. Artis itu meyakinkan kolektor
utamanya Dakis Joannou , Peter Brant , dan Eli Broad , bersama dengan dealer Jeffrey
Deitch, Anthony d'Offay , dan Max Hetzler, untuk berinvestasi besar-besaran dalam
pembuatan seri Celebration yang mahal di Carlson & Company yang berbasis di
California Selatan (termasuk seri Balloon Dogand Moon ), [75] [76] dan kemudian, di
Arnold, sebuah perusahaan yang berbasis di Frankfurt. Dealer mendanai sebagian
proyek dengan menjual karya ke kolektor sebelum mereka dibuat. [77] Pada tahun 1999,
patung "Pink Panther" 1988-nya dijual di lelang seharga US $ 1,8 juta, dan ia kembali
ke galeri Sonnabend. Sadar akan kebutuhan dan tuntutan Koons yang tak berdasar,
Ileana Sonnabend dan Antonio Homem, direktur galeri dan putra angkatnya, tetap
menyambutnya kembali; kemungkinan besar mereka merasakan (dengan benar,
ternyata) bahwa dia siap untuk babak kedua yang gemilang — sesuatu yang hanya dia,
di antara generasinya yang terdiri atas seniman-seniman yang telah dipublikasikan,
sejauh ini berhasil melakukan. Koons, bagaimanapun, tidak lagi membatasi dirinya di
satu galeri. Larry Gagosian, raksasa dealer New York, setuju untuk membiayai
penyelesaian semua "Perayaan" karya yang belum selesai, dengan imbalan hak
eksklusif untuk menjualnya. [ rujukan? ]

Pada tahun 2006, Koons menghadirkan Hanging Heart , jantung baja setinggi 9 kaki
yang sangat halus, salah satu dari serangkaian lima contoh warna berbeda, bagian
dari seri Celebration- nya. [78] Patung-patung besar dari seri itu dipamerkan
di Metropolitan Museum of Art di New York pada tahun 2008. Tambahan selanjutnya
dari seri ini termasuk Balloon Swan(2004-2011), burung stainless steel berukuran 11,5
kaki (3,5 meter), stainless steel , [79] Balon Kelinci (2005-2010), dan Balon Monyet ,
semua yang nikmatnya pesta anak-anak dipahami kembali sebagai bentuk
monumental yang memukau. [80]

Serial ini juga mencakup, di samping patung, enam belas [81] lukisan minyak. [82]

Easyfun dan Easyfun-EtherealEdit

Ditugaskan oleh Deutsche Guggenheim pada tahun 1999, Koons menciptakan tujuh
lukisan pertama dari seri baru, Easyfun , yang terdiri dari lukisan dan pahatan di
dinding. [83] Pada tahun 2001, Koons melakukan serangkaian
lukisan, Easyfun-Ethereal , menggunakan pendekatan kolase yang menggabungkan
bikini, makanan, dan lanskap yang dilukis di bawah pengawasannya oleh
asisten. [84] Serial ini akhirnya berkembang menjadi dua puluh empat lukisan. [83]

Split-RockerEdit

Split-Rocker (2000) di Glenstone

Pada tahun 2000, Koons merancang Split-Rocker , patung bunga keduanya yang
terbuat dari stainless steel, tanah, kain geotekstil, dan sistem irigasi internal, yang
pertama kali ditampilkan di Palais des Papes di Avignon , Prancis . Seperti Puppy , ia
ditutupi dengan sekitar 27.000 bunga
hidup, [85] termasuk petunia , begonia , impatiens , geranium , dan marigold . [86] Berat
nya 150 ton dan menjulang setinggi 37 kaki, Split-Rockerterdiri dari dua bagian: satu
didasarkan pada mainan kuda poni salah satu putra Koons, yang lain didasarkan pada
mainan dinosaurus. Bersama-sama, mereka membentuk kepala kursi goyang anak
raksasa. Koons hanya menghasilkan dua edisi patung. Pada 2014, ia memiliki salah
satunya; [86] yang lainnya ditampilkan di Glenstone di Maryland. [85] Di musim panas
2014 Split-Rocker dipasang di Rockefeller Plaza di New York City selama beberapa
bulan secara bersamaan dengan pembukaan retrospektif Koons di Whitney Museum
of American Art .

Serial Popeye dan Hulk ElvisEdit

Lukisan dan pahatan dari seri Popeye , yang dimulai Koons pada tahun 2002,
menampilkan tokoh-tokoh kartun Popeye dan Olive Oyl . [87]Salah satu item tersebut
adalah reproduksi stainless steel dari figurine PVC Popeye pasar massal . [88] Seniman
ini juga akan menggunakan hewan tiup lagi, kali ini dikombinasikan dengan tangga,
tempat sampah, dan pagar. Untuk membuat pahatan ini, mainan mendapatkan lapisan
setelah menemukan bentuk yang tepat. Kemudian salinan cetak dibuat dan dikirim ke
pengecoran untuk dicetak aluminium. Kembali di studio patung-patung itu dicat untuk
mencapai tampilan mengkilap dari inflatables asli. [89]Untuk instalasi surealis
ini,Acrobat khususnya, Koons mendapat inspirasi dari Chicago Imagist HC
Westermann . [90]

Hulk Elvis adalah serangkaian karya Jeff Koons dibuat antara tahun 2004 dan
2014. [91] Karya-karya berkisar dari presisi-mesin perunggupatung yang terinspirasi
oleh tiup yang populer buku komik pahlawan dan diekstrusi dalam tiga dimensi-to
skala besar lukisan minyak . [92]Judul seri karya ini menggabungkan pahlawan buku
komik populer Hulk dengan ikon pop Elvis. Gambar tiga sosok Hulk kenang Andy
Warhol's silk-screen printing Tiga Elvis (1963), baik dilihat dari perkalian dan postur
sosok Hulk. [93]

Menurut sang artis, seri Hulk Elvis dengan citra heroik Hulk yang kuat mewakili
" badan kerja testosteron yang sangat tinggi ". [94] Koons juga menganggap seri ini
sebagai "jembatan antara Timur dan Barat" karena paralel mungkin ditarik antara
pahlawan buku komik Hulk dan Dewa penjaga Asia. [95]

Karya tiga dimensi Hulk (Teman) dan Hulks (Bell) (keduanya 2004-2012)
menampilkan Hulk yang luar biasa tiup yang beratnya masing-masing hampir satu ton
dan terbuat dari perunggu dan kayu. [96] Patung Hulk (Organ) (2004-2014)
termasuk alat musik yang berfungsi penuh yang potensi suaranya dalam cocok dengan
penampilan kuat dan maskulin sosok itu. [97]

Lukisan seri ini adalah kolase yang terbuat dari beberapa lapisan photoshop . Gambar
berkisar dari lanskap abstrak hingga elemen ikonografiAmerika (kereta, kuda, kereta)
dan terdiri karakter seperti Hulk atau monyet plastik tiup . [94] The lukisan
lanskap sering memiliki konten seksual eksplisit atau implisit. Misalnya, gambar garis
kasar vulva berulang mengacu pada Courbets L'Origine du Monde (1866) . [98]

Seri Hulk Elvis telah dipamerkan di sejumlah tempat seni internasional

seperti Gagosian Gallery di London (2007), Galeri Gagosian di Hong Kong, Cina
(2014) dan Österreichische Galerie Belvedere di Wina, Austria (2015). [99]

Seri jaman dahuluEdit

Mengacu pada patung marmer Romawi kuno , Venus Callipygian , Metallic

Venus (2010–2012) terbuat dari baja stainless kromium tinggi dengan lapisan warna
transparan dan tanaman berbunga hidup. [96]

Di tengah-tengah setiap adegan dalam lukisan Antiquity (2009-2013) adalah patung

kuno atau klasik yang terkenal, dengan cermat dibuat dalam cat minyak dan
diskalakan dengan ukuran yang sama dengan patung-patung. Latar belakang yang
sama terperinci termasuk visi Arcadian . [80] Di Ballerinas(2010-2014), Koons
menggambarkan patung-patung penari, yang berasal dari porselen dekoratif, pada
skala patung klasik yang mengesankan. [100]

Pekerjaan terbaruEdit

Untuk musim 2007/2008 di Vienna State Opera, Jeff Koons merancang gambar
berskala besar (176 meter persegi) Geisha sebagai bagian dari seri pameran "Safety
Curtain", disusun oleh museum yang sedang berlangsung . [101] Koons bekerja dengan
Amerika pop pemain Lady Gaga pada dirinya 2013 album studio artpop , termasuk
penciptaan karya seni sampulnya menampilkan patung yang dibuatnya dari Lady
Gaga. [102]Pada September 2014, penerbitan seni dan budaya dua tahunan Majalah
GARAGE menerbitkan karya seni digital pertama Jeff Koons untuk bagian depan
edisi cetaknya. Karya itu, berjudul Lady Bug , adalah sebuah augmented
realitypahatan yang hanya dapat dilihat di perangkat seluler melalui aplikasi Majalah
GARAGE, yang memungkinkan pemirsa untuk menjelajahi bagian dari berbagai
sudut seolah berdiri di atasnya. [103]

Pada 2012, Koons membeli Advanced Stone Technologies, sebuah cabang dari divisi
batu nirlaba Johnson Atelier Technical Institute of Sculpture . Dia memindahkan
bengkel batu berteknologi tinggi dari New Jersey ke tempat yang lebih besar, seluas
60.000 kaki persegi (5.600 m 2 ) di Morrisville, Bucks County, Pennsylvania . Fasilitas
ada hanya untuk membuat karya Koons yang terbuat dari batu. [104]

Proyek lainnyaEdit
Pada tahun 1999 Koons menugaskan lagu tentang dirinya di album Momus ' Stars
Forever. [105]

Kiepenkerl , terletak di Museum Hirshhorn dan Taman Patung diWashington, DC

Sebuah gambar yang mirip dengan Balon Tulipnya ditempatkan di halaman depan
mesin pencari Internet Google . Gambar tersebut menyambut semua orang yang
mengunjungi halaman utama Google pada 30 April 2008, dan 1 Mei 2008. [106]

Pada 2006 Koons muncul di Artstar , serial televisi tanpa naskah yang berlatar di
dunia seni New York. Dia memiliki peran kecil dalam film 2008
yang memerankan pemerankenegaraan Art Agnos . [107]

Pada September 2012, Gubernur New York Andrew Cuomo memberi Koons tugas
membantu meninjau desain untuk Jembatan Tappan Zee baru . [108]

Pada akhir 2016 Koons meluncurkan rencana untuk Bouquet of Tulips , patung
peringatan setinggi 11 meter di Paris yang meniru Patung Liberty , menghormati para
korban serangan November 2015 . [109]

KurasiEdit

Koons bertindak sebagai kurator pameran Ed Paschke di Gagosian Gallery , New

York, pada tahun 2009. [110] Ia juga mengkuratori sebuah pameran karya 2010 dari
koleksi pribadi miliarder Yunani Dakis Joannou di MuseumBaru di Kota New
York. Pameran, Skin Fruit: Selections dari Dakis Joannou Collection , menghasilkan
debat mengenai kronisme di dunia seni karena Koons banyak dikumpulkan oleh
Joannou dan sebelumnya merancang bagian luar kapal pesiar
Joannou Guilty . [111] [112]

Mobil Seni BMWEdit

Mobil yang dirancang Koons - dikendarai oleh Dirk Müller , Andy Priaulx dan Dirk Werner -
sudah pensiun setelah 53 lap balapan.

Koons adalah artis yang ditunjuk untuk mendesain ketujuh belas dalam seri BMW
"Art Cars" . Karya seninya diaplikasikan pada BMW M3 E92 spec-spec , dan
diungkapkan kepada publik di The Pompidou Centre di Paris pada 2 Juni
2010. [113] Didukung oleh BMW Motorsport , mobil tersebut kemudian berlaga di Le
Mans 24 Jam 2010 di Perancis. [114]

KolaborasiEdit

Pada tahun 1989, Koons dan sesama seniman Martin Kippenberger bekerja bersama
dalam isu jurnal seni Parkett ; tahun berikutnya, Koons merancang poster pameran
untuk Kippenberger. [115]

Pada 2013, Koons berkolaborasi dengan penyanyi-penulis lagu Amerika dan artis
pertunjukan Lady Gaga untuk album studio ketiganya, ARTPOP . [116] Sampul album
menggambarkan patung telanjang Gaga yang dibuat oleh Koons di belakang patung
bola biru, dan karya seni lainnya di latar belakang seperti Kelahiran Venus
yang dilukis oleh Sandro Botticelli , yang menginspirasi citra Gaga melalui era baru,
termasuk dalam video musiknya untuk " Tepuk Tangan " dan kinerja lagu di MTV
Video Music Awards 2013 . [117]Gambar sampul itu diungkapkan sepotong demi
sepotong dalam kampanye pemasaran sosial di mana para penggemarnya harus
men-tweet tagar Twitter "#iHeartARTPOP" untuk membukanya. [118] Lagu "Tepuk
tangan" sendiri mencakup lirik "Satu detik aku seorang Koons, lalu tiba-tiba Koons
itu adalah aku."
Tas Louis Vuitton Da Vinci

Pada April 2017, Jeff Koons berkolaborasi dengan rumah mode mewah Prancis Louis
Vuitton untuk 'Masters Collection' dan merancang serangkaian tas tangan dan ransel
yang menampilkan reproduksi karya-karya favoritnya oleh Old Masters,
seperti Leonardo Da Vinci , Titian , Vincent Van Gogh , Peter Paul
Rubens dan Jean-Honoré Fragonard . Akhir tahun ini ia mempersembahkan segelintir
tas dan aksesoris yang menampilkan reproduksi karya Claude Monet , JMW
Turner , Edouard Manet , Paul Gauguin dan François Boucher . [119]Harga berkisar
dari $ 585 untuk gantungan kunci hingga $ 4.000 untuk tas besar. [120]

AnggurEdit

Koons juga telah menghasilkan beberapa komisi terkait anggur yang baik . Pada bulan
Desember 2012, Chateau Mouton Rothschildmengumumkan bahwa Koons adalah
artis untuk label vintage 2010 mereka - sebuah tradisi yang dimulai pada tahun 1946.
Seniman lain yang merancang label termasuk Pablo Picasso , Francis
Bacon , Salvador Dalí dan Joan Miró , di antara yang lain. [121] Pada Agustus
2013, Dom Pérignon merilis vintage 2004 mereka, dengan edisi khusus yang dilakukan
oleh Koons, serta kasus yang dibuat sesuai pesanan yang disebut 'Balon Venus'. Ini
memiliki harga eceran yang disarankan € 15.000. [ rujukan? ]

AmalEdit

Dari 15 Februari hingga 6 Maret 2008, Koons menyumbangkan tur pribadi studionya
ke Yayasan Penyakit Herediter untuk dilelang
di Charitybuzz . [ rujukan? ] Dari desain Tulip edisi terbatas 2010- nya untuk Creme de
Corps karya Kiehl , sebagian dari hasilnya diserahkan ke Koons Family Institute,
sebuah inisiatif dari Pusat Internasional untuk Anak Hilang & Eksploitasi
Anak-anak . [23] Sejak hubungannya dengan Pusat Internasional dimulai, Koons telah
memberikan lebih dari US $ 4,3 juta kepada Institut yang menyandang nama
keluarganya. [122]

Michael Jackson and Bubbles

 karya ini sangatlah lucu
menurut saya warna nga
cerah cocok sekali untuk
dilihat dari berbagai
kalangan karena bisa
membuat terwtawa

3. Aliran Naturalisme
William Hogarth adalah nama dari seorang pelukis terkenal dari daratan Inggris.
Masa kejayaannya berada pada Zaman Renaisans. Karya-karyanya sangat dikagumi
terutama dengan konsep satirisnya. Ia juga kerap menyuarakan kritik sosial lewat
lukisan. Yang unik adalah tema lukisannya seringkali mengangkat kehidupan nyata.
Lukisan-lukisan tersebut memiliki alur cerita sendiri yang menarik untuk ditelaah lebih
jauh. Kepiawaiannya dalam melukis membuat dirinya begitu dikenal di masanya.

Biografi William Hogarth

Ia bahkan menjadi tokoh panutan
terutama bagi mereka yang memiliki
kegemaran serupa. Saking uniknya
konsep Hogarth, sekarang ada yang
disebut dengan lukisan gaya
Hogarthian. Itu menunjukkan bahwa
memang konsep lukisannya sangat
unik. Seniman berbakat ini lahir di
London, Inggris pada 10 November
1697. Ayahnya adalah seorang Guru
Bahasa Latin yang juga punya
keahlian lain dalam bidang menulis.
Sang ayah bernama Richard
Hogarth, sementara ibunya bernama
Anne Gibbons. Ia tidak dilahirkan di
keluarga berada. Oleh sebab itulah,
ia sudah terbiasa untuk bekerja
keras sejak kecil.
Keahliannya dalam melukis mulai terasah saat ia sudah menginjak remaja. Ia
dipertemukan dengan Ellis Gamble di Leicester Fields. Ellie adalah seorang pemahat
dan darinya ia belajar banyak hal tentang memahat dan melukis. Lepas dari tangan
Ellie, ia selanjutnya mencoba peruntungan sebagai pelukis jalanan. Dewi fortuna
datang padanya. Meski hanya bekerja sebagai pelukis jalanan, orang-orang mulai
melirik dan memberikan apresiasi terhadap karya-karyanya. Banyak orang yang pada
akhirnya meminta bantuannya untuk dibuatkan desain. Dari sana ia mulai berpikir
untuk menyeriusi kegemarannya tersebut.

Tahun 1721 menjadi momen bersejarah baginya karena di tahun tersebut ia punya
kesempatan untuk memamerkan koleksinya yang berjudul Emblematical Print On
The South Sea Scheme. Pameran lukisan ini mengangkat tema kehidupan pada
kaum elit di Inggris dengan semua keglamorannya dan kegemaran berfoya-foya.
Tidak berhenti sampai disitu, ia pun kembali membuat karya-karya baru untuk
dipamerkan. Karya selanjutnya diberi tajuk Just View Of The British Stage Dan The
Lottery.

Supaya orang bisa semakin mengenal karya-karyanya, ia mencoba cara lain yaitu
dengan merilis buku berjudul Masquerades And Operas. Buku tersebut merangkum
kumpulan ilustrasi. Semakin hari, namanya semakin dikenal bahkan meluas hingga
ke berbagai pelosok Eropa. Ia saat ini telah menjadi salah satu legenda lukis dan
gaya Hogarthian-nya masih digemari banyak orang.

Satire on False Perspective

menurut saya karya ini sangatlah
mencerminkan naturalisme karena
bisa dilihat bahwa pelukis
menggambarkan dengan jelas
keadaan di suatu desa pada saat
itu yang mana masih asri,hewan
berlalu lalang dan ada orang yang
melakukan pekerjaannya.warna
nya sangatlah bagus
4. Aliran Realisme

Latar Belakang Dan

Kehidupan Awal

Ciri-ciri leluhur Daumier — temperamen yang

keras, pergantian pikiran yang murah hati dan
agak aneh, dan kapasitas yang mudah untuk
mengasihani — semua membentuk bagian dari
karakternya. Keluarga ibunya berasal dari
sebuah desa tempat sampel relief pahatan kuno
yang unik — kepala manusia primitif yang
ganas — telah ditemukan. Kakek dan ayahnya
sama-sama bekerja di Marseille sebagai "glazier" - artinya, pedagang dalam
bingkai (atau foto-foto kuno) dan lukisan dekoratif yang mereka lukis
sendiri. Ayah baptisnya adalah seorang pelukis. Ketika Daumier berusia tujuh
tahun, ayahnya meninggalkan bisnisnya untuk pergi ke Paris dan, seperti
banyak orang Provençal, mencari peruntungannya sebagai penyair. Dia
disajikan kepada raja, Louis XVIII, tetapi kejatuhannya yang cepat - dia hanya
terkenal selama dua minggu - tidak seimbang secara mental. Setelah
tampaknya dikurung selama bertahun-tahun, ia meninggal di rumah sakit
jiwa Charenton.

KUIS BRITANNICA

Ini atau itu? Pelukis vs. Arsitek

Juan Guas

Daumier menerima pendidikan menengah ke bawah yang khas, tetapi ia ingin

menggambar, dan studinya tidak menarik baginya. Karena itu keluarganya
menempatkannya dengan seorang seniman tua dan cukup terkenal,Alexandre
Lenoir . Lenoir, seorang siswa dan teman Jacques-Louis David ,
seorang pelukis klasik terkemuka , lebih ahli estetika daripada seorang
pelukis. Dia sangat menyukai Peter Paul Rubens , salah satu karyanya yang
dia simpan di koleksinya. Sebuah penikmatdari patung , ia telah
menyelamatkan yang paling indah abad pertengahanpatung dan kontemporer
dari Revolusioner, yang terinspirasi minat abadi di Daumier.

Daumier pada saat itu sama sekali bukan seorang jenius otodidak yang tidak
berbudaya yang digambarkan kebanyakan sejarawan seni pada akhir abad
ke-19 dan awal ke-20. Dia tidak bangkit dari kekosongan artistik — dia adalah
anak seniman, betapapun sederhana dan tidak berhasilnya mereka dalam
membuat nama. Ditambah dengan keunggulan nenek moyang ini, ia juga
mendapat manfaat dari pendidikan artistik yang lebih menarik daripada
orang-orang sezamannya.

Dapatkan akses eksklusif ke konten dari Edisi Pertama 1768 kami dengan
berlangganan Anda. Berlangganan hari ini

Pada usia 13 tahun, kehancuran ayahnya memaksa Daumier untuk mencari

pekerjaan. Dia pertama kali menjadi anak kurir untuk seorang juru sita dan,
dari pengalaman ini, memperoleh keakrabannya dengan dunia pasukan
hukum. Dia bekerja selanjutnya sebagai pegawai penjual buku di
Palais-Royal. Palais-Royal, dengan arkade yang mengelilingi taman, adalah
salah satu tempat tersibuk di Paris, dan di sana Daumier melihat, berparade
di depan jendela majikannya, semua karakter dari Comédie humaine , tentang
siapa ia nanti akan berbicara dengan temannyaHonoré de Balzac : tidak hanya
pria dan wanita mode, intelektual , dan seniman tetapi juga "kapten industri,"
atau penipu, seperti yang biasa mereka sebut — semuanya meminjamkan diri
mereka pada karikatur .

Perkembangan Daumier selesai pada saat itu, sekitar tahun 1825-1828, ia

memutuskan untuk menyerahkan segalanya untuk memulai karir artistik
yang telah ia impikan begitu lama. Dia adalah seorang pemuda berusia sekitar
18 atau 20 tahun, dari keluarga pelukis, yang telah memiliki kesempatan
untuk mengagumi Rubens, telah belajar untuk menganalisis patung, dan
mampu mengamati penampilan dan perilaku berbagai kelas masyarakat.
Secara fisik dia jelek, setidaknya sesuai dengan selera waktunya. Heavyset
seperti Balzac, meskipun mungkin lebih kecil, ia memiliki mata yang kecil
namun bersemangat dan hidung besar. Dia selalu menyimpan pipa di
mulutnya, untuk menutupi aksen Provençal dan seringnya pantat di daerah
asalnya.

Daumier tentu saja tidak bisa hidup dari melukis atau dari patung seperti
yang telah ia lakukan. Karena itu ia menerima komisi untuk litograf — potret
dan, pada usia sangat muda, kartun moral dan sopan santun (karikatur de
moeurs ), yang pertama berasal dari tahun 1822, ketika usianya hampir 15
tahun dan baru mulai memproduksi litograf. Meskipun beberapa karya
pertamanya ditandatangani, banyak yang lain tidak: mereka adalah potret
selebriti yang ditandatangani oleh penduduk asli Marseille, Zéphirin Belliard,
penatua Daumier pada 10 tahun dan penulis Iconographie des contemporains
yangmewah . Sebagian besar potret-potret ini biasa - biasa saja , meniru gaya
seniman lain, tetapi potret-potret itu merupakanmagang yang sangat baik
bagi seseorang yang tertarik dengan fisiognomi manusia.

Kehidupannya, yang sepenuhnya dikhususkan untuk karyanya, harus dibagi

menjadi dua bagian: dari tahun 1830 hingga 1847 ia adalah seorang litograf,
kartunis, dan pematung; dan, mulai tahun 1848 dan berlangsung hingga 1871,
ia adalah seorang pelukis impresionis yang seninya tercermin dalam litograf
yang terus ia hasilkan. Kerja terus-menerus bukanlah beban baginya; saat
memproduksi 4.000 litograf dan 4.000 gambar ilustrasi, ia menyanyikan
lagu-lagu sentimental yang kebodohannya membuatnya tertawa, dan, "tidak
peduli dengan karya-karyanya, ia selalu keluar minum anggur murah dengan
kapten kapal tongkang."

Rue Transnonain, le 15 avril 1834

Menurut saya karya ini

sangat realis sekali,yang
mana laki laki tersebut
sepertinya dibunuh dan
dibiarkan begitu
saja,meskipun warnanya
hanya hitam putih tapi
sangat bagus sekali
5. Aliran Impresionisme
Kelahiran dan masa kecil

Claude Monet lahir pada 14 November

1840 di lantai lima 45 rue Laffitte ,
di arondisemen ke - 9 Paris . [7] Ia adalah
putra kedua Claude Adolphe Monet dan
Louise Justine Aubrée Monet, keduanya
adalah warga Paris generasi kedua. Pada
20 Mei 1841, ia dibaptis di gereja paroki
setempat, Notre-Dame-de-Lorette ,
sebagai Oscar-Claude, tetapi orang
tuanya memanggilnya hanya
Oscar. [7] [8] (Ia
menandatangani juvenilia- nya, "O.
Monet".) Meskipun dibaptis Katolik,
Monet kemudian menjadi seorang
ateis. [9] [10]

Pada 1845, keluarganya pindah ke Le Havre di Normandia . Ayahnya ingin

dia pergi ke bisnis perkapalan dan kelontong keluarga, [11] tetapi Monet ingin
menjadi seorang seniman. Ibunya adalah seorang penyanyi, dan mendukung
keinginan Monet untuk berkarir di bidang seni. [12]

Pada 1 April 1851, Monet memasuki sekolah menengah seni Le

Havre. Penduduk setempat mengenalnya dengan baik karena karikatur
arangnya, yang akan dijualnya seharga sepuluh hingga dua
puluh franc . Monet juga melakukan pelajaran menggambar pertamanya
dari Jacques-François Ochard , seorang mantan siswa Jacques-Louis
David . Di pantai-pantai Normandia sekitar 1856 ia bertemu dengan sesama
artis Eugène Boudin , yang menjadi mentornya dan mengajarinya
menggunakan cat minyak. Boudin mengajarkan teknik melukis Monet " en
plein air " (outdoor). [13] Keduanya dipengaruhi oleh Johan Barthold
Jongkind .

Pada 28 Januari 1857, ibunya meninggal. Pada usia enam belas tahun, ia
meninggalkan sekolah dan tinggal bersama Marie-Jeanne Lecadre, bibinya
yang tidak punya anak.
Wanita dalam Gaun Hijau , Camille Doncieux , 1866, Kunsthalle Bremen

Paris dan Aljazair

Ketika Monet melakukan perjalanan ke Paris untuk mengunjungi Louvre , ia

menyaksikan pelukis menyalin dari tuan-tuan lama. Setelah membawa cat
dan peralatan lainnya, dia malah pergi dan duduk di dekat jendela dan
melukis apa yang dilihatnya. [14] Monet berada di Paris selama beberapa
tahun dan bertemu pelukis muda lainnya, termasuk Édouard Manet dan
lainnya yang akan menjadi teman dan sesama impresionis.

Setelah menarik jumlah suara yang rendah pada bulan Maret 1861, Monet
direkrut menjadi Resimen Pertama Kavaleri Cahaya Afrika ( Chasseurs
d'Afrique ) di Aljazair untuk masa tujuh tahun pelayanan militer. Ayahnya
yang makmur bisa saja membeli pembebasan Monet dari wajib militer, tetapi
menolak untuk melakukannya ketika putranya menolak untuk menyerah
melukis. Sementara di Aljazair, Monet hanya membuat beberapa
sketsa adegan casbah , satu lanskap, dan beberapa potret petugas, yang
semuanya telah hilang. Namun dalam sebuah wawancara Le Tempstahun
1900 ia berkomentar bahwa warna-warna terang dan jelas dari Afrika Utara
"mengandung benih penelitian masa depan saya". [15]Setelah sekitar satu
tahun tugas garnisun di Aljir, Monet menderita demam tifoid dan sebentar
absen tanpa cuti. Setelah sembuh, bibi Monet turun tangan untuk
mengeluarkannya dari tentara jika ia setuju untuk menyelesaikan kursus di
sekolah seni. Ada kemungkinan bahwa pelukis Belanda Johan Barthold
Jongkind , yang tahu Monet, mungkin telah mendorong bibinya tentang
masalah ini.

Kecewa dengan seni tradisional yang diajarkan di sekolah-sekolah seni,

pada tahun 1862 Monet menjadi murid Charles Gleyre di Paris, di mana ia
bertemu Pierre-Auguste Renoir , Frédéric Bazille dan Alfred
Sisley . Bersama-sama mereka berbagi pendekatan baru dalam seni,
melukis efek cahaya en plein udaradengan warna pecah dan sapuan kuas
yang cepat, yang kemudian dikenal sebagai Impresionisme .

Le déjeuner sur l'herbe(bagian kanan), 1865–1866, bersama Gustave

Courbet , Frédéric Bazilledan Camille Doncieux, istri pertama seniman, Musée
d'Orsay , Paris [16]

Pada bulan Januari 1865 Monet mengerjakan versi Le déjeuner sur l'herbe ,
bertujuan untuk menyajikannya untuk digantung di Salon, yang telah menolak
Manet's Le déjeuner sur l'herbedua tahun sebelumnya. [17] Lukisan Monet
sangat besar dan tidak dapat diselesaikan tepat waktu. (Itu kemudian
dipotong, dengan bagian sekarang di galeri yang berbeda.) Monet
menyerahkan lukisan Camille atau The Woman in the Green Dress ( La
femme à la jubah jubah ), salah satu dari banyak karya menggunakan calon
istrinya, Camille Doncieux, sebagai modelnya. Baik lukisan dan
pemandangan kecil ini digantung. [17] Tahun berikutnya Monet menggunakan
Camille untuk modelnya diWanita di Kebun , dan Di Tepi Sungai Seine,
Bennecourt pada tahun 1868. Camille hamil dan melahirkan anak pertama
mereka, Jean , pada tahun 1867. [18] Monet dan Camille menikah pada
tanggal 28 Juni 1870, tepat sebelum pecahnya
Perang Perancis-Prusia , [19]dan, setelah bertamasya ke London dan
Zaandam, mereka pindah ke Argenteuil, pada bulan Desember 1871. Selama
masa ini Monet melukis berbagai karya kehidupan modern. Dia dan Camille
hidup dalam kemiskinan selama sebagian besar periode ini. Menyusul
pameran yang sukses dari beberapa lukisan maritim, dan memenangkan
medali perak di Le Havre, lukisan-lukisan Monet disita oleh para kreditor,
yang darinya mereka dibeli kembali oleh seorang pedagang pengiriman,
Gaudibert, yang juga merupakan pelindung Boudin. [17]
Impresionisme

Impression, Sunrise (Impression, soleil levant),

1872; lukisan yang memberi nama pada
gaya dan gerakan artistik. Musée Marmottan Monet, Paris

Dari akhir 1860-an, Monet dan seniman-seniman lain yang berpikiran sama
bertemu dengan penolakan dari Académie des
Beaux-Arts yang konservatif , yang mengadakan pameran tahunannya
di Salon de Paris . Selama bagian akhir tahun 1873, Monet, Pierre-Auguste
Renoir , Camille Pissarro , dan Alfred Sisley mengorganisasi Société
anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs(Masyarakat Anonim
Pelukis, Pematung, dan Pengukir) untuk memamerkan karya seni mereka
secara mandiri. Pada pameran pertama mereka, yang diadakan pada bulan
April 1874, Monet memamerkan karya yang memberi nama abadi pada
kelompok itu. Dia terinspirasi oleh gaya dan pokok bahasan pelukis modern
sebelumnya Camille Pissarro dan Edouard Manet.[20]

Kesan, Sunrise dilukis pada tahun 1872, menggambarkanlanskap

pelabuhan Le Havre . Dari judul lukisan itu kritikus seni Louis Leroy ,
dalam ulasannya, "L'Exposition des Impressionnistes," yang muncul di Le
Charivari, menciptakan istilah " Impresionisme ". [21] Itu dimaksudkan
sebagai penghinaan tetapi kaum Impresionis menggunakan istilah itu untuk
diri mereka sendiri. [22] [23]

Perang Perancis-Prusia dan Argenteuil

Setelah pecahnya Perang Perancis-Prusia (19 Juli 1870), Monet dan

keluarganya mengungsi di Inggris pada bulan September 1870, [24] dimana ia
mempelajari karya-karya John Constable dan Joseph Mallord William
Turner , keduanya lanskap yang akan melayani untuk menginspirasi inovasi
Monet dalam studi warna. Pada musim semi 1871, karya-karya Monet ditolak
otorisasi untuk dimasukkan dalam pameran Royal Academy. [19]
Pada Mei 1871, ia meninggalkan London untuk tinggal di Zaandam ,
di Belanda , [19] di mana ia membuat dua puluh lima lukisan (dan polisi
mencurigainya melakukan kegiatan revolusioner). [25] Ia juga melakukan
kunjungan pertama ke Amsterdam di dekatnya . Pada Oktober atau
November 1871, ia kembali ke Prancis. Dari Desember 1871 hingga 1878 ia
tinggal di Argenteuil , sebuah desa di tepi kanan sungai Seine di dekat Paris,
dan tujuan wisata hari Minggu yang populer untuk warga Paris, di mana ia
melukis beberapa karyanya yang paling terkenal. Pada tahun 1873, Monet
membeli sebuah perahu kecil yang dilengkapi untuk digunakan sebagai
studio apung. [26]Dari studio perahu Monet melukis pemandangan dan juga
potret Édouard Manet dan istrinya; Manet pada gilirannya menggambarkan
lukisan Monet di atas kapal, ditemani oleh Camille, pada tahun
1874. [26] Pada tahun 1874, ia sebentar kembali ke Belanda. [27]

Impresionisme

Madame Monet dalam kimono Jepang , 1876, Museum Seni Rupa, Boston

Pameran Impresionis pertama diadakan pada 1874 di 35 boulevard des

Capucines, Paris, dari 15 April hingga 15 Mei. Tujuan utama para peserta
bukanlah untuk mempromosikan gaya baru, tetapi untuk membebaskan diri
dari kendala Salon de Paris . Pameran ini, terbuka untuk siapa saja yang siap
membayar 60 franc, memberi para seniman kesempatan untuk menunjukkan
karya mereka tanpa campur tangan juri. [28] [29] [30]

Renoir memimpin komite gantung dan melakukan sebagian besar pekerjaan

sendiri, karena anggota lain gagal menampilkan diri. [28] [29]

Selain Impression: Sunrise (gambar di atas), Monet menyajikan empat

lukisan minyak dan tujuh pastel. Di antara lukisan-lukisan yang ia perlihatkan
adalah The Luncheon (1868), yang menampilkan Camille Doncieux dan Jean
Monet , dan yang telah ditolak oleh Salon Paris tahun 1870. [31] Juga dalam
pameran ini adalah lukisan berjudul Boulevard des Capucines , sebuah
lukisan dari bulevar dilakukan dari apartemen fotografer Nadar di no. 35.
Monet melukis subjek dua kali, dan tidak pasti yang mana dari dua gambar,
yang sekarang di Pushkin Museum di Moskow, atau yang di Museum Seni
Nelson-Atkins di Kansas City, Adalah lukisan yang muncul dalam pameran
pertama 1874, meskipun baru-baru ini gambar Moskow telah
disukai. [32] [33] Secara keseluruhan, 165 karya dipamerkan di pameran,
termasuk 4 minyak, 2 pastel, dan 3 cat air oleh Morisot; 6 minyak dan 1 pastel
oleh Renoir; 10 karya Degas; 5 oleh Pissarro; 3 oleh Cézanne; dan 3 oleh
Guillaumin. Beberapa karya dipinjamkan, termasuk Cézanne's Modern
Olympia , Morisot's Hide and Seek(dimiliki oleh Manet) dan 2 lanskap oleh
Sisley yang telah dibeli oleh Durand-Ruel. [28] [29] [30]

Total kehadiran diperkirakan 3500, dan beberapa karya memang laku,

meskipun beberapa peserta pameran telah menetapkan harga terlalu
tinggi. Pissarro meminta 1.000 franc untuk The Orchard dan Monet sama
untuk Impression: Sunrise , tidak ada yang terjual. Renoir gagal
mendapatkan 500 franc yang dia minta untuk La Loge , tetapi kemudian
menjualnya seharga 450 franc kepada Père Martin, dealer dan pendukung
grup. [28] [29] [30]

Impression, soleil levant)

Lukisan Claude Monet
Lukisan ini sangatlah
bagus,bayangan ya pun
digambarkan pewarnaan
dan suasananya
sangatlah indah.
6. Aliran Surrealisme

Salvador Dali, pelukis surealis terkenal,

terlahir dengan nama Salvador Felipe
Jacinto Dali i Domenech pada tanggal 11
Mei 1904, di desa pertanian kecil Figueres
di Spanyol. Dali merupakan anak tunggal
dari notaris kaya, telah menunjukkan
minat pada seni sejak usia dini. Setelah
menerima pelajaran seni oleh guru privat
di Figueres, Dali belajar di Akademi Seni
Rupa di Madrid dan mengadakan pameran
solo pertamanya pada tahun 1925 pada
usia 21 tahun. Di akademi itulah Dali mulai
mengenal berbagai kalangan seniman
seperti pembuat film Luis Bunuel dan
Penyair Federico Lorca. Meskipun
menjadi siswa brilian, Dali menolak untuk
mengambil ujian gelar dari akademi,
mengklaim para penguji tidak cukup berkualifikasi untuk menilai karyanya.

Akibat insiden tersebut, dia diusir dari akademi. Dali pindah ke Paris pada tahun 1926,
dan dua tahun kemudian bekerja sama dengan Luis Bunuel sebagai penulis skenario
untuk Un Chien Andalou (Anjing Andalusia), sebuah film yang membuat dia masuk
dalam lingkaran surealis Paris yang dipimpin oleh Andre Breton. Gaya hidupnya yang
bohemian dan kecenderungannya pada skandal membuat Dali segera diterima dalam
kelompok.

Selama periode ini dia berkonsentrasi pada pengembangan gaya unik yang disebutnya
“Paranoia Kritis”. Salah satu contoh paling terkenal dari lukisan Paranoia Kritis adalah
“The Persistence Memory (1931)” – sebuah karya unik yang mengekspresikan sifat fana
waktu melalui jam yang tampak mencair.

Pada tahun 1929, Dali bertemu Gala Elouard, seorang imigran Rusia dan istri Paul
Elouard, penyair Perancis. Meskipun Gala berusia sepuluh tahun lebih tua dari Dali,
hubungan mereka segera berubah menjadi romantis, dengan Gala menjadi model dan
manajer bisnisnya. Gala akhirnya bercerai dari suaminya pada tahun 1929, dan menikah
dengan Dali di Paris pada tahun 1934. Pada pertengahan tahun 1930, hubungan Dali
dengan gerakan surealis mulai retak. Kekaguman Dali pada Hitler dianggap melawan
etika surealis. Ketika dia juga menyatakan dukungan kepada Jenderal Franco dari
Spanyol, hubungan dengan kaum surealis menjadi terputus sama sekali.

Dali meninggalkan Paris pada tahun 1940 dan pindah ke Amerika Serikat. Dengan gaya
flamboyan dan bakat untuk promosi diri, dia segera masuk dalam pergaulan sosial kelas
atas. Selama periode ini Dali dijuluki “Avida Dollars (serakah untuk dolar)” oleh Andre
Breton. Dali kemudian menjawab “Satu-satunya perbedaan antara saya dan surealis
adalah bahwa saya seorang surealis”.

Ketertarikan Dali bergeser dari lukisan ke sastra. Pada tahun 1940-an, dia menerbitkan
novel “Hidden Faces” pada tahun 1944. Dia juga menulis beberapa volume otobiografi
flamboyan selama periode tersebut, termasuk “The Secret Life of Salvador Dali”.

Pada tahun 1948, Dali dan Gala kembali ke Spanyol, menghabiskan sebagian besar
waktu mereka di rumah mereka di Lligat. Saat itu, lukisan Dali mengambil pendekatan
yang lebih klasik, berfokus pada tema religius dan sejarah, bukan lagi surealistik. Karya
berkisar sejarah yang terkenal diantaranya “The Discovery of America by Christopher
Columbus” yang dipamerkan di Museum Dali di St.Petersburg, Florida. Sementara
karya-karyanya selama periode ini menerima penghargaan, terdapat suara miring yang
menyatakan bahwa dia tidak menghasilkan lukisan bernilai artistik setelah tahun
1930-an. Sementara tidak ada yang bisa menyangkal kecemerlangan teknis
karya-karyanya, lukisan Dali hanya merupakan pengulangan tema yang sudah ada
sebelumnya, seperti “Christ of Saint John of the Cross”.

Pada tahun 1965, Dali beralih membuat patung dari perunggu dan kristal. Tapi disini
terlihat betapa dia mulai kehilangan orisinalitas. Banyak tema patungnya mengambil
tema dari subjek yang pernah dilukisnya. Pada periode ini, Dali lebih dikenal karena
pesta-pesta mewah dan perilaku eksentrik dibandingkan dengan fokusnya pada seni
yang telah membesarkan namanya.

Pada tahun 1980, Dali didiagnosa menderita cerebral. Karena tidak lagi mampu
memegang kuas, dia pensiun dari dunia melukis.

Pada tahun 1982, Gala meninggal. Peristiwa ini sangat mempengaruhinya dan mulai
membuat Dali semakin menyepi. Akhirnya, Salvador Dali -sang pelukis besar surealis-
meninggal pada tanggal 23 Januari 1989 akibat gagal jantung.
Salvador Dali, Ballerina in a Death's Head, 24.5 x 19.5 cm, oil on canvas,
1939

Salvador Dali, Honey is Sweeter than Blood, oil on canvas, 1927

Salvador Dali, One Second before Awakening, 51 x 41 cm, oil on canvas, 1944,
at Thyssen-Bornemisza Collection, Madrid, Spain

Salvador Dali, The Discovery of America by Christopher Columbus, 410 x 310

cm, oil on canvas, 1959, at Salvador Dali Museum, St. Petersburg, Florida,
USA
Salvador Dali, The Disintegration of the Persistence of Memory, 25 x 33 cm,
oil on canvas, at Salvador Dali Museum, St. Petersburg, Florida, USA

Salvador Dali, The Great Masturbator, 110 x 150 cm, oil on canvas, 1929, at
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain
 Salvador Dali, The Hallucinogenic Toreador, 400 x 300 cm, oil on canvas,
1959, at Salvador Dali Museum, St. Petersburg, Florida, USA

Salvador Dali, The Persistence of Memory, 24.1 x 33 cm, oil on canvas, 1931,
at Museum of Modern Art, New York, USA
Salvador Dali, The Swallow's Tail,73 x 92.2 cm , oil on canvas, 1983, at
Salvador Dali Museum, Gala-Salvador Dali Foundation, Figueras, Spain

Salvador Dali, Young Virgin Auto-Sodomized by the Horns of Her Own

Chastity, 40.5 x 30.5 cm, oil on canvas, 1954, Private Collection, Paris,
France
The Persistence of Memory
Lukisan Salvador Dalí
menurut saya lukisan
ini menceritakan
tentang waktu,tapi
saya tidak menangkap
apa makna dibalik nya
tapi dari segi presisi
gambar sangatlah
bagus pewarnaan nya
dan gelap terangnya
pun jelas.

7. Aliran Abstraksionisme

Robert Motherwell

Lahir 24 Januari 1915

Aberdeen, Washington , AS

Meninggal 16 Juli 1991 (berusia 76)

Provincetown, Massachusetts , AS
 Kebangsaan Amerika

pendidikan Universitas Stanford , Harvard , Universitas Columbia

Dikenal sebagai Lukisan , Seni Grafis

Gerakan Ekspresionisme abstrak

Terlatih dalam filsafat, Motherwell menjadi seorang seniman, dianggap sebagai salah
satu pelukis abstrak ekspresionis yang paling pandai berbicara. [1] Ia dikenal karena
serangkaian lukisan dan cetakan abstrak yang menyentuh tema-tema politik, filosofis
dan sastra, seperti Elegies hingga Republik Spanyol.

Kehidupan awal dan pendidikanEdit

Robert Motherwell lahir di Aberdeen, Washington pada 24 Januari 1915, anak pertama
dari Robert Burns Motherwell II dan Margaret Hogan Motherwell. Keluarga itu
kemudian pindah ke San Francisco , tempat ayah Motherwell menjabat sebagai
presiden Wells Fargo Bank . Karena kondisi asma sang seniman , Motherwell
dibesarkan sebagian besar di Pantai Pasifik dan menghabiskan sebagian besar masa
sekolahnya di California. Di sana ia mengembangkan kecintaan pada ruang-ruang
yang luas dan warna-warna cerah yang kemudian muncul sebagai karakteristik
penting dari lukisan abstraknya ( biru laut birulangit dan oker kuning)perbukitan
California). Kepeduliannya yang kemudian dengan tema-tema kefanaan juga dapat
dilacak pada kesehatannya yang lemah sebagai seorang anak. [2]

Antara 1932 dan 1937, Motherwell belajar sebentar melukis di California School of
Fine Arts , San Francisco dan menerima
gelar BAdalam bidang filsafat dari Universitas Stanford . [3] Di Stanford Motherwell
diperkenalkan dengan modernisme melalui bacaannya yang luas tentang simbolis dan
sastra lainnya, terutama Mallarmé , James Joyce , Edgar Allan Poe , dan Octavio
Paz . Semangat ini bertahan bersama Motherwell selama sisa hidupnya dan menjadi
tema utama lukisan dan gambarnya kemudian. [4]

Pada usia 20, Motherwell melakukan tur kelilingEropa, ditemani ayah dan saudara
perempuannya. Mereka mulai di Paris, kemudian melakukan perjalanan ke Amalfi ,
Italia. Perhentian berikutnya adalah Swiss, Jerman, Belanda dan London. Kelompok
ini mengakhiri tur mereka di Motherwell , Skotlandia . [4]

Menurut Motherwell, alasan dia pergi ke Harvard adalah karena dia ingin menjadi
pelukis, meskipun ayahnya mendesaknya untuk mengejar karier yang lebih aman:
"Dan akhirnya setelah berbulan-bulan benar-benar perang dingin, dia membuat
perjanjian yang sangat murah hati dengan saya bahwa jika saya akan mendapatkan
gelar Ph.D. sehingga saya akan diperlengkapi untuk mengajar di sebuah perguruan
tinggi sebagai asuransi ekonomi, dia akan memberi saya lima puluh dolar seminggu
selama sisa hidup saya untuk melakukan apa pun yang saya ingin lakukan dengan
asumsi bahwa dengan lima puluh dolar saya tidak bisa kelaparan tetapi tidak akan ada
bujukan untuk bertahan lama. Jadi dengan yang disepakati di Harvard waktu itu - itu
sebenarnya tahun terakhir - Harvard masih memiliki sekolah filsafat terbaik di dunia.
Dan karena saya telah mengambil gelar saya di Stanford dalam bidang filsafat, dan
karena dia tidak peduli dengan apa gelar Ph.D., saya melanjutkan ke Harvard. " [5]

Di Harvard, Motherwell belajar di bawah Arthur Oncken Lovejoy dan David Wite
Prall . Dia menghabiskan satu tahun di Paris untuk meneliti tulisan-tulisan Eugène
Delacroix , di mana dia bertemu dengan komposer Amerika Arthur Berger yang
menasihatinya untuk melanjutkan pendidikannya di Universitas Columbia , di
bawah Meyer Schapiro . [5]

Sekolah New York dan para surealisEdit

Ulysses , 1947, cat minyak pada karton dan konstruksi kayu, Tate Modern

Pada tahun 1940, Motherwell pindah ke New York untuk belajar di Universitas
Columbia , di mana ia didorong oleh Meyer Schapiro untuk mengabdikan dirinya
untuk melukis daripada beasiswa. Schapiro memperkenalkan seniman muda itu
kepada sekelompok surealis Paris yang diasingkan ( Max Ernst , Duchamp , Masson )
dan mengatur agar Motherwell belajar dengan Kurt Seligmann . Waktu yang
dihabiskan Motherwell dengan surealis terbukti berpengaruh pada proses
artistiknya. Setelah pelayaran 1941 dengan Roberto Matta ke Meksiko — di atas kapal
di mana ia bertemu Maria Emilia Ferreira y Moyeros, seorang aktris dan calon
istrinya — Motherwell memutuskan untuk melukis panggilan utamanya. [6]Sketsa
yang dibuat Motherwell di Meksiko kemudian berkembang menjadi lukisan penting
pertamanya, seperti Penjara Spanyol Kecil(1941) dan Pancho Villa, Dead and
Alive(1943). [7] [8]
Matta memperkenalkan Motherwell pada konsep menggambar "otomatis"
atau otomatisme , yang digunakan para surealis untuk memanfaatkan alam bawah
sadar mereka. [9] Konsep ini memiliki efek abadi pada Motherwell, lebih lanjut
ditambah dengan pertemuannya dengan artis Wolfgang Paalen . Pertemuan
Motherwell dengan Paalen mendorongnya untuk memperpanjang masa tinggalnya di
Meksiko selama beberapa bulan, untuk berkolaborasi dengannya. [10] Catatan Sketsa
Meksiko milik Motherwell secara visual mencerminkan perubahan yang dihasilkan:
sedangkan gambar pertama dipengaruhi oleh Matta dan Yves Tanguy,
gambar-gambar selanjutnya yang terkait dengan waktu Motherwell dengan Paalen
menunjukkan lebih banyak irama grafik pesawat dan detail yang dibedakan dari
periode sebelumnya. Paalen juga memperkenalkan Motherwell kepada André Breton ,
melalui surat. [11] Perjalanan seminal Motherwell ke Meksiko telah digambarkan
sebagai faktor yang sedikit diketahui tetapi penting dalam sejarah dan estetika
ekspresionisme abstrak. [12] Pada tahun 1991, tak lama sebelum kematiannya,
Motherwell ingat "konspirasi diam" mengenai peran inovatif Paalen dalam asal-usul
ekspresionisme abstrak. [13]

Sekembalinya dari Meksiko, Motherwell menghabiskan waktu mengembangkan

prinsip kreatifnya berdasarkan otomatisme: "Apa yang saya sadari adalah bahwa
orang Amerika berpotensi melukis seperti malaikat tetapi tidak ada prinsip kreatif di
sekitarnya, sehingga semua orang yang menyukai seni modern
menyalinnya. Gorky menyalin Picasso, Pollock sedang menyalin Picasso, De
Kooningsedang menyalin Picasso. Maksud saya, saya mengatakan ini tanpa
pengecualian. Saya melukis gambar-gambar intim Prancis atau apa pun. Dan yang
kami butuhkan adalah prinsip kreatif, maksud saya sesuatu yang akan memobilisasi
kemampuan ini untuk melukis dengan cara yang kreatif, dan itulah yang dimiliki
Eropa yang belum kami miliki; kami selalu mengikuti mereka. Dan saya memikirkan
semua kemungkinan asosiasi bebas — karena saya juga memiliki latar belakang
psikoanalisis dan saya memahami implikasinya — mungkin merupakan peluang
terbaik untuk benar-benar membuat sesuatu yang sama sekali baru yang disetujui
semua orang adalah hal yang harus dilakukan. " [14]

Jadi, pada awal 1940-an, Robert Motherwell memainkan peran penting dalam
meletakkan dasar bagi gerakan baru ekspresionisme abstrak (atau Sekolah New York):
"Matta ingin memulai revolusi, gerakan, dalam surealisme. Dia meminta saya untuk
menemukan beberapa seniman Amerika lain yang akan membantu memulai gerakan
baru. Saat itulah Baziotes dan saya pergi untuk melihat Pollock dan de Kooning
dan Hofmann dan Kamrowski dan Busa dan beberapa orang lainnya. Dan jika kita
bisa datang dengan sesuatu, Peggy Guggenheim yang suka kami mengatakan bahwa
dia akan menunjukkan bisnis baru ini, jadi saya berkeliling menjelaskan teori
otomatisme kepada semua orang karena satu-satunya cara agar Anda dapat bergerak
adalah memiliki prinsip yang sama. cara." [5]

Pada tahun 1942 Motherwell mulai memamerkan karyanya di New York dan pada
tahun 1944 ia mengadakan pertunjukan one-man pertamanya di galeri "Art of This
Century" milik Peggy Guggenheim; pada tahun yang sama MoMA adalah museum
pertama yang membeli salah satu karyanya. Dari pertengahan 1940-an, Motherwell
menjadi juru bicara terkemuka untuk seni avant-garde di Amerika. Lingkarannya
mencakup William Baziotes, David Hare, Barnett Newman, dan Mark Rothko, yang
dengannya dia akhirnya memulai Subjek Sekolah Seniman (1948–1949). Pada 1949
Motherwell menceraikan Maria dan pada 1950 dia menikahi Betty Little, yang
dengannya dia memiliki dua anak perempuan. [15]

Motherwell adalah anggota dewan redaksi majalah surealis VVV dan kontributor
jurnal Wolfgang Paalen DYN , yang diedit 1942-44 dalam enam edisi. Dia juga
mengedit esai yang dikumpulkan oleh Paalen, Form and Sensepada tahun 1945
sebagai edisi pertama Problem of Contemporary Art . [16]

Elegy ke Republik Spanyol No. 110 , 1971, akrilik dengan pensil dan arang di atas kanvas,
82 x 114 inci, Museum Solomon R. Guggenheim

Pada tahun 1948 Motherwell mengeksekusi gambar yang akan terbukti sebagai
bibit Elegies ke Republik Spanyol , salah satu seri karyanya yang paling
terkenal. Selama 1947-48, Motherwell berkolaborasi dengan kritikus seni Harold
Rosenberg dan lainnya untuk menghasilkan Posibilitas , sebuah tinjauan seni. Selama
tahun terakhir Motherwell membuat gambar yang menggabungkan puisi Rosenberg
" Burung untuk Setiap Burung ", yang dimaksudkan untuk dimasukkan dalam edisi
kedua tinjauan. Setengah bagian atas adalah render tulisan tangan, bergaya dari tiga
baris terakhir puisi, dan bagian bawah adalah elemen visual yang terdiri dari bentuk
bulat telur hitam dan bentuk persegi panjang dengan latar belakang
putih. [17] [18] Gambaran gamblang dimaksudkan untuk
"menggambarkan" gambaran kekerasan dari puisi dengan cara abstrak,
non-literal; Oleh karena itu Motherwell lebih suka istilah "penerangan". [19] Masalah
kedua dari Kemungkinan tidak terwujud, [20]dan Motherwell menempatkan gambar
dalam penyimpanan. Dia menemukan kembali kira-kira satu tahun kemudian [19] dan
memutuskan untuk mengerjakan ulang elemen dasarnya. Hal ini
menyebabkan Elegies ke Republik Spanyolyang terus diproduksi Motherwell selama
sisa hidupnya; beberapa tahun kemudian Motherwell secara surut memberi judul
gambar asli Elegy ke Republik Spanyol No. 1 , mengenalinya sebagai titik awal serial
ini. Contoh yang representatif adalahElegy ke Republik Spanyol No. 110 (1971) yang
menggunakan motif visual yang sama dengan bentuk bulat telur kasar dan persegi
panjang. Citra abstrak seri ini telah ditafsirkan sebagai mewakili kekerasan dalam
budaya Hispanik, tidak harus terkait dengan Perang Saudara Spanyol dari
judulnya. Misalnya Motherwell sendiri dan orang lain telah membandingkan gambar
dengan tampilan alat kelamin banteng mati di cincin perkelahian manusia melawan
banteng Spanyol . [1] [21]

Sepanjang 1950-an Motherwell juga mengajar melukis di Hunter College di New

York dan di Black Mountain College di North Carolina. Cy Twombly , Robert
Rauschenberg dan Kenneth Noland belajar di bawah dan dipengaruhi oleh
Motherwell. Pada saat ini, ia adalah seorang penulis dan dosen yang produktif, dan
selain mengarahkan Dokumen Seri Seni Modern yang berpengaruh, ia mengedit The
Dada Painters and Poets: An Anthology , yang diterbitkan pada tahun 1951. [22]

Dari tahun 1954 hingga 1958, selama putusnya pernikahan keduanya, ia mengerjakan
serangkaian lukisan kecil yang memasukkan kata-kata Je t'aime, mengekspresikan
perasaannya yang paling intim dan pribadi. Kolase miliknya mulai memasukkan
bahan-bahan dari studionya seperti bungkus dan label rokok, menjadi catatan
kehidupan sehari-harinya. Ia menikah untuk ketiga kalinya, dari 1958 hingga 1971,
dengan sesama pelukis abstrak Helen Frankenthaler . [23] Karena Frankenthaler dan
Motherwell keduanya dilahirkan dalam kekayaan dan dikenal sebagai tuan rumah
pesta mewah, pasangan ini dikenal sebagai "pasangan emas". [24]

Tahun-tahun dewasaEdit

Tanpa judul , cat minyak di atas kanvas, 1963, Museum Seni Honolulu

Pada tahun 1958–59, Motherwell dimasukkan dalam pameran "Lukisan Amerika

Baru", yang diprakarsai oleh Museum Seni Modern, yang melakukan perjalanan
melintasi Eropa. Tahun itu ia melakukan perjalanan di Spanyol dan Perancis, di mana
ia memulai seri Iberia . Selama 1960-an, Motherwell dipamerkan secara luas di
Amerika dan Eropa dan pada 1965 ia diberikan pameran retrospektif besar di Museum
Seni Modern; pertunjukan ini kemudian pergi ke Amsterdam, London, Brussels,
Essen, dan Turin. [22]

Pada tahun 1962, Motherwell dan Frankenthaler menghabiskan musim panas di koloni
seniman di Provincetown, Massachusetts , di mana garis pantai mengilhami seri 64
lukisan Beside the Sea , cat minyak disiram dengan kekuatan penuh meniru laut yang
menabrak pantai di depan rumahnya. studio. [23] Lukisan cat minyak tanpa kanvas
pada tahun 1963 dalam koleksi Museum Seni Honolulu mencontohkan tahap ini dalam
karier artis.

Pada tahun 1964, Motherwell menciptakan lukisan berukuran mural berjudul Dublin
1916, dengan Black and Tan , yang berada di Gubernur Nelson A. Rockefeller Empire
State Plaza Koleksi Seni di Albany, NY. Ukuran dan isinya menunjukkan bahwa
Motherwell bermaksud membuat monumen kepahlawanan dalam
tradisi Guernica Picasso . [25] [26]

Pada tahun 1965 Motherwell bekerja pada seri lain yang menonjol disebut Lyric Suite ,
dinamai Alban Berg 's string quartet . Motherwell ingat, "Saya pergi ke toko Jepang
untuk membeli mainan untuk anak seorang teman, dan saya melihat kertas Jepang
yang indah ini dan saya membeli seribu lembar. Dan saya memutuskan, ini pada awal
April 1965, bahwa Saya akan melakukan ribuan lembar tanpa koreksi. Saya akan
membuat aturan mutlak untuk diri saya sendiri. Dan saya mendapat 600 lembar pada
bulan April dan Mei, ketika suatu malam istri saya dan saya makan malam dan
telepon berdering. Dan itu adalah Kenneth Noland di Vermont mengatakan bahwa
aku harus segera datang. Dan aku berkata, "Apa yang terjadi?" Dan dia berkata,
' David Smith"Ada kecelakaan," Smith, sang pematung, adalah teman Motherwell dan
Frankenthaler. Pasangan itu dengan tergesa-gesa pergi ke Vermont, tiba 15 menit
setelah Smith meninggal. Motherwell berhenti mengerjakan seri. Dia berkata tentang
mereka, "Lalu satu tahun saya memiliki bingkai semuanya, dan saya sangat
menyukainya sekarang. Saya juga harus mengatakan bahwa saya setengah melukis
mereka dan mereka setengah melukis diri mereka sendiri. Saya tidak pernah
menggunakan kertas beras sebelumnya kecuali kadang-kadang sebagai elemen dalam
kolase. Dan sebagian besar dibuat dengan sangat kecil, maksud saya garis yang sangat
tipis. Dan kemudian saya akan melihat keheranan di lantai setelah saya selesai. Itu
akan menyebar seperti bintik-bintik minyak dan mengisi semua jenis dimensi aneh.
" [27]
Grey Open dengan White Paint , 1981, etsa dan pochoir tanah lunak pada kertas handmade
Auvergne a la Main, 20 1/5 × 26 3/10 in

Pada 1967 Motherwell mulai mengerjakan seri Open- nya. Terinspirasi oleh
penjajaran kesempatan kanvas besar dan kecil, lukisan Open menduduki Motherwell
selama hampir dua dekade. Open terdiri dari bidang warna terbatas, dipecah oleh
garis-garis yang diberikan minimal dalam konfigurasi persegi panjang longgar. Seraya
seri berlanjut, karya-karya menjadi lebih kompleks dan lebih pelukis, ketika
Motherwell bekerja melalui permutasi yang mungkin dari cara yang dikurangi
tersebut. [28]

Akhir 1960-an melihat Motherwell menggunakan paket dan karton Gauloises di

banyak kolase, termasuk serangkaian luas dengan paket-paket yang dikelilingi oleh
cat akrilik merah cerah, sering dengan garis-garis gores di daerah yang
dicat. [29] [30] Dalam pengantar bukunya tahun 2015 Robert Motherwell, The Making
of a American Giant , pemilik galeri Bernard Jacobson mengatakan, "Motherwell
merokok Lucky Strikes, tetapi dalam kehidupan kolase dia merokok Gauloises, di
sekitar paket biru yang sekarang dia susun satu komposisi demi satu, 'eksotis bagiku
justru karena dalam hal-hal normal aku tidak merokok rokok Prancis'. Dan dengan
memasukkan paket-paket Gauloises ia membuat referensi yang cekatan dan kental ke
'Prancis biru': ke Mediterania dan palet Matisse... dengan asap yang melingkar
dalam kumpulan Cubist . " [31] [32]

Pada tahun 1972, Motherwell menikahi fotografer-fotografer Renate Ponsold dan

pindah ke Greenwich, Connecticut, tempat mereka tinggal di rumah kereta dengan
gudang jerami, gudang dan pondok tamu yang bersebelahan dengan studio besar —
seluruhnya dikelilingi oleh taman yang seperti taman. [33] Selama tahun 1970-an,
ia mengadakan pameran retrospektif di beberapa kota di Eropa, termasuk Düsseldorf,
Stockholm, Wina, Paris, Edinburgh, dan London. Pada tahun 1977, Motherwell diberi
komisi mural besar untuk sayap baru Galeri Seni Nasional, Washington, DC

Pada tahun 1983, pameran retrospektif besar karya Motherwell diadakan di Galeri
Seni Albright-Knox di Buffalo, New York; pameran ini kemudian ditampilkan di Los
Angeles, San Francisco, Seattle, Washington, DC, dan New York City. Retrospektif
lain ditunjukkan di Mexico City, Monterey, dan Fort Worth, Texas, pada tahun 1991.
Pada tahun 1985, Motherwell dianugerahi Medali Edward Macdowell. [34]

Pada tahun 1988, Motherwell bekerja dengan penerbit Andrew Hoyem dari Arion
Press pada edisi terbatas novel modernis Ulysses , oleh James Joyce. Motherwell
menghasilkan 40 litograf untuk proyek tersebut. [35]

Kematian dan warisanEdit

Motherwell meninggal di Provincetown, Massachusetts pada 16 Juli 1991. Pada
kematiannya, Clement Greenberg , juara New York School, meninggalkan sedikit
keraguan tentang harga dirinya untuk artis, berkomentar bahwa "walaupun dia
diremehkan hari ini, menurut saya dia adalah salah satu yang terbaik dari pelukis
abstrak ekspresionis ". [36]

The Dedalus Foundation didirikan oleh Robert Motherwell pada tahun 1981 untuk
mendorong pemahaman publik tentang seni modern dan modernisme melalui
dukungan penelitian, pendidikan, publikasi, dan pameran. [37] Ketika Motherwell
meninggal, ia meninggalkan tanah yang diperkirakan lebih dari $ 25 juta dan lebih
dari 1.000 karya seni, tidak termasuk cetakan. Surat wasiatnya diajukan untuk
pengesahan hakim di Greenwich dan ditunjuk sebagai pelaksana jandanya, Renate
Ponsold Motherwell, dan teman lama Richard Rubin, seorang profesor ilmu politik di
Swarthmore College. [38]

Pada 20 Juli 1991, beberapa ratus orang menghadiri upacara peringatan untuk
Motherwell di pantai di luar rumahnya di Provincetown. Di antara mereka adalah
penulis Norman Mailer dan fotografer Joel Meyerowitz, keduanya penghuni musim
panas Provincetown. Pembicara termasuk penyair Stanley Kunitz , yang membaca
puisi yang menjadi favorit Motherwell, karya William Butler Yeats 's Sailing to
Byzantium . Yang hadir lainnya termasuk anggota keluarga, teman, artis lain, dan
Senator Howard Metzenbaum , seorang kenalan Motherwell's. [38]

Robert MotherwellElegy to the Spanish

Republic, 1081965-67
menurut saya untuk ukuran
seni abstrak karya ini kurang
abstrak karena masih ada pola
yang beraturan
8. Aliran Ekspresionisme

Aliran Ekpresionisme

Vincent Van Gogh – Biografi, Aliran

& Analisis Karya Seni

Gamal

Thabroni24/09/2018Biografi,Sejarah

Seni,Seniman MancanegaraTidak Ada

Komentar pada Vincent Van Gogh –

Biografi, Aliran & Analisis Karya Seni

Vincent van Gogh adalah seniman besar kelahiran Belanda

terkenal karena melukis diluar konteks fisik dan emosional melalui

marka kuasnya yang meliuk-liuk, ia tidak mendapatkan apresiasi yang

sebagaimana mestinya hingga ia meninggal dunia. Van Gogh jatuh

miskin karena tidak berhasil menjual karyanya dan menderita

gangguan jiwa sepanjang karir melukisnya. Namun semua itu tidak

menghalanginya untuk terus menelurkan mahakarya, ia tidak berhenti

melukis selama 10 tahun hingga akhir hayatnya.

Daftar Isi

Biografi Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh lahir di Belanda pada 30 Maret 1853 dan merupakan

anak kedua dari enam bersaudara dari keluarga yang relijius di

Belanda Selatan. Ayahnya, Theodorus Van Gogh, adalah seorang

pendeta dan ibunya, Anna Cornelia Carbentus, adalah putri dari

seorang penjual buku.

Dari sejak kecil Van Gogh memiliki mood atau suasana hati yang

tidak stabil. Dia tidak menunjukkan bakat seni-nya selama masa

kanak-kanak, ia juga tidak begitu berhasil di sekolah. Pada 1868, ia

meninggalkan sekolah dan tidak pernah kembali untuk mendapatkan

pendidikan formal.

Awal Karir

Pada tahun 1869, Vincent Van Gogh magang di dealer seni

internasional Goupil & Cie Paris dan akhirnya diterima bekerja untuk
ditempatkan di kantor cabang Den Haag. Disana Vincent cukup sukses

dalam karirnya sebagai art dealer dan bekerja di perusahaan tersebut

selama hampir satu dekade. Pada tahun 1872, Van Gogh mulai

berkirim surat dengan adiknya Theo Van Gogh.

Surat-menyurat dengan adiknya itu kemudian berlanjut hingga akhir

hayat Vincent. Theo sendiri akhirnya mengikuti jejak kakaknya

sebagai penjual barang-barang seni. Sementara itu Vincent

dipindahkan ke kantor Goupil & Cie cabang London. Disaat itu pula,

Vincent mengalami depresi dan menjadi pribadi yang relijius.

Van Gogh kemudian meninggalkan pekerjaannya di Goupil’s dan

memutuskan untuk tinggal dan bekerja di Gereja. Meskipun Van Gogh

mengalami kesulitan finansial Ia malah menyerahkan harta miliknya

kepada para penambang batu bara setempat. Sayangnya kehidupannya

sebagai seorang pastur tidak bertahan lama. Gereja memecatnya

karena Vincent dianggap terlalu obsesif terhadap imannya.

Pada tahun 1880, Vincent Van Gogh memutuskan untuk mencoba

menjadi seorang seniman dan berharap masih dapat menjadi pelayan

Tuhan lewat profesi itu. Kesulitan ekonomi Van Gogh makin

memburuk, namun Theo selalu membantunya dengan mengiriminya

sejumlah uang untuk bertahan hidup. Theo kemudian secara finansial

terus mendukung Vincent disepanjang kariernya, karena ia tidak

berhasil menghasilkan uang dari lukisannya.

Karena kemiskinannya yang semakin tidak tertolong, pada tahun 1881

Vincent Van Gogh memutuskan untuk pulang ke rumah bersama

orang tuanya. Disana ia terus mengasah kemampuan melukisnya

secara otodidak. Dengan dukungan finansial Theo, Van Gogh menyewa

sebuah studio di Den Haag dan belajar di bawah arahan Anton Mauve,

seorang seniman terkemuka dari Aliran seni Den Haag.

Mauve memperkenalkan Van Gogh pada karya-karya pelukis Prancis
Jean-François Millet, yang dikenal karena aliran realismenya yang
mengambil subjek kehidupan para kaum buruh dan petani. Kemudian gaya
Millet juga mempengaruhi karya Van Gogh di masa ini.
Kematangan Artistik

Pada tahun 1884, setelah pindah ke Nuenen, Belanda, Van Gogh tak

pernah berhenti berkarya dan terus bertekad untuk menjadi pelukis

realisme seperti Millet. Meskipun keahliannya sebagai pelukis makin

terasah, kehidupan ekonominya masih saja belum mebaik.

Autumn Landscape with Four Trees, oleh: Vincent van Gogh

Van Gogh sempat menuduh Theo tidak berusaha cukup keras untuk

menjual lukisan-lukisannya. Theo sendiri menjawabnya dengan alasan

aliran lukis Vincent sudah kurang diminati, karena pada saat itu aliran

Impresionis-lah yang sedang naik daun. Kehidupannya yang masih tak

kunjung membaik itu diperburuk dengan meninggalnya Ayah Van

Gogh karena stroke.

Van Gogh meninggalkan Belanda untuk terakhir kalinya pada tahun

1885 dan sempat mendaftarkan diri ke Akademi Seni Murni Antwerpen

di Belgia. Disana ia bertemu dengan seniman yang ikut memberi

pengaruh pada karyanya: Peter Paul Ruben. Namun lagi-lagi ia tidak

begitu tertarik dengan kehidupan akademik dan memutuskan untuk

pergi ke Paris.

Vincent Van Gogh tinggal bersama Theo di Montmartre, distrik

seniman di Paris utara dan belajar dibawah tuntunan Fernand Cormon,

yang memperkenalkan Vincent ke para Seniman Impresionis.

Pengaruh seniman seperti Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar

Degas, dan Georges Seurat kemudian melekat pada karya Vincent Van

Gogh. Tekanan dari Theo untuk menjual lukisannya juga ikut

memotivasi Van Gogh dalam mengadopsi palet impressionist yang lebih

terang dan berwarna.

Pada saat itu juga Van Gogh mulai terobsesi dengan gaya grafis cetak

Jepang. Ia mengoleksi bahkan mengkurasi pamerannya di Paris. Pada

akhir 1887, Van Gogh menyelenggarakan pameran yang memuat

karyanya sendiri dan rekan-rekannya: Emile Bernard, Henri de

Toulouse-Lautrec.

Pada awal 1888, karyanya mulai menarik perhatian dan berhasil

dipamerkan bersama dengan para tokoh Neo Impresionis: Georges

Seurat dan Paul Signac di Salle de Repetition of Teater Libre d’

Antoine.

Masa Puncak Artistik

Karya-karya Van Gogh yang paling terkenal diciptakan selama dua

tahun terakhir dalam hidupnya. Selama musim gugur dan musim

dingin tahun 1888, Vincent Van Gogh dan Paul Gauguin tinggal dan

bekerja bersama di Arles Perancis. Van Gogh menyewa empat kamar

sekaligus di 2 Place Lamartine, yang dijuluki “The Yellow House”

untuk studionya.

Langkahnya tersebut dimulai sebagai rencana untuk membuat

komunitas seniman baru di Arles sebagai alternatif Paris. Gauguin dan

Van Gogh mengembangkan konsep warna simbolis sebagai ekspresi

emosi dan batin agar tidak terus bergantung ke alam seperti

aliran-aliran seni sebelumnya.

Meskipun produktivitasnya luar biasa, Van Gogh menderita

ketidakstabilan mental, termasuk epilepsi, delusi, dan gangguan bipolar.

Gauguin pindah ke Tahiti untuk

menghindari perilaku Van Gogh yang semakin tidak menentu. Ia pergi

diam-diam setelah perkelahian sengit dengan Van Gogh yang

mengancamnya menggunakan pisau cukur. Pisau itu kemudian justru

digunakan untuk memotong telinga kanannya sendiri.

Pada tanggal 8 Mei 1889, setelah merasa kondisi mentalnya kian

memburuk, Van Gogh dengan sukarela menyerahkan dirinya ke

sebuah institusi psikiatri di Saint- Remy, dekat Arles. Minggu-minggu

berlalu dan kesehatan mentalnya lebih stabil hingga Vincent Van Gogh

diizinkan untuk melanjutkan melukis.

Periode ini menjadi salah satu masa yang paling produktif. Van Gogh

menciptakan lebih dari 100 karya di Saint-Remy, termasuk karyanya

yang paling terkenal Starry Night (1889). Klinik dan taman

disekitarnya menjadi subjek lukis utamanya. Sapuan kuas yang

dinamis dan berputar-putar serta palet kaya warna yang menjadi ciri

khasnya semakin berkembang disini.

Semasa perawatan di klinik, Van Gogh membenamkan dirinya dalam

pengalaman lingkungan sekitar. Kemudian menciptakan kembali

berbagai dari ingatan pepohonan dan flora lain yang mengisi taman

klinik. Kondisi mentalnya pun semakin membaik hingga akhirnya dia

diperbolehkan pulang.

Kematian

Tak lama setelah meninggalkan klinik, Van Gogh pindah ke utara

Auvers-sur-Oise di luar Paris dibawah perawatan seorang dokter yang

merangkap sebagai seniman amatir, Dr. Gachet. Gachet memotivasi

Van Gogh untuk terus melukis sebagai bagian dari terapi lanjutan
untuk kesembuhan mentalnya. Vincent Van Gogh tentunya dengan

senang hati menjalankannya.

Ia dengan penuh semangat melukis berbagai lingkungan dan

pemandangan di Auvers. Vincent menyelesaikan sekitar satu lukisan

dalam sehari selama bulan- bulan terakhir hidupnya. Namun, setelah

Theo mengungkapkan rencananya untuk membangun bisnis sendiri

dan menjelaskan bahwa bantuan finansialnya akan menipis untuk

sementara waktu, depresi Van Gogh kambuh lagi.

Pada tanggal 27 Juli 1890, dia berjalan ke ladang gandum di sekitar

Auvers dan menembak dirinya sendiri di dada dengan pistol. Meskipun

Van Gogh belum mati dan berhasil berjuang kembali ke kamarnya,

luka-lukanya tidak dirawat dengan benar dan dia meninggal dua hari

kemudian. Theo bergegas untuk berada di sisi saudara laki-lakinya

selama jam terakhirnya dan berkata bahwa kata-kata terakhir Vincent

Van Gogh adalah: “Kesedihan ini akan bertahan selamanya.”

Kesedihan itu diperdalam dengan kematian Theo yang menyusulnya

tidak lama setelah kematian Vincent. Theo didiagnosis menderita

kelumpuhan progresif yang dini. Pada tanggal 1 Desember catatan

medisnya menegaskan bahwa ia menunjukkan gejala dementia

paralytica, penyakit otak. Penyebabnya disebutkan oleh “ faktor

keturunan, penyakit kronis, terlalu banyak bekerja, atau kesedihan

mendalam dan depresi”. Dia meninggal pada 25 Januari 1891.

Kemudian surat-menyurat antara Vincent Van Gogh dan Theo

menjadi salah satu dokumentasi terpenting bagi kisah mereka berdua.

Selama masa hidupnya Van Gogh tidak mendapatkan apresiasi yang

semestinya, hanya satu lukisan yang berhasil terjual selama hidupnya.

Baru setelah ia meninggal dunia karya-karyanya mulai bergema.

Bahkan hingga masa kini sempat berkali-kali menjadi salah satu karya

seni termahal di dunia.

Karya seni Vincent Van Gogh

Vincent Van Gogh adalah seniman yang sangat produktif dan

menghasilkan 900 lukisan selama masa hidupnya. Lukisannya sendiri

terdiri dari dua aliran utama dan banyak seri. Seri-seri lukisan Vincent

Van Gogh mencakup: potret, potret diri, ladang gandum, bunga,

pepohonan, pemandangan dan sebagainya.

Aliran Seni Lukis Vincent Van Gogh

Aliran seni lukis Vincent Van Gogh yang paling dikenal adalah post-

impressionism/paska impresionisme atau Neo Impresionism tepatnya.

Ia adalah salah satu pionir yang memberikan pengaruh pada banyak

aliran lain yang menyusul: neo Impresionisme, fauvism, dll. Meskipun

awal karirnya dimulai dengan mengusung aliran realisme. Van Gogh

juga dapat dikatakan mengusung

aliran Ekspresionisme, salah satu mazhab yang dipayungi oleh Paska

Impresionisme dan bersifat menonjolkan ungkapan dari dalam jiwa,

bukan sekedar gambar representatif alam.

Lukisan Van Gogh dan Analisisnya

The Potato Eaters (1885) Analisis, Deskripsi & Penafsiran

The Potato Eaters (Pemakan Kentang) oleh Vincent Van Gogh,

wikimedia.com

Pemakan kentang (The Potato Eaters) sering dianggap sebagai

mahakarya pertama Van Gogh. Dilukis saat tinggal di antara para

petani dan buruh di Nuenen di Belanda, Van Gogh berusaha untuk

menggambarkan orang-orang dan kehidupan mereka dengan jujur.

Vincent Van Gogh memperlihatkan kondisi hidup para petani yang

kurang sejahtera dengan warna yang gelap. Dia menampilkan adegan

itu dalam palet yang hampir monokrom, pucat dan kurang menggugah

mata. Layaknya kehidupan petani yang hanya mampu untuk

menyantap kentang saja untuk bertahan hidup dan menjalani

kehidupannya.

Potret mereka tampak sudah tua dan lemah lalu dibandingkan dengan

hanya satu orang yang masih muda itupun wajahnya tidak tampak.

Penggambaran tersebut di dramatisir lagi oleh penggambaran keluarga

petani yang berkumpul di di meja makan dan satu sumber cahaya

dari lentera kecil yang memberi penerangan minim. Kentang yang

tersediapun terhitung sedikit untuk jumlah keluarga mereka.

Meskipun lukisan ini adalah salah satu penciptaan terbaiknya, karya

ini tidak dianggap berhasil atau diapresiasi sebagai mana mestinya

hingga kematian Van Gogh.

Pada saat karya ini dilukis, Impresionis telah mendominasi pasar seni

dunia. Tidak mengherankan bahwa Theo, merasa tidak akan mampu

untuk menjual lukisan ini pada periode penciptaannya. Namun, karya

ini tidak hanya menunjukkan kehebatan Van Gogh membuat adegan

yang emosional, tetapi juga mulai membangun gagasan yang akan Van

Gogh gunakan sepanjang karirnya.

dilukiskan ini terlihat jelas

bahwa ada seseorang
yang tengah menampilkan
ekspresi terkejut pewarna
an ya tidak rapi tetapi
terlihat bagus.
9. Aliran Kubisme

Pablo Picasso adakah seorang seniman

pelukis aliran kubisme terkenal yang menjadi
legenda dunia. Picasso dilahirkan tahun 1881 di
kota Malaga, Spanyol dengan nama
lengkap Pablo Ruiz Y Picasso. Ayahnya
seniman dan guru kesenian. Bakat Pablo
muncul dalam usia muda sekali dan dia sudah
jadi pelukis jempolan pada umur belasan tahun.
Tahun 1904 dia menetap di Paris dan untuk
selanjutnya tinggal di Perancis.

Biografi Pablo Picasso dari Biografi Web

Gaya seni Picasso dikagumi karena imaginasinya, vitalitasnya dan
kepekaannya terhadap dunia luar. Picasso merupakan tokoh sentral dalam
perkembangan “Kubisme,” dan dia juga ternama karena kebrilianan otak serta
kemampuan tekniknya. Umumnya dia diakui selaku tokoh utama dalam seni
modern dan salah seorang yang paling suka kepada hal-hal baru dari semua
seniman di sepanjang jaman.

Picasso punya kemampuan sempuma dalam hal lukisan gambar realistis. bila
dia merasa perlu seperti itu; tetapi, lebih kerap lagi dia memilih
mengacak-acak serta mengubah-ubah wajah sesuatu obyek. Pernah suatu
waktu dia berkata. “Bila kumau melukis cangkir, akan kutunjukkan padamu
bahwa bentuknya bundar; tetapi itu sesuatu irama umum dan konstruksi
lukisan memaksa aku menunjukkan bawa yang namanya bundar itu sebagai
suatu yang persegi.”
Picasso betul-betul seorang seniman yang teramat produktif. Selama
kehidupannya selaku seniman yang luar biasa panjang itu –sekitar masa
waktu tiga perempat abad– dia sudah mencipta lebih dari 20.000 hasil
seniyang terpisah-pisah satu sama lain, rata-rata lebih dari 5 karya dalam
seminggu yang berlangsung selama 75 tahun! Sebagian terbesar dari waktu
itu, karyanya selalu berdiri paling depan dalam hal harga tinggi, karena itu
Picasso menjadi orang yang amat kaya raya. Dia meninggal dunia di kota
Mougins, Perancis, tahun 1973.

Kendati sebutan utamanya seorang pelukis, dia juga banyak melakukan karya
pahat. Tambahan lagi, dia perancang panggung ballet; dia bergumul dengan
seni bikin pot, meninggalkan sejumlah besar karya lithografi, lukisan melalui
garis-garis dengan menggunakan pensil atau kapur tulis dari banyak cabang
seni lainnya.
Tetapi seperti sementara seniman-seniman, Picasso juga tertarik dengan
sungguh-sungguh pada masalah politik. Nyatanya, lukisan masyhurnya
“Guernica” (1937), diilhami oleh kejadian-kejadian dalam perang saudara
Spanyol. Beberapa hasil karya lainnya pun punya arti penting politis.

Banyak seniman-seniman masyhur ditandai oleh satu macam gaya dasar.

Tidaklah demikian Picasso. Dia menampilkan ruang luas dari pelbagai gaya
yang mencengangkan. Kritikus-kritikus seni memberi julukan seperti “periode
biru,” “periode merah muda,” “periode neo-klasik” dan sebagainya. Dia
merupakan salah satu dari cikal bakal “Kubisme,” Dia kadang ikut serta,
kadang menentang perkembangan-perkembangan baru dalam dunia
lukis-melukis modern. Mungkin tak ada pelukis dalam sejarah yang sanggup
melakukan karya dengan kualitas begitu tinggi dengan lewat begitu banyak
gaya dan cara.

Tidak semua aliran seni punya pengaruh berjangka panjang. Meskipun

Picasso disanjung-sanjung di abad ke-20, layak dipertanyakan apakah di
abad-abad depan kelak penyanjungan itu masih bisa terjadi, ataukah
pengaruhnya akan segera musnah dalam waktu tak lama lagi. Sudah jelas, tak
ada jaminan yang meyakinkan untuk menjawab pertanyaan macam itu. Tetapi,
kata sepakat dari para kritikus seni kontemporer mengatakan bahwa pengaruh
Picasso akan tetap punya bobot penting di masa-masa mendatang. Walaupun
jelas, kita tidak bisa memastikan kelanjutan dari bobot penting Pablo Picasso
seperti bisa kita lakukan terhadap seniman-seniman yang sudah teruji oleh
sang waktu.

Karya Picasso
Picasso menghasilkan 20.000 karya dalam hidupnya. Yang menarik, Picasso
sering berganti gaya lukisan. Ini bisa terjadi karena Picasso memiliki banyak
teman. Seperti dari gaya lukisan biru dan merah jambu (karena lukisan
didominasi warna biru dan merah jambu) berubah drastis ke gaya kubisme,
akibat pengaruh pertemanannya dengan Georges Braque.

Gaya kubisme inilah yang mengejutkan dunia seni, karena mengubah

persepsi orang akan suatu keindahan seni. Kalau sebelumnya lukisan wanita
mudah dikenali wajah modelnya, oleh Picasso dibuat drastis sehingga bentuk
lukisannya sulit dikenali lagi, seperti yang ia tuangkan lewat karya Demoiselles
d’Avignon. Ini bukan berarti Picasso sembarangan saja membuat lukisan. Ia
sebelumnya telah mempelajari karya pematung Iberia dan patung-patung
Afrika lainnya (patung primitif) yang biasanya berbentuk melengkung dan tidak
proporsional.

Ketidaksembarangan Picasso juga dibuktika dengan beberapa eksperimen

yang sering dilakukannya, terutama pada perspektif dan distorsi yang ada
pada suatu lukisan. Sehingga gaya kubisme temuan Pablo Picassoini
mengubah wawasan dunia akan penilaian suatu lukisan. lukisan bukan saja
sebagai keindahan seni, tetapi merupakan pula sebagai hasil penelitian dan
eksperimen.

karya ini sangatlah cantik menurut saya

meskipun warnanya tidak senada tapi
terlihat sangat pas.
10. Aliran Pop Art

Roy Lichtenstein (lahir

di Manhattan, Amerika Serikat, 27
Oktober 1923 – meninggal
di Manhattan, Amerika Serikat, 29
September1997 pada umur 73 tahun) adalah
seorang Pop

Art berkewarganegaraan Amerika Serikat, dimana sebagian besar pekerjaannya

sedikit banyak dipengaruhi baik oleh iklan-iklanterkenal dan buku-buku komik.
Menurutnya, Pop Art sebagai, " bukanlah karya Amerika, tetapi hanyalah industri
lukisan saja".[1]

ReferensiSunting

1. ^ Coplans, John (1972). Roy Lichtenstein. hlm. Interviews, p55, 30, 31.

Pranala luarSunting

Wikiquote memiliki koleksi kutipan yang berkaitan

dengan
Roy Lichtenstein.
 Yayasan Roy Lichtenstein
 Roy Lichtenstein Image Duplicator
 Kumpulan dari karya-karya seninya, Roy Lichtenstein
 Deconstructing Roy Lichtenstein (sumber dari buku-buku komiknya)
 Eye (Spring 2001): "Historically, copying the Masters was considered to be a
part of the painter’s training, not the final product", by Rian Hughes
 1977 BMW 320i with special paintjob by Roy Lichtenstein
 Roy Lichtenstein's public artwork at Times Square-42nd Street, commissioned
by MTA Arts for Transit.

 Mitchell-Innes & Nash

drowning girl

Menurut saya karya ini

sangatlah bagus sekali
karena dari
pewarnaan,ekspresi dan
juga detailnya sangat
jelas.