Lukisan minyak India telah berkembang sejak sejarah purba.

Lukisan minyak India yang dicipta menggunakan pigmen yang indah. Pigmen ini adalah gabungan dalam lukisan dengan pengeringan minyak dan benar-benar asli dan tangan yang dicat. Artis India yang sangat kreatif dan mereka menggunakan minyak yang pelbagai dalam proses lukisan sangat imaginasi. Penggunaan minyak sebagai medium lukisan bergantung kepada pigmen tertentu dan kesan berbangkit. Kesan-kesan yang dihasilkan dalam lukisan minyak yang luar biasa oleh sentuhan yang sempurna pigmen warna, dan minyak. Artis India membuat lukisan minyak yang paling cantik, elegan dan mengenakan pada kanvas. Lukisan minyak India boleh menjadi abstrak, agama, masih hidup, sifat dan lukisan landskap. Kategori ini adalah yang paling popular di kalangan pencinta seniindia . Lukisan minyak India pada kanvas adalah contoh terbaik kerja seni yang cemerlang. Lukisan minyak di India juga menggambarkan perayaan-perayaan pelbagai. Ini adalah kerana India adalah tanah perayaan pelbagai. Sebagai contoh, lukisan minyak Diwali hanya menakjubkan dengan cahaya, warna dan warna majlis ini. Kepintaran artis digambarkan pada kanvas dan kesan perayaan lampu kelihatan sangat meriah menghiasi dinding ruang tamu anda. Lukisan minyak India juga menggambarkan festival panen di daerah-daerah yang berlainan India. Yang terkenal ialah pesta panen Kerala. Lukisan minyak perayaan India memberikan wawasan ke dalam budaya India yangkaya. Lukisan minyak India juga menggambarkan subjek seperti burung kakak tua, bunga dan rama-rama berwarna-warni. Lukisan ini mempunyai perpaduan sempurna antara warna, bertenaga semula jadi yang membawa kehidupan ke dalam karya seni. Tetapi warna yang digunakan tidak terlalu menonjol dan mempunyai rupa yang sangat menyenangkan. Meditasi merupakan satu lagi subjek penting lukisan minyak India. Gambaran subjek meditasi panggilan untuk pilihan yang luar biasa warna. Apa yang lebih penting dalam lukisan meditasi adalah penggunaan warna dan warna yang bijak. Warna-warna yang digunakan dalam lukisan itu mesti membawa asas keamanan, ketenangan dan kerohanian. Lukisan minyak India pada meditasi popular di kalangan pelanggan kerana lukisan berjaya dalam menghasilkan rahmat yang dialami positif proses meditasi. Ini adalah di mana kejayaan seorang artis terletak menggambarkan emosi dan perasaan yangbetul. Lukisan Mural Kerala juga memegang tempat yang penting dalam sejarah lukisan minyak India. Lukisan ini adalah dicirikan oleh penggunaan minyak pada mengubah kayu. Warna juga amat bijak digunakan dalam lukisan Mural. Sebagai contoh, warna kuning digunakan secara meluas untuk melambangkan mistisisme dan kerohanian.

Collection of Oil Paintings done by Raja Ravi Varma

Lady With the Lamp Masterpiece Oil Painting By Raja Ravi Varma

Portrait of Ammakovil Thampuran

Droupathi in Virata's palace

Painting of Droupathi taken to forest by Simhika

Painting of a North Indian Lady

Painting A lady making a beautiful flower garland

Portrait of a foreigner

A poor gypsy family sitting by the street

Painting of Princess Damayanthi

Painting of Harischandra

Painting of A lady in deep Seetha horrified seeing thoughts Ravana cutting Jatayu's wing

Ravana, killing Jatau

Still Life Indian Painting Jayachandra Maharaja's on Canvas by Raja Ravi Portrait Painted on Canvas Varma

Kerala Lady

Famous Decorative Art - Oil Painting by Raja Ravi Varma

Trditionally dressed Keralaite lady with child

Raja Ravi Varma's Painting

Wall Painting by Raja Ravi Varma

Sri Krishna with Balarama Sri Krishna, in his role as an Envoy A small girl giving alms Painting of A Keralaite lady in freeing parents from prison of Pandavas to the Kaurava Court to a poor old woman dressing room after killing uncle Kamsa

Decorative Painting Techniques - Painting of Imprisoned lady Indian Canvas Painting unique in style Raja Ravi Varma holding a dagger by Raja Ravi Varma

A lady playing music instrument Swarbat

Keralaite lady in traditional dress playing Veena

Oil Painting Godess Lakshmi

Traditionally Dressed Lady from Maharashtra India

An elegant Keralite lady

Painting of a North Indian Village Girl Carrying Milk

Mohini asking Rugmangada to kill his own son Raja Ravi Varma Painting

Raja Ravi Varma's classic painting with painting showing the affection extraordinary light of mother effects

Indian women dressed in regional Draupadi, wife of pandavas, Oil Painting Reproduction of attires playing on a variety of Portrait of an old lady bewailing her lot to carry milk a masterpiece portrait musical instruments popular in and her grand-daughter and honey to the court of painted by Raja Ravi Varma different parts of the country Keechaka

Portrait of a lady with a love letter

Love scene of Sri Krishna Raja Ravi Varma Painting and Radha

Raja Ravivarma Painting

Rajaravi Varma Painting

Rajaravivarma

Sri Rama breaking the bow to win Seetha as wife

Mrs. Ramanadha Rao and son painted by Ravi Varma

Ravi Varma Painting

A reluctant princess painted Sakunthala looking back by Ravivarma at Dushyanthan

Sakunthala, the heroine of Kalidasa's Sanskrit drama Sakunthalam

Sakunthala writing letter to Dushyantan

An oleograph - Raja Ravi Varma Painting

King Santhanu falling in love with Matsyagandhi

Oil Painting Godess Saraswathi

Famous Original Indian Canvas Painting by Raja Ravi Varma

Princess Damayanthi, sending Varuna the Lord of ocean, Keralite Mother and Child the Royal Swan as messenger pacifying Sri Rama to Nalan

Famous Indian Oil Painting by Raja Draupadi, in the guise of Ravi Varma Syrendri with Virata's wife

Colourful portrait of a young village girl

Antique Indian Oil Painting Raja Ravi Vama's Vishnu

Oil Painting By Raja Ravi Varma

Sri Krishna, as a young child with foster mother Yesoda

Tyeb Mehta lukisan, artis Tyeb Mehta, indian pelukis - kecemerlangan setanding artis India Kecemerlangan tidak merupakan salah satu fenomena masa, tetapi ia satu tabiat, yang dilakukan berulang kali. Tyeb Mehta milik kepada kaum yang telah dibuat kecemerlangan, sifat kedua. Tyeb Mehta dilahirkan pada bulan Julai 1925 di Kapadvanj daerah Gujarat. Beliau bukan sahaja salah satu artis yang besar India tetapi juga merupakan pelukis yang diiktiraf. Selepas bekerja sebagai editor filem di makmal pawagam, minat dalam lukisan membawa beliau kepada Sir JJSchool Art, Mumbai di mana beliau lulus dalam 1952.To kepentingan lanjut beliau, beliau membuat lawatan singkat empat bulan ke London dan Paris. Selepas kepulangannya, beliau memberi tumpuan gigih pada seni lukisan dan arca yang menyaksikan beliau mengambil bahagian dalam pameran banyak. Beliau menganjurkan pameran solo pertama seni Jehangir Art Gallery, Mumbai, pada tahun 1959. Dengan keinginan untuk menonjolkan kemahiran dan pembelajaran, beliau berangkat ke London di mana beliau tinggal dan bekerja dari 1959 hingga 1964. Beliau juga membuat lawatan ke Amerika Syarikat pada Rockfeller Fellowship pada tahun 1968. Beliau juga cuba tangannya di membuat filem yang dibuat beliau memenangi anugerah Filem pengkritik tambang pada tahun 1970 untuk Koodal film percubaan. Beliau juga merupakan penerima Kalidas Samman oleh Kerajaan Madhya Pradesh pada tahun 1988. Sesungguhnya, Mehta adalah personaliti yang pelbagai. Di samping itu pelbagai pameran solo, beliau juga telah mengambil bahagian dalam menunjukkan beberapa antarabangsa juga. Immaculate dalam alam semula jadi, beliau adalah salah satu artis yang paling berpengaruh di India. Untuk memikirkan hakikat itu, beliau memilih panggilan apabila tidak banyak pengetahuan dan pemahaman tentang seni, kata banyak kira-kira menyelesaikan. Beliau telah banyak menyumbang untuk seni lukisan dan arca di India melalui kesedaran dan pendedahan. Apa yang membuatkan Tyeb Mehta begitu terkenal dan amat dihormati? Jawapannya terletak dalam kerja-kerja yang mencerminkan ketulenan tertinggi dan pelbagai indah kejujuran dan niat yang jelas. Menambah itu adalah himpunan yang semakin kraf dalam pelbagai lain melukis. Apa lagi yang boleh meminta daripada seorang pelukis? Satu lagi tanda yang berbeza identiti yang kukuh dan asal-usul bangsa bangga pertalian dengan watak-watak mitos dalam karya-karya beliau. Ini bukan sahaja menunjukkan pengetahuan mengenai tradisi India tetapi juga menjelaskan banyak perkara mengenai komitmen dan balasan. Serba boleh baik tanpa kesilapan dicerminkan dalam, dari lukisan imej rickshaw-wallahs dan lembu jantan terikat, halus, imej yang berkulit keras dan konsep mitologi Hindu. Sebagai pengesahan kebijaksanaan, lukisan Mehta mengambil harga maksimum mana-mana artis India yang hidup. Beliau memiliki rekod harga tertinggi lukisan India pernah dijual di lelongan awam for "Sambutan" di Christie, New York dalam 2002.Adding bahawa lukisan beliau "Mahisasura," membawa $ 1,58 juta, kali pertama India moden lukisan telah menyeberangi tanda juta dolar.

Kerja-kerja sangat berpengaruh Tyeb Mehta, merentasi enam dekad menjadikan dia salah satu daripada nama-nama yang tertinggi dalam seni India moden. Di barisan hadapan kebangkitan seni India, namanya akan terukir dalam terusan artis besar India.

SHRaza lukisan, artis India SH Raza, kecemerlangan setanding pelukis indian SH Raza lebih dikenali sebagai 'induk warna'. Raza adalah salah satu artis terkenal di India pada abad ke-. Karya-karya beliau pada dasarnya termasuk landskap sebenar dan abstrak berkembang dengan warna-warna yang meriah. Dilahirkan di negeri Madhya Pradesh, Syed Haider Raza mengkaji lukisan di sekolah Nagpur seni. Beliau kemudiannya berpindah ke Mumbai untuk belajar di J.J. Sekolah seni. Dia adalah salah satu daripada ahli-ahli pengasas kumpulan Artist Progresif. Pada peringkat awal, dia berjuang untuk membangunkan bahasa modenis. Sebelum berangkat ke Perancis, beliau telah pameran banyak kerja-kerja seni di India. Kerajaan itu. Perancis yang diberikannya schlorship pada tahun 1950. Beliau mempelajari lukisan di Paris di Ecole Nationale des Beaux-Arts 19501953. SH Raza telah dianugerahkan 'Shri Padma' gelaran pada tahun 1981. Beliau juga dianugerahkan Kalidas Samman dari kerajaan Madhya Pradesh. Pada tahun 1965, beliau telah diberikan Prix de la Kritikan anugerah di Paris. Pada tahun 1962, University of California mengundang beliau sebagai pensyarah pelawat di jabatan seni Berkeley. Raza telah mengadakan beberapa pameran lukisan di seluruh negara. Pada tahun 1997, beliau mempamerkan kerja-kerja yang dilakukan di pameran yang diadakan di Mumbai, Bhopal dan New Delhi. Beliau juga mengambil bahagian dalam pameran yang diadakan di Venice, Sao Paulo, dan Menton biennales di Perancis. Beliau berkahwin dengan artis Perancis yang bernama Janine Mongillat. Raza sentiasa memilih untuk menumpukan kepada landskap daripada sezaman dengan beliau yang memilih objek yang lebih figural. Artis, hari ini, kebanyakannya tinggal di Paris atau di Gorbio di selatan Perancis. Pada lelongan lukisan baru-baru ini yang diadakan pada bulan Disember 2010, lukisan Raza dilaporkan dijual bagi dolar Amerika Syarikat (AS) 1400000. Raza menekankan modenisme barat dan lukisan beliau selalu digambarkan pengekstrakan. Raza juga bersepadu asas-asas Tantrism yang mengekalkan teks alkitab India. Raza terutamanya pelukis alam semula jadi berasaskan yang telah datang jauh dari lukisan landskap expressionistic yang abstrak. Terpesona dengan desa desa luar bandar Perancis, Raza menangkap keindahan seni bina rantau ini dalam lukisannya. Raza menggunakan brushstrokes ikal dan lainlain peranti gaya cat yang memujuk lari pencinta seni. Kerja-kerja yang lebih awal telah kamu mendedahkan diri dengan warna-warna riang meleleh mata pada penonton tetapi off lewat

karyanya telah menjadi lebih halus dan dihalang. Raza percaya bahawa kerja-kerja yang dilakukan adalah pengalaman sendiri dalaman dan penglibatan dengan kekaburan sifat dan bentuk yang dijelaskan di dalam warna, garis, ruang, dan cahaya. Lukisan berwarna-warni Raza dikaitkan dengan nilai yang simbolik dan emosi semua warna meriah India. Kerja Raza memang menawan hati mata. Penggunaan cat berat dan warna berdenyut membuat satu menatap lanskap itu. Raza masih berlarutan ke kenangan zaman kanak-kanaknya dihabiskan di hutan di mana beliau telah diilhamkan untuk cat dan dirangsang oleh renungan metafizik India. S. H Raza sesungguhnya adalah salah satu muka inspirasi bagi pelukis yang bercita-cita dan dia akan terus kekal legenda yang hidup di mata seni Aficionado.

MF Husain, lukisan, MFHusain artis, pelukis terkenal indian - Creative Genius! Lukisan pastinya hadiah Allah dan salah satu bentuk yang paling indah . Diberkati dengan sumbangan ini adalah salah satu artis itu yang tidak perlu pengenalan. Namanya adalah metafora seni India kontemporari dan lukisan beliau bercakap untuk diri mereka sendiri. Dengan kakinya yang mendalam di akar tradisi dan pemikiran yang terbuka dan sengit, beliau telah menjadi salah satu tokoh yang paling terkenal dalam industri seni India. Beliau adalah tidak lain daripada Maqbool Fida Husain, lebih popular, MFHussain. Beliau adalah salah satu artis yang paling membingungkan India yang dikenali untuk penghargaan bertenaga hal keadaan manusia dan jejak itu boleh didapati dalam karya-karya beliau. Dilahirkan pada tahun 1915 di Pandharpur di Maharashtra; Hussain datang dari latar belakang Islam tradisional. Sebagai seorang anak, Hussain belajar seni kaligrafi dan suka membaca poetries semasa dia tinggal dengan bapa saudaranya di Baroda. Setelah lukisan landskap desa banyak dan menamatkan persekolahan di Indore, Hussain membuat keputusan untuk berpindah ke Mumbai untuk membuat kerjayanya dalam seni. Beliau menyertai yang J.J. sekolah seni dan mula untuk menyara hidup dengan lukisan papan iklan untuk filem. Pada tahun 1947, Hussain memenangi anugerah untuk lukisan beliau di pameran tahunan Bombay seni masyarakat dan ini menandakan permulaan kerjaya yang meriah berwarna-warni di hadapan menunggu untuk ini maestro seni. Hussain melakukan banyak uji kaji seni pada tahun-tahun awal dengan mengadun tema etnik yang berbeza dan mitologi untuk mewujudkan bentuk seni bercahaya. Kreativiti-Nya, gaya dan inovasi dalam lukisan telah dibuat beliau mencapai Acme dalam seni India. F.N. Souza, seorang anggota Kumpulan, Artist Progresif yang telah ditubuhkan untuk memberi dimensi baru kepada seni India, dijemput Hussain untuk menjadi ahli pada tahun 1948. By 1955, Hussain pergi untuk menjadi salah satu artis terkemuka di India dan telah dianugerahkan 'Shri Padma' besar-besaran. Pada tahun 1971, Hussain telah dijemput bersamasama dengan Pablo Picasso di Sao Paulo Dwitahunan. Selain daripada beberapa pameran solo, Hussain mempunyai studio yang banyak di metropolitan utama negara. Pada tahun 1973, beliau dianugerahkan Padma Bhushan, pada tahun 1989, Vibhushan Padma dan akhirnya telah dicalonkan untuk Sabha Rajya pada tahun 1986. Hussain juga telah dibuat filem, seperti "Melalui

Mata Kesakitan satu" dan "Gajagamini", bekas memenangi Anugerah Golden Bear di Berlin Film Festival Hussain juga telah menulis lirik untuk dua lagu Meenaxi filem.:

FN Souza, lukisan, FNSouza artis, artis terkenal, pelukis indian - Kecemerlangan Seni Seni India sentiasa terjalin dengan sendirinya sejarah, agama dan falsafah. India boleh berbangga dengan banyak artis-artis hebat abad. Francis Newton Souza merupakan salah satu artis itu. Dia artis pertama percubaan dari India untuk mencapai kemasyhuran meluas di barat. Beliau dilahirkan pada April 12, 1928 di Goa dan Kristian oleh relegion. Beliau mempelajari Seni di yang J.J. Sekolah Seni di Mumbai tetapi dipecat dari sekolah untuk penyertaan dalam cara Berhenti Pergerakan India pada tahun 1942. Kerjaya Souza'a maju dengan mantap dan dia mula mengambil bahagian dalam banyak pameran dan menunjukkan. Souza merupakan pengasas Kumpulan Artist Bombay Progresif. Beliau telah menggalakkan semua pelukis untuk menyertai gerakan avant-garde. Souza berpindah ke England pada tahun 1950-an. Souza adalah salah satu daripada modenis awal dalam erti kata sebenar istilah. Lukisan FN Souza sentiasa menjerit untuk membuat sebuah dunia sendiri. Mereka kelihatan tidak kekal. brushstrokes beliau marah, garisan bersilang-silang dan sempadan berkilat. Lukisan seolah-olah kubur dan sia-sia, menekan dan mengejek anda. Souza reasserted keamatan jejak dengan keadaan terdesak sekali. Lukisan Souza seolah-olah untuk menyerang kanvas. Ia adalah seolah-olah beliau melancarkan perang terhadapnya. Souza menggabungkan seni ex-pressionism Rouault dan Soutine, ketahanan Cubism dan arca India purba klasik untuk cat landskap indah, salib, paus dan imam-imam dan lain-lain Talian apa yang Souza, forte. Souza sentiasa dicat dan masih meninggalkan sesuatu dalam lukisan beliau yang dibuat mereka misteri dan menawan hati. Apa yang melemparkan Souza ke kemasyhuran adalah 'Nirvana seorang ulat' karangan autobiografi yang muncul pada tahun 1955 dalam majalah disunting oleh pembelanja Stephen. 'Kata-kata dan Talian' merupakan buku yang lain yang besar yang telah diterbitkan di London pada tahun 1959. Pada tahun 1967, Souza menetap di New York. Souza juga telah menjadi sebahagian daripada Artis Komanwel Fame pameran yang telah diadakan di London pada tahun 1977. Beliau juga telah mengambil bahagian dalam beberapa pameran lain yang termasuk menunjukkan satu manusia di Paris pada tahun 1954 dan 1960 dan di Detroit pada tahun 1968. Pada tahun 1987, retrospectives beliau telah diadakan di New Delhi dan Mumbai. Beliau juga mempamerkan karyanya di Galeri Indus di Karachi pada tahun 1988. Pada tahun 1996, lukisan beliau dipamerkan di New Delhi sekali lagi. Pada tahun 2005, sebagai sebahagian daripada Koleksi Seni Britain, Tate Britain menumpukan sesuatu kawasan kepada kerja-kerja Souza supaya Britain pencinta seni dapat menghargai masa kerjanya dan kini. Kerja Souza juga

mempunyai petunjuk ex-pressionism dan British neo-romantisme. FN Souza juga menerima penghargaan positif dari John Peter Berger, kritikan seni. Berger juga berkata bahawa gaya Souza sengaja eklektik. Dalam hari-hari terakhirnya Souza dicat gambar banyak di bawah tajuk "Goa portfolio" di mana beliau juga menulis banyak prosa inspirasi. Souza sentiasa dilihat sebagai seorang pelukis yang bijak, seorang penulis yang baik, berwawasan dan pramuka. Walaupun Souza tinggal di barat; pertama England kemudian New York, dia terus melalui India di tengah-tengah.

VS Gaitonde lukisan, VSGaitonde artis, india kecemerlangan seni Vasudev S. Gaitonde telah dianggap sebagai salah satu terbaik dan pelukis abstrak tersendiri India. Vasudev Gaitonde dilahirkan pada tahun 1924 dan telah menerima diploma dari Sekolah JJ Seni di Mumbai pada tahun 1948. Kagum dengan kerja-kerja yang dilakukan, Vasudev dijemput untuk menyertai Kumpulan Artis Progresif dari Bombay. Beliau terlibat secara aktif dalam aktiviti-aktiviti kumpulan. Beliau mempunyai beberapa pameran yang diadakan di India serta di negara-negara asing. Pada tahun 1956, beliau mengambil bahagian dalam pameran seni India yang diadakan di negara-negara Eropah Timur. Beliau juga mengambil bahagian dalam pameran kumpulan lain yang diadakan di galeri seni Graham, New York pada tahun 1959 dan 1963. Kerja-kerja abstrak Gaitonde dihasilkan dalam koleksi India dan luar negara termasuk Museum of Modern Art, New York. Pada tahun 1957, beliau telah dianugerahkan hadiah pertama pada Pameran Asia Artis muda, Tokyo dan Rockefeller Fellowship diikuti pada tahun 1964. Pada tahun 1971, beliau telah dianugerahkan Padma Shri iaitu anugerah tertinggi untuk kecemerlangan kreatif yang diberikan oleh Kerajaan India. Gaitonde mencuba sangat dengan bentuk dan bentuk dalam karya-karya beliau. Lukisan wraithlike dan bermacam-macam Vasudev sembah penerangan yang tersembunyi dan kabur yang dunia sebenar, bagaimanapun Gaitonde sangat diabaikan tajuk 'abstractionist' yang dilabelkan kepadanya. Vasudev ia mempunyai pengaruh mendalam falsafah Zen dan kaligrafi dahulu kala kepadanya. Di tengah-tengah kerja seni beliau, seseorang itu boleh notis kawalan dan struktur conglomerated halus digambarkan. Gaitonde lebih suka menikmati perlahan dan proses lukisan yang teliti tidak seperti sezamannya yang mengapa dia menghasilkan hanya selesai kerja-kerja beberapa. Penggunaan Gaitonde unsur simbolik dan garisan tanah terlalu sedikit membuat kerja-kerja yang dilakukan seolah-olah seperti sungai yang mengalir. Kerja Gaitonde mengingatkan kita artis seperti Paul Klee dan Joan Miro dia telah dikaji semasa hari kolej. Gaitonde membuat on-penonton hanya menatap lukisan beliau kerana mereka mewakili ilusi mengagumkan dari bentuk, warna dan lukisan. Beliau mempunyai kuasa untuk membuat objek

yang mudah untuk berubah menjadi unsur-unsur rohani. Artis yang mempunyai bakat dan kemahiran yang amat besar dalam teduhan yang menjadikan melihat kerja-kerja seperti jurang yang tidak berkesudahan. Gaitonde menggunakan penggelek dan pisau palet, untuk benar-benar mempengaruhi dan campuran medium yang berbeza pada kanvas. Seni appers karyanya luhur dengan setiap unsur yang mengewap dalam bentuk lain. Lukisan abstrak dengan rasuk cerah cahaya membangkitkan kedalaman disembunyikan. Kerja Gaitonde muncul untuk memancarkan pesona meditasi dengan permukaan satah yang besar dan lapisan halus cat pada kanvas. LukisanNya mempunyai sifat cahaya yang seolah-olah menjadi lengkap di dalamnya. Hasil kerja beliau membina pigmen dan kemudian mereka berhati-hati dikeluarkan kerana kesan yang diingini yang Gaitonde mewujudkan. V.S. Gaitonde pelukis pertama India kontemporari yang kerja yang telah dijual untuk Rs. 92 lakhs di lelong seni Osians. Gaitonde meninggal dunia pada tahun 2002. VS Gaitonde masih dianggap sebagai salah satu abstractionists terkemuka India dan pelukis dunia seperti dunia khayalan.

Ram Kumar lukisan, artis terkenal Ram Kumar, indian artis Terkenal Ram Kumar adalah salah satu artis pasca kolonial kontemporari India. Beliau dilahirkan pada tahun 1924 di Shimla dan dia mencapai ijazah sarjana dalam bidang ekonomi dari St Stephens College, Delhi University. Ram Kumar gunakan untuk mengambil kelas lukisan di Sekolah Sharda Vakil seni dan dikesan oleh pelukis terkenal SHRaza yang kemudian menjadi teman rapat. In1952, Kumar pergi ke Paris untuk belajar lukisan. Beliau menerima JD Rockefeller dana persekutuan pada tahun 1972. Ram Kumar juga seorang penulis yang hebat. Beliau terkenal dengan cerita-cerita pendek dalam bahasa Hindi. Kerajaan itu. India dianugerahkan kepadanya 'Padmashree' pada tahun 1972. Pada tahun 1985, beliau telah dianugerahkan 'Kalidas Samman' oleh Kerajaan Negeri Madhya Pradesh. Ram Kumar tinggal dan bekerja di New Delhi. Di Paris, Kumar mengambil panduan di bawah Andre Lhote dan Fernard Leger antara 1949 dan 1952. Dengan kepentingan global yang semakin meningkat dalam seni kontemporari India, lukisan Ram Kumar juga telah mendapat penghargaan dalam pasaran seni yang berkembang. Ram Kumar telah mengadakan pameran solo banyak termasuk Biennales Antarabangsa di Tokyo pada tahun 1957 dan 1970, Biennale Venice 1958 dan di Sao Paulo pada tahun 1961, 1965 dan 1972. Beliau juga telah mengambil bahagian dalam Festival India show yang diadakan di bekas USSR dan juga di Jepun pada tahun 1987-1988. Ram Kumar juga telah menerima 'Prem Chand Puraskar' berprestij dari Kerajaan Uttar Pradesh untuk 'Meri Priya Kahaniyan' yang koleksi cerpen. Kerja awal Ram Kumar khusus menjelma syarat-syarat yang tipikal manusia. Dia biasanya menggambarkan individu estranged yang terbaring sendirian di tengah-tengah bandar. Kerja-Nya khusus potret Varanasi bandar dan rungkuh dan dipenuhi rumah-rumah. Lukisan-Nya memberikan pada

penonton rasa putus asa dan kesedihan. Dengan sebatan tidak sekata dan menyapu cat; Kumar membangkitkan rasa ecstasy ruang. Kerja baru-baru ini menggambarkan permusuhan embrio dalam persekitaran manusia. Kumar menunjukkan drama terdalam sekali dari budaya India pada masa yang sama masih mengekalkan kesipian dan ketetapan. Ram Kumar mengekalkan idiosinkrasi dalam kerja-kerja yang dilakukan oleh menggambarkan seni kenang-kenangan. Ram Kumar melepaskan penglibatan dengan negara dan masyarakat sivil yang mendakwa untuk mencirikan kedudukan. Artis yang lebih suka untuk menghidupkan batin; memilih untuk menjadi dalam 1 mengusir jiwa. Lukisan terkini Ram Kumar telah estetik perdamaian. Teruknya struktur dan intensiti strok berus menimbulkan irama sejagat penciptaan seni dalam lukisan Kumar. Kesunyian Pendiam lukisan Kumar dengan cara yang menjerit kepada penonton. Perjalanan seni Kumar telah satu pengalaman seperti sungai yang mengalir, bergerak anggun dari expressivity perayaan kepada sikap diam yang berpenampilan nakal. Subjek yang benar seni Ram Kumar mungkin sensuousness landskap yang indah bahawa dia mencipta dalam lukisan. Landskap biasanya dilakukan dalam minyak atau akrilik. Dalam erti kata yang sebenarnya jika istilah, Ram Kumar sesungguhnya telah salah satu pelukis abad moden yang cemerlang kedua puluh.

Manjit Bawa lukisan, artis Manjit Bawa, indian pelukis - artis Terkenal Manjit Bawa satu lagi pelukis yang terkenal India. Beliau dilahirkan pada tahun 1941 di pekan kecil yang dikenali sebagai Dhuri di Punjab. Sebagai seorang anak, Manjit tidak benar-benar digalakkan untuk menjadi seorang artis. Ibunya sering mematahkan semangat dia mengatakan bahawa seni tidak boleh mengambil satu ruang tamu. Walau bagaimanapun, lukisan dan seni di mana jantung Mantis terletak. Dia tidak ragu-ragu tentang menjadi seorang artis. Manjit sentiasa percaya bahawa seni harus membawa beberapa kesegaran dengannya. Ia perlu menggambarkan sesuatu bahawa seseorang itu tidak pernah dilihat sebelum ini. Lebih tua saudara-saudara Manjit menyokong beliau dan mendorong beliau untuk meneruskan kerjayanya dalam seni. Dari 1958 hingga 1063, Manjit belajar seni halus di 'Sekolah Sastera', New Delhi. Profesor adalah sumber inspirasi kemudian. Bawa naik identiti di bawah Abani Sen besar, yang mendorong beliau untuk membuat hampir lima puluh lakaran sehari tetapi sebahagian besar daripada mereka telah ditolak. Hasilnya, Bawa mula bekerja lebih keras selama berjam-jam yang lebih panjang. Keghairahan beliau untuk lukisan immerged dan meningkat dengan setiap hari berlalu. Manjit mula mengagumi dan bergerak ke arah seni kiasan apabila kebanyakan dunia seni adalah

memihak kepada kerja-kerja abstrak. Beliau benar-benar kredit guru-guru dan Sen tanpa dia percaya bahawa dia tidak akan dapat mewujudkan gaya apa-apa yang kita lihat dalam kerja-kerja yang dilakukan hari ini. Bawa belajar seni serta bekerja sebagai pencetak silkscreen di Britain 1964-1971. Selepas pulang dari Britain, Bawa dalam menetapkan kerana dia tidak dapat memikirkan apa yang harus dia cat. Bawa hanya tidak mahu menjadi pelukis gaya Eropah yang tipikal. Dalam zaman kanak-kanaknya, Bawa terdedah kepada banyak cerita-cerita dari mitologi India seperti Mahabharata dan Ramayana, Dia juga telah mengajar banyak perkara mengenai poetries Sufi. Dia membawa ini kepada lukisan beliau. Kanvas Manjit Bawa sangat dilihat dalam warna-warna mereka terutama warna kuning bunga matahari, warna hijau sawah padi, matahari merah dan biru langit gunung. Bawa memilih warna yang lebih tradisional India seperti pinks, merah dan ungu. Dia adalah salah seorang pelukis pertama untuk memecahkan kelabu klasik dan browns. Pada mulanya, terdapat banyak kritikan ke atas kerja Bawa tetapi dia masih berterusan cara sendiri. Manjit percaya bahawa warna-warna terang adalah lebih dekat ke tengah-tengah India yang paling. Mereka juga biasa dengan warna warna-warna cerah. Alam Sekitar juga telah diilhamkan Bawa cat landskap desa. Sebagai budak muda, Bawa akan perjalanan dengan berjalan kaki atau kenaikan halangan ke tempat-tempat seperti Himachal Pradesh, Rajasthan dan Gujarat. Dia kemudiannya akan merebak pf lembaran kertas dan menarik pemandangan alam yang indah. Warna dan kesederhanaan orang terpesona dia banyak. Seseorang itu sentiasa akan mencari burung dan haiwan dalam lukisannya. Selain sifat, seruling adalah sesuatu yang seseorang akan dapat melihat dalam lukisan beliau sering. Daya tarikan utama lukisan beliau merasakan bahawa seseorang mendapat luas saturating medan warna yang mewujudkan ruang dan menentukan lengkungan angka. Manjit Bawa hidup dan kerja-kerja di studio di Himachal Pradesh, dan juga di Delhi, di mana kehidupan keluarganya.

Krishan Khanna lukisan, artis dan pelukis yang terkenal Krishen Khanna adalah salah satu daripada nama-nama yang terkenal dalam senario seni kontemporari India. Bersama-sama dengan kawan-kawannya M.F. Husain, Tyeb Mehta, Ram Kumar, Raza, Souza, Gaitonde dan lain-lain; Khanna memulakan lukisan pada satu-satu masa apabila tidak glitz banyak dalam seni. Beliau dilahirkan di pra partition India pada tahun 1925 di daerah Lyallpur (kini di Pakistan). Beliau kemudian berpindah ke Shimla semasa era partition. Di Lahore, Khanna menghadiri kelas malam di Sekolah Mayo of Art. Setelah datang ke India, dia telah mengambil pekerjaan dengan Grindlays Bank dan diletakkan di Mumbai. Tetapi dia berhenti kerja di Grindlays Bank untuk meneruskan seni kira-kira

empat dekad yang lalu. Pada masa itu, senario seni banyak berbeza dan tertutup daripada apa ia sekarang. Semangat-Nya untuk seni mendorong beliau untuk mengambil langkah sedemikian. Kerja keras, ketabahan dan kepentingan dia menang banyak ganjaran dan penghargaan pada dunia seni. Krishen Khanna juga telah diajar seni di Amerika Syarikat tanpa apa-apa formal kelayakan akademik dalam mata pelajaran. Simpati artis terhadap orang-orang yang browbeaten dan miskin adalah terang dalam lukisan beliau. . Gambaran keganasan dan juga boleh dilihat dalam kerja Khanna datang dari pengalaman beliau semasa Partition. Khanna menjual lukisan pertama dalam pameran utama Dr Homi Bhabha Tata Institut Penyelidikan Fundamental. Bapanya sentiasa menggalakkan dan menyokong beliau untuk meneruskan seni sebagai kerjaya. Malah isterinya juga menyokong beliau apabila beliau meletak jawatan dari kerja. Khanna persembahan dan pameran di Mumbai sangat diterima baik dan ini meningkatkan keyakinan beliau. Khanna juga dijemput untuk menyertai Kumpulan Artis Progresif 'dengan dia kekal yang terlibat untuk sepanjang masa. Pada tahun 1962, Khanna telah dianugerahkan 'Rockefeller Fellowship'. Pada tahun 1963-1964, beliau adalah 'Artist Residence' di Universiti Amerika di Washington. Selain daripada beberapa persembahan solo, dia telah mengambil bahagian dalam menunjukkan kumpulan seperti 'Tokyo Biennale pada tahun 1957 dan 196 1,' Sao Paulo Biennale pada tahun 1960, 'Venice Biennale pada tahun 1962, dan beberapa orang lain. Khanna telah memegang jawatan penting banyak dalam membuat keputusan badan Lalit Kala Academy, National Gallery of Modern Art dan Roopanker Museum, Bhopal. Pada tahun 1996, beliau telah dianugerahkan 'Shri Padma' grand. Khanna tidak suka banyaknya kiasan yang begitu jelas sekali dalam lukisan India. Khanna membuat kesan luar biasa pada kanvas bahawa ia pasti meninggalkan jejak di tengah-tengah di lookers. Manuver menguasai orang-Nya lukisan membangkitkan perasaan tidak dapat ditandingi keadaan manusia. Permukaan hadapan bangunan tebal impasto lukisan sering kelihatan seperti prisma yang angka boleh dibezakan. Khanna relocates pemerhatian ke atas kanvas dengan semula jadi dan penuh semangat bahawa ia meningkatkan perkara. Kerja-kerja yang lebih awal adalah replika babak yang telah dicetak diri mereka pada fikirannya semasa partition. Khanna tinggal dan bekerja di New Delhi.

Amrita Sher-Gil lukisan, artis Amrita Sher Gil - Artist Brilliant Amrita adalah salah satu pelukis terkenal India. Dia adalah anak perempuan bangsawan Sikh dan seorang ulama Sanskrit, Umrao Singh Sher-Gil Majithia dan seorang ibu Hungari; Marie Antoinette Gottesmann yang penyanyi. Dia belayar dengan ibunya ke Perancis dan belajar seni di Paris. Dia hanya enam belas tahun bahawa masa. Dia belajar seni di Chaumiere Grande dan kemudian di Ecole des Beaux-Arts. Pada akhir 1934, Sher-Gil kembali ke India. Pada 22 tahun umur, beliau sememangnya seorang pelukis yang cekap, terlatih dengan beberapa kemahiran yang paling perlu yang membuat untuk artis hebat. Dia mempunyai rasa ingin tahu yang tak terpadamkan, kerja keras berterusan dan berfikiran tunggal mengenai kerjayanya dalam seni. Sejak dia belajar seni dari Paris, kerja-kerja awal beliau dalam paparan pengaruh yang menonjol gaya lukisan barat 1930. Pada tahun 1934, Sher-Gil kembali ke India dan memulakan rediscovery tradisi India dan seni budaya yang dia berterusan sehingga kematiannya. Dia amat kagum dan terinspirasi oleh kerja-kerja Mughal miniatur dan lukisan Ajanta. Amrita mengembara ke India Selatan dan dicat yang terkenal trilogies Selatan India yang menunjukkan rasa bersemangat warna dan simpati terhadap mata pelajaran India yang paling sering digambarkan dalam kemiskinan dan berputus asa mereka. Pada tahun 1938, Sher-Gil berkahwin dengan sepupu Hungary Dr. Victor Egan. Beliau kemudian tinggal di rumah keluarga bapa di Saraya, Uttar Pradesh. Kerja Amrita di sekolah-sekolah seni di Eropah adalah sebahagian besarnya akademik Walau bagaimanapun dia mula eksperimen hanya selepas pulang ke India. Dia tidak pernah menganggap dirinya sebagai seorang yang asing tertarik India yang kaya dan pelbagai, dia selalu menganggap dirinya sebagai India yang sebenar di tengah-tengah. Dia telah berkenaan yang mendalam untuk artis kontemporari India. Setelah datang ke India, beliau memutuskan untuk menggambarkan kehidupan miskin India bergambar. Beliau memutuskan bahawa kerja-kerja ini akan menjadi asas India dalam mood yang betul. Semua lukisan itu menggambarkan nipis, suram kelaparan lelaki dan wanita. Di kediaman bukit musim panas di Simla, dia datang berhubung dengan penduduk kampung Pahari dan menggambarkan mereka dalam lukisan beliau. Beliau juga dicat vendor buah-buahan, bukit lelaki dan wanita, orang-orang kudus dan sebagainya. Semua angka yang Shergil menarik, terutama wanita, mempunyai mata letih dengan pression bekas penerimaan dan kesuraman di wajah mereka. Dia lebih berminat dalam lukisan wanita dan aktiviti-aktiviti mereka. Sejak dia sedar tentang persekitaran sosial dan keluarga wanita, dia adalah lebih daripada tertarik untuk mengetahui tentang mereka dan menggambarkan mereka dalam lukisan beliau. Kehidupan yang terbatas wanita India dan kesedihan mereka dilihat dalam lukisan Amrita. Dongengan Amrita Sher-Gil telah hidup selama tiga dekad dan seni itu yang disimpan beliau terjaga dalam minda pencinta seni. Lukisan dia membawa yang aureole yang lookers di kagumi. Artis kontemporari telah menolak kerja Shergil sebagai schmaltzy atau tidak masuk akal. SherGil meninggal dunia pada tahun 1941 tetapi sebab sebenar kematian masih tidak menentu.

Brota Rameshwar s lukisan, artis india terkenal Brota Rameshwar R Broota adalah salah satu daripada pelukis berbakat India moden. Beliau dilahirkan pada tahun 1941 di New Delhi. Beliau lulus dari kolej seni pada tahun 1964. Broota telah mengajar dan memberi inspirasi ramai pelajar dan juga pencinta seni sebagai ketua jabatan seni, Triveni Kala Sangam, New Delhi. Dari awal kerjaya Broota, beliau telah bersemangat terlibat dalam situasi manusia yang mempersendakan individu. Sebagai kemarahan di penderitaan golongan miskin pelukis Broota muda dan kesedihan pada kerakusan dan rasuah yang dia melihat dalam masyarakat adalah nyata dinyatakan dalam kerja-kerja awal yang komen yang tajam dan pahit pada masyarakat sosial. Perlahan-lahan kreativiti Broota memberi arahan baru kepada estetika dalam Art India kontemporari. Canvasses-Nya biasanya besar tetapi pemerhatian dekat, mereka mendadak kabur lukisan monumen. Kerja-kerja sekarang Broota mempunyai bengkok abstrak dengan simbol-simbol yang menyampaikan irama masa, manusia, dan kewujudan. Pameran solo Broota telah diadakan pada tahun 1984 dan 1990 di Calcutta dan juga di Mumbai pada tahun 1997. Secara pilihan, Broota tidak pernah menunjukkan solo lukisan di Delhi walaupun. Pada tahun 1980, 1981 dan 1984, pelukis telah memenangi tiga Anugerah Kebangsaan Lalit Kala Akademi. Beliau juga telah memenangi Anugerah AIFACS pada tahun 1973 dan 1975 dan Anugerah Persatuan Seni Hyderabad Graphics pada tahun 1976. Beliau menerima Fellowship Kanan Kerajaan India untuk tahun-tahun 1987 dan 1988. Pada tahun 1988, beliau telah dikurniakan Anugerah LN Gupta Memorial dan 'Vibhushan Kala' Title Anugerah oleh AIFACS pada tahun 1997. Broota juga telah membuat beberapa filem video eksperimen yang sangat terkemuka. Broota kebanyakannya cat dalam teknik monokrom. Permukaan kanvas biasanya berwarna hitam matte. Dia bekerja dengan bilah yang tajam dan nipis supaya membawa cahaya dan bentuk. Ini mendedahkan permukaan putih di bawah memberikan kesan yang indah dan mewujudkan dimensi ruang dalam lukisan yang sangat halus mempunyai kualiti cetak grafik. Lukisan beliau telah ditunjukkan di solo banyak dan menunjukkan kumpulan yang berprestij. Sesetengah daripada mereka termasuk 'Space bergambar' yang telah diadakan di New Delhi 'pada tahun 1977. Beliau mendapat pengiktirafan di seluruh dunia dengan pameran di Muzium Modem Art, Oxford pada tahun 1982 dengan tema India: Mitos dan Realiti. Selain itu, karyanya juga dipamerkan di Hirsch tanduk Museum di Washington DC pada tahun 1982 u7nder 'Lukisan Modern India' tajuk. Lain-lain pameran yang terkenal karyanya termasuk 'Biennales' di Tokyo dan Dhaka, 'Seni untuk Man', Saddam Centre for International Art, Baghdad pada tahun 1986 dan Pesta Seni Antarabangsa pada tahun 1976. Broota pada dasarnya tinggal dan bekerja di New Delhi. Broota bukan sahaja seorang pelukis yang baik tetapi seorang guru yang hebat juga. Broota telah memberi bimbingan dan inspirasi artis banyak generasi muda.

Lukisan minyak wujud sejak abad ke-13. Hari ini, sederhana ini menjadi begitu popular bahawa seseorang pelajar mesti belajar dan menghargai teknik ini indah seni. Cat minyak tidak kering dengan mudah sebagai cat air dengan bantuan penyejatan. Mereka kering dengan bantuan proses yang dikenali sebagai reaksi oksidatif. Gabungan warna dan kilauan semulajadi bahawa lukisan minyak memberikan membuat ini sederhana cara yang indah untuk menyatakan diri anda!

Lukisan minyak adalah satu lagi perjalanan yang menarik dalam medium seni visual. Cat minyak berasaskan minyak dan biasanya disediakan oleh pencampuran pigmen berwarna ke dalam minyak biji rami, minyak biji poppy atau minyak walnut. Cat minyak kekuningan dan mengambil masa untuk kering. Untuk melukis dengan cat minyak memang kesenangan dan kegembiraan terutama bagi orang-orang yang adalah amatur. Kesan bahawa lukisan minyak memberikan anda adalah sesuatu yang memujuk lari semua pencinta seni! Untuk melakukan minyak lukisan berikut adalah alat-alat yang diperlukan:

Bergantung kepada subjek anda menarik anda boleh membeli beberapa tiub yang berbeza warna cat minyak yang anda ingin. Biasanya tiub ini adalah terdapat dalam ml 20 ml, 30 dan 60 tiub ml. 50 botol ml minyak Biji Rami, minyak biji poppy atau minyak walnut adalah juga diperlukan. Walau bagaimanapun, minyak yang paling biasa digunakan adalah minyak biji rami. Ml 250 atau 500. botol turpentin yang digunakan untuk dicampurkan bersama-sama dengan cat nipis. Berus cat pelbagai nombor (yang termasuk berus tebal dan nipis). A palet dan pemegang gayung, papan kanvas dan bahan-bahan lain akan termasuk pensil, pemadam, kain kapas, pemegang berus, kotak dan kertas surih.

Terdapat tiada kategori yang ditetapkan dan jenis lukisan minyak tetapi ia dikatakan bahawa lukisan minyak yang digunakan untuk menggambarkan pemandangan yang sangat menarik. Anda boleh meneroka media sama seperti yang anda suka. Anda juga boleh melukis lukisan yang mistik dan khayalan dengan medium ini. Sama ada untuk menggunakan lukisan berasaskan minyak nipis atau lukisan minyak padat akan bergantung kepada gambar yang anda cat dan gaya cat yang anda gunakan.

Cat minyak kering dengan perlahan-lahan. Oleh itu sekali lukisan anda dilakukan, pastikan anda menyimpan di tempat yang selamat di mana mereka boleh disimpan untuk mengeringkan. Juga, jika anda mahu untuk membersihkan lapisan cat minyak anda, anda boleh menggunakan alkohol. Ini akan membersihkan lapisan cat kerana alkohol adalah pelarut yang berkuasa!

Fungsi catan

Pembangunan seni, kaedah visual dan cara bersuara, lama dahulu menarik diri di luar pemahaman tugas asas lukisan - "pengeluaran semula realiti". Tugas lukisan melibatkan bukan sahaja sebuah organisasi ruang pada satah, yang dipandu dan terhad oleh penciptaan semula persekitaran tiga dimensi, lebih-lebih lagi, kaedah-kaedah tertentu telah lama dianggap sebagai "kebuntuan" di dalam pembangunan seni ( dalam konteks memahami dan memikirkan semula kecukupan persepsi). Pesawat itu, seperti warna, mempunyai integriti yang bebas dan nilai, bersama-sama mereka mendikte syarat-syarat mereka dalam sintesis bentuk dan kapal terbang itu sendiri - dan bersamasama dengan ruang masa tiga dimensi. Artis yang tidak lagi boleh berpuas hati dengan satu set teknik ilusi ("ilusi"), dia mengikut keperluan pemahaman baru kecantikan, setelah meninggalkan kaedah usang bersuara dan kesan ke atas penonton, mencari bentuk baru, dialektik kembali yang terbaik yang ditolak, dan dengan itu datang kepada pemahaman dan pelaksanaan nilai-nilai yang baru. Mengenai anggapan yang salah pengecualian ketat lukisan dari seni plastik, walaupun teori Seni "ortodoks" juga telah lama membuat penilaian semula. Seni plastik dibahagikan, seterusnya, menjadi halus dan tidak deskriptif. Seni halus termasuk lukisan, arca, seni grafik, seni monumental. Jenis kedua termasuk seni bina, seni hiasan dan reka bentuk perindustrian. Sempadan antara seni halus dan tidak deskriptif tidak mutlak. Seperti lain-lain bentuk seni, lukisan boleh melaksanakan kognitif, estetika, agama, ideologi, ciri sosio-pendidikan atau dokumentari. Walau bagaimanapun, nilai asas dan utama yang ekspresif dan bermaklumat lukisan adalah warna, yang dengan sendirinya adalah seorang pembawa idea (termasuk kesan faktor-faktor kesan psikologi dan persepsi). Walau bagaimanapun, berkembang bersama-sama dengan manusia dan dunia, lukisan memperoleh tafsiran yang baru dan pemahaman yang baru tugas. Oleh itu, pada mulanya mempunyai tanda-tanda jelas ciri-ciri plastik yang bebas (tiada seorang pun kebetulan parameter utama yang memisahkan teknik lukisan dari graphic strok, yang menyediakan pelbagai kemungkinan plastik - pasti bentuk yang paling banyak - lukisan minyak, tetapi sudah tentu banyak spesies baru dan teknik, membayangkan sintesis bentuk). Pembentangan cara dan tugastugas lukisan, serta segala cara dan cara-cara bersuara, kajian seni dan persekitaran kreatif mengalami pengaruh proses kognitif umum yang terang-terangan, tetapi secara semula jadi mereka telah mempengaruhi, setelah menyentuh banyak aspek falsafah dan aktiviti manusia. Pemikiran semula fungsi lukisan melalui penafian kelayakan, melalui kesedaran bahawa "ini adalah satu proses yang mendalam yang tidak rasional" - pada pendapat ini telah dikongsi bersama artis-artis dan ahli falsafah yang banyak. Kefahaman yang baru seni dan tugas-tugas

yang telah disediakan oleh pembangunan mereka: ia adalah mustahil untuk memuatkan fana penuh dengan kehidupan, teknikal dan teknologi, dan akhirnya - perubahan sosial dan moral di sofa Procrustean dogma ideologi dan akademik dan klise, imam penebat seni dari perkembangan kehidupan, yang mengurangkan fungsi "baik difahami dan jangka terkenal" itu sendiri ini proses kreatif dalam. Seperti lukisan abstrak? Mencari tempat untuk bercakap tentang seni? Anda adalah dialu-alukan untuk pergi ke laman ini lukisan abstrak - di sini anda boleh memerhati, memberi komen, dan membeli lukisan seni abstrak yang banyak secara langsung dari artis-artis pada harga yang mampu dimiliki oleh kebanyakan orang.

Teknik Lukisan Minyak adalah sangat mudah. Lukisan minyak terus-terang, jauh lebih mudah daripada etching ataupun lukisan cat air. Jika anda dapat melihat sesuatu, anda boleh cat dalam minyak. Untuk membuat sesuatu yang tidak dapat dilupakan, Walau bagaimanapun, anda perlu: 1. Merumuskan apa yang anda harap dapat dicapai, dan merangka laluan yang boleh digunakan untuk matlamat itu. 2. Penyelidikan pasaran jika anda ingin menjual kerja. 3. Pendekatan proses lukisan dalam langkah-langkah yang logik, yang biasanya melibatkan: a. lukisan untuk menyiasat kemungkinan kerencaman. b. disekat-lakaran arang / pensil / minyak untuk menguruskan nilai yg mempergunakan gaya suara. c. lakaran minyak untuk bereksperimen dengan pelbagai skim warna harmoni dan. d. menyediakan kanvas dan cat untuk tugas-tugas yang dijangkakan. e. memohon cat kanvas, sama ada dengan keputusan b dan c dalam lukisan langsung, atau dengan mengatasi mereka dalam fasa yang berbeza. f. varnishing, merangka dan menggantung kerja. Ya, ia tidak membantu untuk mengetahui apa yang anda. Tetapi walaupun objektif lukisan, dan malah cara untuk pergi tentang mereka, semua boleh dinyatakan dalam halaman beberapa: 1. Memperolehi mata yang diperlukan dan kemahiran manual memerlukan bertahun-tahun, dan 2. Menghasilkan sesuatu yang penting memerlukan hadiah individu, kualiti peribadi yang kukuh dan permohonan tetap selama-lamanya. Apa sahaja yang anda cuba, anda akan sampai ke sana lebih cepat jika anda menghargai dimensi yang lebih besar teknik lukisan minyak, dan terus mengkaji kerja-kerja pengamal lain, kedua-dua lama dan tuan kontemporari.