ROCOCO

The Triumph of Venus The pleasures of the ball The Banquet of Cleopatra
(François Boucher) (Jean-Antoine Watteau) (Giovanni Battista Tiepolo)

Aliran ini berpusat di Perancis pada awal abad ke-18 sebagai lanjutan gaya
Baroque .Muncul sebagai reaksi terhadap kehebatan Barok raja istana Raja
Louis XIV di Istana Versailles, gerakan Rococo atau gaya lukisan Perancis selalu
dikaitkan dengan Madame Pompadour, perempuan simpanan Raja Louis XV
yang baru, dan rumah orang-orang bangsawan Perancis. Ini adalah gaya seni
hiasan yang aneh dan rumit, yang namanya berasal dari kata Perancis 'rocaille'
yang bermaksud, karya batu setelah bentuk kerang laut. Karya seni catan ini
dihasilkan untuk golongan diraja, bangsawan dan kelas pertengahan. Pada
masa ini,karya seni catan easel kecil menjadi popular berbanding karya awam
yang berukuran besar.
Di dunia Rococo, semua bentuk seni, termasuk lukisan seni rupa, seni bina,
patung, reka bentuk dalaman, perabot, kain, porselin dan "objets d'art" lain
disertakan dalam keindahan cantik.
Seni Rococo dicontohkan dalam karya pelukis terkenal seperti Jean-Antoine
Watteau (1684-1721) terutama pesta pacaran luar 'fete galante'; Jean-Honore
Fragonard (1732-1806) dengan gambar cinta dan hasutannya; Francois
Boucher (1703-70) dengan lukisan mewahnya yang memikat diri; Venetian
Giambattista Tiepolo (1696-1770) yang terkenal dengan lukisan dinding
Wurzburg Residence (1750-3); dan patung Claude Michel Clodion (1738-1814),
pengukir Arc de Triomphe di Paris, yang terkenal dengan patung terakota dari
nimfa dan satyr. Di Britain, lukisan Rococo mencapai puncaknya dalam potret
wanita Thomas Gainsborough (1727-88). Rococo akhirnya digantikan oleh seni
Neoklasik, yang merupakan gaya visual khas Napoleon di Perancis dan revolusi
Amerika.
Kebanyakan hasil karya seni catan aliran ini menggunakan warna-warna
lembut dan garisan halus serta melengkung. Unsur-unsur seni digunakan
secara bertindih-tindih dan penekanan kepada penggunaan cahaya serta
warna berbanding bentuk. Pelukis banyak menggunakan media cat minyak
atas kanvas. Seni catan yang dihasilkan pada dinding pula sering menggunakan
Teknik ‘secco su fresco’.
Teknik secco su fresc ,iaitu campuran mineral/telur/kuning telur yang
dimasukkan ke dalam pigmen plaster. Ia bertujuan untuk menguatkan pigmen
plaster yang masih basah. Plaster yang masih basah serta disapu ke atas
permukaan dinding atau permukaan kanvas yang bersesuaian serta
diwarnakan untuk dijadikan catan atau sebahagian daripada permukaan
dinding.
Tema yang kerap digunakan dalam karya aliran ini ialah alam semula
jadi,mitologi, percintaan,figura,sejarah dan keagamaan. Penekanan pelukis
lebih kepada imaginasi,misalnya pemandangan desa yang ideal atau suasana
dalam bangunan.

ASAL ISTILAH ROCOCO

Kata rococo pertama kali digunakan sebagai variasi humor dari kata rocaille.
Rocaille pada awalnya merupakan kaedah hiasan, menggunakan kerikil, kerang
laut dan semen, yang sering digunakan untuk menghias gua dan air pancut
sejak zaman Renaissance.Pada akhir abad ke-17 dan awal abad ke-18 rocaille
menjadi istilah untuk sejenis motif hiasan atau hiasan yang muncul pada gaya
Louis XIV akhir, dalam bentuk kerang yang saling berkait dengan daun
acanthus. Pada tahun 1736 pereka dan perhiasan Jean Mondon menerbitkan
kartel Premier Livre de forme rocquaille et cartel, koleksi reka bentuk untuk
hiasan perabot dan hiasan dalaman. Ini adalah penampilan pertama dalam
cetakan istilah "rocaille" untuk menentukan gaya. Motif kerang yang diukir
atau dibentuk digabungkan dengan daun kelapa sawit atau tanaman
merambat untuk menghiasi pintu, perabot, panel dinding dan elemen seni bina
lain.
Istilah rococo pertama kali digunakan dalam bentuk cetak pada tahun 1825
untuk menggambarkan hiasan yang "tidak gaya dan kuno." Itu digunakan pada
tahun 1828 untuk hiasan "yang tergolong dalam gaya abad ke-18, penuh
dengan hiasan berpusing." Pada tahun 1829 penulis Stendhal menggambarkan
rococo sebagai "gaya rocaille abad ke-18."
Pada abad ke-19, istilah ini digunakan untuk menggambarkan seni bina atau
muzik yang terlalu hiasan. Sejak pertengahan abad ke-19, istilah ini telah
diterima oleh sejarawan seni. Walaupun masih ada beberapa perdebatan
mengenai kepentingan sejarah gaya itu, Rococo sekarang sering dianggap
sebagai periode yang berbeza dalam pengembangan seni Eropah.

CIRI-CIRI
Rococo menampilkan hiasan yang riang, dengan lekuk-lekuk, undulasi dan
elemen yang melekat pada alam. Bahagian luar bangunan Rococo selalunya
sederhana, sementara bahagian dalamannya dikuasai sepenuhnya oleh
hiasannya. Gaya ini sangat teater, dirancang untuk menarik perhatian dan
kagum pada pandangan pertama. Pelan lantai gereja sering kali rumit, yang
menampilkan oval yang saling berkaitan; Di istana, tangga besar menjadi pusat,
dan menawarkan sudut pandang hiasan yang berbeza. Hiasan utama Rococo
adalah: kerang asimetris, acanthus dan daun lain, burung, karangan bunga,
buah-buahan, alat muzik, unsur malaikat dan Timur Jauh (pagoda, naga,
monyet, bunga pelik dan orang-orang China).
Gaya yang sering disatukan adalah lukisan, stuko yang dibentuk, dan ukiran
kayu, dan lukisan quadratura, atau langit-langit ilusi, yang dirancang untuk
memberi kesan bahawa mereka yang memasuki ruangan itu memandang ke
langit, di mana kerub dan tokoh lain memandang mereka . Bahan yang
digunakan termasuk stuko, baik dicat atau dibiarkan putih; kombinasi dari kayu
yang berbeza warna (biasanya oak, beech atau walnut); kayu lakuer dalam
gaya Jepun, hiasan dari gangsa berlapis emas, dan bahagian atas komod atau
meja marmar.Tujuannya adalah untuk mewujudkan kesan kejutan, kagum dan
kagum pada pandangan pertama.

PERBEZAAN ANTARA BAROQUE DAN ROCOCO

Berikut adalah ciri-ciri yang dimiliki oleh Rococo, dan Baroque tidak:
 Pengabaian sebahagian dari simetri, semuanya terdiri daripada garis dan
lekukan yang anggun, serupa dengan Art Nouveau
  Kuantiti lengkung asimetris dan voltan berbentuk C yang banyak
 Penggunaan bunga yang sangat luas dalam hiasan, contohnya perayaan
yang diperbuat daripada bunga
 Motif Cina (chinoiserie) dan Jepun (Japonism)
 Warna pastel hangat (putih keputihan, berwarna krim, kelabu mutiara,
warna biru terang)

Jean-Honoré Fragonard

Nama : Jean-Honoré Nicolas Fragonard

Lahir : 5 April 1732 Grasse, Perancis
Meninggal : 2 Ogos 1806 (berumur 74 tahun) Paris, Perancis
Anak kepada François Fragonard, seorang tukang sarung tangan, dan Françoise
Petit. Fragonard diucapkan kepada notaris Paris ketika keadaan ayahnya
menjadi tegang karena spekulasi yang tidak berjaya, tetapi menunjukkan bakat
dan kecenderungan seni dan pada usia lapan belas tahun dibawa ke François
Boucher. Boucher menyedari anugerah pemuda itu, tetapi, tidak ingin
membazirkan dengan bakat yang tidak berpengalaman, menghantarnya ke
atelier Chardin. Fragonard belajar selama 6 bulan di bawah pencahayaan yang
hebat, kemudian kembali dengan lebih lengkap kepada Boucher, yang gaya dia
segera memperoleh sepenuhnya sehingga gurunya mempercayai Fragnorad
untuk melaksanakan replika lukisannya.
Walaupun belum menjadi pelajar Akademi, Fragonard memperoleh Prix de
Rome pada tahun 1752 dengan lukisan Jeroboam Sacrificing to the Golden
Calf, tetapi sebelum melanjutkan perjalanan ke Roma dia terus belajar selama
tiga tahun di bawah Charles-André van Loo.
 SENI CATAN

The Swing (L'Escarpolette), juga dikenali sebagai The Happy Accidents of the
Swing (Les Hasards heureux de l'escarpolette, tajuk asalnya), adalah lukisan
minyak abad ke-18 oleh Jean-Honoré Fragonard di Wallace Koleksi di London.
Ia dianggap sebagai salah satu karya agung era Rococo, dan merupakan karya
Fragonard yang paling terkenal.
Dalam sejarah melukis, Jean-Honoré Fragonard's The Swing (1767) tidak ada
tandingannya dengan kerahsiaan dan percintaannya yang luar biasa. Di tengah-
tengah lukisannya, seorang wanita muda yang mengenakan gaun balet,
berwarna merah jambu mengambang di ruang terbuka yang terang,
bergoyang-goyang di atas tanah di atas ayunan berlengan merah. Dia
melemparkan kasutnya yang bertumit anak kucing ke arah arca cupid nakal
sementara dia menatap lelaki itu yang tersebar di semak-semak di bawahnya.
Paramournya memakai sut pewter-hued, memanjangkan topi tricorne hitam
ke dalam sikat, dan melihat skirt wanita itu dengan apa yang hanya boleh
digambarkan sebagai senyuman paling konyol dan paling disukai. Dalam
bayang-bayang di belakangnya, seorang lelaki yang lebih tua - mungkin
suaminya yang cengkerik - menarik kendali ayunan.
Baron Louis-Guillaume Baillet de Saint-Julien menugaskan The Swing dari
Fragonard dengan niat baik. Saint-Julien menginginkan gambar perempuan
simpanannya yang juga memaparkan dia melihat ke atas rok wanita itu. Pada
mulanya, Baron cuba mengupah pelukis sejarah Gabriel François Doyen untuk
membuat karya tersebut. Memandangkan sifat tugas yang mengerikan, Doyen
menolak. Fragonard tidak mempunyai keraguan seperti itu - dan kerjayanya
mendapat manfaat daripadanya. Bagaimanapun, penghematan hampir tidak
dapat digunakan di seluruh Marie Antoinette di Perancis. Dengan kejayaan The
Swing, Fragonard dapat berjaya beralih dari pelukis sejarah yang kecewa
dengan birokrasi kerajaan kepada seniman kelas atas yang disukai —
anggotanya, yang nampaknya lebih bersedia dan mampu membayar tepat
pada waktunya.
Cendekiawan Clive Hart dan Kay Stevensoncall The Swing adalah "gambaran
penyamaran hubungan seksual terbalik." Secara lebih biasa, mereka melihat
lukisan itu sebagai implikasi tipikal dari perbuatan seks yang menempatkan
wanita di atas. Hart dan Stevenson berpendapat bahawa perempuan simpanan
itu berpartisipasi secara aktif dalam - bahkan memulakannya - permainan genit
yang dia dan kekasihnya mainkan: Ketika dia berayun-ayun, dia secara pasif
menatap pemujaan sambil memanjangkan lengan panjang, phallic.
Dalam karangannya "Playful Constructions and Fragonard's Swinging Scenes"
(2000), sejarawan seni Jennifer Milam menulis tentang konotasi berbobot dari
swinging itu sendiri. Dia menyatakan bahawa berayun adalah aktiviti riadah
bagi kelas bangsawan yang melonggarkan para pesertanya. "Dengan
kegembiraan bermain vertigo, mengayunkan keadaan gangguan seksual yang
dibenarkan di mana kedudukan yang tidak dihalang menunjukkan tubuh dan
penonton melirik pandangan yang biasanya disembunyikan dari penglihatan,"
katanya. Ketika peserta terbang di udara, hiasan sosial khas berhenti untuk
bermain dan kelihatan erotik.
Patung cupid adalah simbol erotik yang kuat. Fragonard memodelkan jika dari
patung L'Amour Menaçant ("Menacing Love") pada tahun 1757 yang dibuat
oleh Etienne-Maurice Falconet untuk Madame de Pompadour, perempuan
simpanan King Louis XV dan pelindung seni yang kuat. Memohon karya ini,
Fragonard menyarankan cinta haram di peringkat masyarakat Perancis yang
paling elit.
Dalam tradisi sejarah-seni yang lebih besar, The Swing mengetengahkan genre
lukisan boudoir - kanvas yang menampilkan seorang wanita di bilik
peribadinya, disiapkan atau dibeli sebagai penghubung romantis. Sebaliknya,
aktiviti The Swing berlaku di luar. Keputusan untuk menempatkan ménage-à-
trois di kebun yang ditumbuhi kedua-duanya menunjukkan penekanan era
Romantik yang akan datang pada alam semula jadi dan membolehkan tokoh
wanita pusat mengambil peranan yang lebih aktif di tempat kejadian. Di
Perancis abad ke-18, taman-taman menjadi tempat romantis pelarian borjuasi;
wanita berpakaian bergaya di sini kelihatan seperti bunga yang mekar penuh.
Pengaturan semula jadi juga menyumbang kepada rasa penceritaan romantis
yang tertanam dalam karya agung Fragonard. The Swing, Hart dan Stevenson
menulis, "adalah diskursif hampir dengan kesalahan, mendorong ceramah
salun cerdik, rapuh, berkabut."

SENI ARCA

The "Veiled Dame (Puritas) Cupid Prometheus

Antonio Corradini Edmé Bouchardon Nicolas-Sébastien Adam

Arca Rococo adalah teater, berwarna-warni dan dinamik, memberikan rasa

pergerakan ke pelbagai arah. Sering dijumpai di pedalaman gereja, biasanya
berintegrasi dengan lukisan dan seni bina. Arca keagamaan mengikuti gaya
Baroque Itali, seperti di altarpiece teater Karlskirche di Vienna.
Arca Rococo awal atau Rocaille di patung Perancis lebih ringan dan
menawarkan lebih banyak pergerakan daripada gaya klasik Louis XIV. Ini
didorong khususnya oleh Madame de Pompadour, perempuan simpanan Louis
XV, yang menugaskan banyak karya untuk chateaux dan kebunnya. Pengukir
Edmé Bouchardon mewakili Cupid yang terlibat dalam ukiran anak panahnya
dari kelab Hercules. Tokoh Rococo juga memenuhi air pancut di Versailles,
seperti Fountain of Neptune oleh Lambert-Sigisbert Adam dan Nicolas-
Sebastien Adam (1740). Berdasarkan kejayaan mereka di Versailles, mereka
diundang ke Prusia oleh Frederick the Great untuk membuat patung air
mancur untuk Istana Sanssouci, Prussia (1740-an).
Étienne-Maurice Falconet (1716–1791) adalah seorang pengukir Perancis yang
terkemuka dalam tempoh tersebut. Falconet paling terkenal dengan patung
Peter the Great dengan menunggang kuda di St Petersburg, tetapi dia juga
membuat satu siri karya kecil untuk pengumpul kaya, yang dapat diterbitkan
semula dalam siri terra-cotta atau dilemparkan dalam gangsa. Pemahat
Perancis, Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot,
Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam dan Jean-Baptiste Pigalle semuanya
menghasilkan arca secara bersiri untuk pengumpul.

SENI PORSELAIN

The Music Lesson High altar of the Mezzetin by Kaendler

Chelsea porcelain Karlskirche In Vienna

Bentuk patung berskala kecil baru muncul, sosok porselin, atau sekelompok
kecil tokoh, yang pada awalnya menggantikan patung gula di atas meja ruang
makan yang besar, tetapi tidak lama kemudian popular untuk meletakkan
mantel dan perabot. Bilangan kilang Eropah bertambah dengan stabil
sepanjang abad ini, dan ada yang membuat porselin yang mampu dimiliki oleh
kelas menengah yang berkembang. Jumlah hiasan warna-warni yang
digunakan pada mereka juga meningkat. Mereka biasanya dimodelkan oleh
seniman yang telah berlatih dalam patung. Mata pelajaran umum termasuk
tokoh dari komedi dell'arte, penjual jalanan kota, pencinta dan tokoh dalam
pakaian bergaya, dan sepasang burung.

Fashion
Fesyen Rococo didasarkan pada kemewahan, keanggunan, kehalusan dan
hiasan. Fesyen wanita abad ketujuh belas dibandingkan dengan fesyen abad
kelapan belas, yang hiasan dan canggih, gaya Rococo yang sebenarnya.Fesyen
ini tersebar di luar istana kerajaan ke salon dan kafe dari borjuasi yang
meningkat. Gaya hiasan dan reka bentuk yang riang, suka bermain, elegan
yang sekarang kita kenal sebagai 'Rococo' kemudian dikenal sebagai le style
rocaille, le style moderne, le gout.
Gaya yang muncul pada awal abad kelapan belas adalah jubah volante, gaun
yang mengalir, yang menjadi popular menjelang akhir pemerintahan Raja Louis
XIV. Gaun ini mempunyai ciri-ciri korset dengan lipatan besar mengalir ke
belakang ke tanah di atas rok bulat. Palet warnanya kaya, kain gelap disertai
dengan ciri reka bentuk yang berat dan rumit. Selepas kematian Louis XIV, gaya
pakaian mula berubah. Fesyen berubah menjadi gaya yang lebih ringan dan
lebih sembrono, beralih dari zaman barok ke gaya Rococo yang terkenal.
Periode kemudian terkenal dengan warna pastel mereka, rok yang lebih
menarik, dan banyak hiasan, ruffles, busur, dan renda sebagai hiasan. Tidak
lama setelah gaun khas wanita Rococo diperkenalkan, jubah à la Française,
gaun dengan korset ketat yang mempunyai garis leher potongan yang rendah,
biasanya dengan pita besar membungkuk di bahagian tengah tengah, pelapis
lebar, dan dipangkas dengan mewah sejumlah besar renda, pita, dan bunga.
IMPRESIONISME
 Luncheon of the Boating Party The Boulevard Montmartre La Grenouillère

(Pierre-Auguste Renoir) At Night (Camille Pissarro) (Pierre-Auguste Renoir)

IMPRESIONISME
 Satu aliran seni terpenting menjelang abad ke-19. Aliran ini disifatkan
sebagai satu revolusi dalam seni kerana kaedah mereka berkarya
berbeza dengan pendekatan konvensional seni lukis pada zaman itu.
Karya-karya impresionis kebanyakannya dihasilkan di luar bangunan (en
plein air) kerana mereka melukis berdasarkan visual yang dilihat pada
waktu itu. Contoh pelukis Alfred Sisley, Claude Monet , Pierre-Augustus
Renoir, Eugene Boudin, Camille Pissarro.
 Karya aliran ini merakamkan kesan perubahan cahaya terhadap objek
yang dilihat. Pelukis menggunakan palitan warna secara spontan pada
hal benda,figura dan landskap dalam penghasilan karya.Mereka
mementingkan keserasian warna,cahaya dan alam dengan meneliti sifat
pantulan cahaya untuk diterapkan ke dalam karyayang dihasilkan.
Mereka menggunakan warna penggenap untuk menghasilkan bayang.
Kebanyakan pelukis aliran ini mengkaji perubahan warna mengikut
suasana dan cahaya pada permukaan serta ruang.
 Impresionis menggunakan strok berus yang longgar dan warna yang
lebih cerah daripada artis sebelumnya. Mereka meninggalkan perspektif
tiga dimensi dan menolak kejelasan bentuk yang sebelumnya berfungsi
untuk membezakan elemen gambar yang lebih penting daripada yang
lain. Atas sebab ini, banyak pengkritik menyalahkan lukisan Impresionis
kerana penampilan mereka yang belum selesai dan kualiti amatur.

CLAUDE MONET
Dilahirkan pada tahun 1840,anak sulung di kedai kasut. Beliau menghadiri
Academie Suisse dan Studio Gleyre, tetapi guru sebenarnya ialah Boudin dan
Jongkin , di mana mereka menyemaikan rasa minat Claude Monet dalam seni
lukisan impresionis. Selepas perkhidmatan ketenteraan di Algeria, beliau
bekerja di Paris, memperoleh beberapa kejayaan di Salon. Semasa Peperangan
Franco-Prussian (1870-1871), beliau berhijrah ke London, di mana beliau
bertemu dengan Paul Durand-Ruel, seorang peniaga yang menolong Monet
dengan kerjayanya. Pada tahun 1890, Monet membeli rumah di Giverny, di
mana dia membina taman air dan telah menjadi subjek kegemaran padausia
tuanya. Beliau meninggal di situ pada 1926.

Impression, Sunrise 1874

(Impression, soleil levant)

 Impresionisme ,Sunrise Monet kadang-kadang disebut sebagai karya

yang melahirkan Gerakan Impresionis,walaupon pada saat ia dilukis,
Monet sebenarnya adalah salah satu seniman yang sudah melukis
dengan gaya baru. Walau bagaimanapun, pemgkritik Louis Leroy
memberi komen penghinaan mengenai karya dan tajuk dalam tinjauan
satira mengenai Pameran Impresionis pertama tahun 1874 yang
memunculkan istilah Impresionisme. Leroy menggunakan istilah itu
 sebagai penghinaan komik, tetapi sekolah pelukis baharu dengan cepat
menerapkannya dengan semangat bangga dan menentang.

 Apa yang menarik mengenai Sunrise adalah kesinambungan warna pale

tantara laut,darat dan langit. Semua digabungkan dengan warna biru
muda, oren dan hijau matahari terbit. Subjek lukisan itu bukanlah kata
yang digambarkan atau pengayuh perahu, tetapi kehangatan dan warna
cahaya matahari yang menyelimuti itu sendiri atau lebih teapat, “kesan”
yang dihasilkannya pada saat-saat tertentu. Lukisan cahaya dan kesan
cahaya waktu-khas adalah ciri khas gaya baru. Kesannya Sunrise adalah
salah satu daripada beberapa lakaran pemandangan yang dibuat oleh
Monet pada tahun 1872. Pendekatan bersiri ini mengenai perkara pokok
khas pelukis. Dalam kes lain, Monet akan membuat kitaran kerja yang
besar yang menggambarkan pemandangan yang sama pada waktu
berlainan, dengan menekankan cara peralihan cahaya dan atmosfera
dengan cara spesifik tertentu.

SENI CETAKAN

Ichikawa Danjūrō The Great Wave off Kanagawa Taking the Evening Cool by Ryōgoku
(Torii Kiyomasu) (Katsushika Hokusai) Bridge (Okumura Masanobu)

TEKNIK
Teknik mencetak teks dan gambar umumnya serupa. Perbezaan yang jelas
adalah kelantangan yang dihasilkan ketika bekerja dengan teks (banyak
halaman untuk satu karya), dan kerumitan pelbagai warna dalam beberapa
gambar. Gambar dalam buku hampir selalu berwarna monokrom (hanya ink
hitam), dan untuk sementara waktu cetakan seni juga monokrom atau hanya
dibuat dalam dua atau tiga warna.
Teks atau gambar pertama kali dilukis ke atas washi nipis (kertas Jepun),
kemudian terpaku menghadap ke bawah ke papan kayu berbutir, biasanya
sebatang ceri halus. Minyak dapat digunakan untuk membuat garis gambar
lebih terlihat. Sayatan dibuat di kedua-dua sisi setiap garis atau kawasan. Kayu
kemudian dipahat, berdasarkan garis besar gambar. Blok itu dicat
menggunakan berus atau berus. Alat genggam rata yang disebut baren
digunakan untuk menekan kertas pada blok kayu bertinta untuk menerapkan
dakwat ke kertas.
Tongkang tradisional dibuat dalam tiga bahagian, ia terdiri daripada inti
dalaman yang terbuat dari daun buluh yang dipintal menjadi tali dengan
ketebalan yang berbeza-beza, nodul yang dihasilkan adalah yang akhirnya
memberi tekanan pada cetakan. Gegelung ini terkandung dalam cakera yang
disebut "ategawa" yang terbuat dari lapisan kertas yang sangat tipis yang
dilekatkan bersama dan dibungkus dengan daun buluh yang dilembapkan,
ujungnya kemudian diikat untuk membuat pegangan. Pembuat cetak moden
telah menyesuaikan alat ini, dan hari ini barens diperbuat daripada aluminium
dengan galas bebola untuk menerapkan tekanan yang digunakan; serta versi
plastik yang lebih murah.
Walaupun cetakan pertama hanya satu warna, dengan warna tambahan
diterapkan dengan tangan, pengembangan dua tanda pendaftaran yang diukir
pada blok yang disebut "kento" ditambahkan. Lembaran washi yang akan
dicetak diletakkan di dalam kento, kemudian diturunkan ke balok kayu. Ini
sangat membantu dengan pengenalan pelbagai warna yang harus diterapkan
dengan tepat berbanding lapisan dakwat sebelumnya.
Walaubagaimanapun, teks selalunya monokrom, seperti gambar dalam buku,
pertumbuhan populariti ukiyo-e membawa permintaan untuk semakin banyak
warna dan kerumitan teknik. Tahap perkembangan ini mengikuti:

 Sumizuri-e ("gambar dicetak dakwat") - percetakan monokrom hanya

menggunakan dakwat hitam
 Benizuri-e ("gambar bercetak merah") - butiran dakwat merah atau
sorotan yang ditambahkan dengan tangan setelah proses pencetakan ；
hijau kadang-kadang digunakan juga
  Tan-e —sorotan oren menggunakan pigmen merah yang disebut tan
 Aizuri-e ("gambar bercetak indigo"), Murasaki-e ("gambar ungu"), dan
gaya lain di mana satu warna digunakan sebagai tambahan, atau bukan,
dakwat hitam
 Urushi-e - kaedah yang menebal dakwat dengan gam, memperindah
gambar. Pencetak sering menggunakan emas, mika, dan bahan lain
untuk meningkatkan imej lebih jauh. Urushi-e juga boleh merujuk pada
lukisan menggunakan lakuer dan bukan cat. Lacquer jarang, jika pernah,
digunakan pada cetakan.
 Nishiki-e ("gambar brokat") - kaedah menggunakan beberapa blok untuk
bahagian gambar yang berasingan, menggunakan sebilangan warna
untuk mencapai gambar yang kompleks dan terperinci. Blok terpisah
diukir untuk menerapkan hanya bahagian gambar yang ditentukan untuk
satu warna. Tanda pendaftaran yang disebut kentō digunakan untuk
memastikan kesesuaian antara penerapan setiap blok.

UTAGAWA HIROSHIGE

Hiroshige dilahirkan pada tahun 1797 di bahagian Yayosu Quay di daerah

Yaesu di Edo (Tokyo moden).Dia berasal dari latar belakang samurai, dan
merupakan cucu dari Tanaka Tokuemon, yang memegang posisi kekuasaan di
bawah klan Tsugaru di wilayah utara Mutsu. Datuk Hiroshige, Mitsuemon,
adalah seorang instruktur memanah yang bekerja dengan nama Sairyūken.
Ayah Hiroshige, Gen'emon, diadopsi dalam keluarga Andō Jūemon, yang dia
berjaya sebagai warden kebakaran untuk wilayah Yayosu Quay.
Hiroshige melalui beberapa perubahan nama ketika masih muda: Jūemon,
Tokubē, dan Tetsuzō. Dia mempunyai tiga kakak , salah satunya meninggal
ketika berusia tiga tahun. Ibunya meninggal pada awal tahun 1809, dan diikuti
ayahnya pada akhir tahun, tetapi tidak sebelum menyerahkan tugas warden
kebakarannya kepada anaknya yang berusia dua belas tahun. Dia didakwa
dengan pencegahan kebakaran di Edo Castle, tugas yang menyebabkan dia
mempunyai banyak masa lapang.
Tidak lama selepas kematian ibu bapanya, mungkin sekitar empat belas tahun,
Hiroshige - yang kemudian bernama Tokutarō - mula melukis.Dia meminta
bimbingan Toyokuni sekolah Utagawa, tetapi Toyokuni mempunyai terlalu
banyak murid untuk memberi ruang kepadanya. Seorang pustakawan
memperkenalkannya kepada Toyohiro dari sekolah yang sama. Menjelang
tahun 1812, Hiroshige diizinkan menandatangani karya-karyanya, yang
dilakukannya dengan nama seni Hiroshige. Dia juga mempelajari teknik sekolah
Kanō yang mapan, nanga yang tradisinya bermula dengan Sekolah Selatan
Cina, dan sekolah Shijō yang realistik, dan kemungkinan teknik perspektif linear
seni Barat dan uki-e.
Karya perantis Hiroshige termasuk ilustrasi buku dan cetakan ukiyo-e satu helai
kecantikan wanita dan pelakon kabuki dalam gaya Utagawa, kadang-kadang
menandakan mereka sebagai Ichiyūsai atau, dari tahun 1832, Ichiryūsai.Pada
tahun 1823, dia menyerahkan jawatannya sebagai warden kebakaran kepada
anaknya, walaupun dia masih bertindak sebagai pengganti. Dia menolak
tawaran untuk menggantikan Toyohiro setelah kematian tuannya pada tahun
1828.
 NEOKLASISISME

The Intervention of the Sabine Venus Induces Helen to Fall in Portrait of Madame
Women, Jacques-Louis David Love with Paris, Angelica Kauffman Récamier, Jacques-Louis
David

The Embarkation for Cythera ("L'embarquement pour Cythère")

Jean-Antoine Watteau

CIRI ASAS CATAN

• Mewujudkan Kembali kegemilangan seni klasik Yunani dan Rom
• Memperlihatkan ciri keseimbangan dan harmoni
• Komposisi ditekankan oleh garisan bersih,tajam dan tepat
• Figura digambarkan bentuk ideal dan raut wajah dengan emosi/tanpa
• Intipati utama , meningkatkan patriotism dalam diri dan negara
• Karya bersifat rasional,objektif dan disiplin

PERANAN ASAS SENI

 Komposisi:
Semua elemen The Embarkation for Cythera berada dalam perspektif
langsung. Watteau menggunakan teknik tertentu untuk memastikan
bahawa penonton melihat keseluruhan komposisinya. Perkembangan
para jemaah kembali ke kapal menarik perhatian kepada tiga pasangan
utama di pusat itu, yang dalam keadaan kekasih, kehilangan waktu.
Penonton kemudian melirik ke atas ketika ruang kanvas dipenuhi dengan
langit kabur yang hanya dapat dihasilkan oleh Watteau. Dari sana,
penonton terpikat dengan pemandangan yang indah ketika awan
membawa fokus ke bawah.

 Tona :
Tema karya ini menimbulkan perasaan gembira dan damai. Tiada tanda-
tanda penderitaan, patah hati atau kekacauan dalam apa jua keadaan
akan tetapi, kekasih berpusing-pusing dan cupid terbang ke atas.

Sudah jelas bahawa, Watteau melukis The Embarkation for Cythera

untuk memberikan pengertian tentang fantasi yang baik.

 Sapuan Berus :
Watteau terkenal dengan menggunakan sapuan berus yang ringan dan
lapang untuk mewujudkan atmosfera seperti mimpi . Hal ini jelas terlihat
pada awan dan daun.

 Warna Palet:
Warna palet landskap terang itu menyerupai lukisan Venesia abad ke-16.
Warna neutral palet pemandangan dilengkapi dengan baik oleh warna
pakain pastel kekasih.

 Cahaya:
Pencahayaan dalam lukisan serupa mimpi ini bermain dengan warna
lembut baju pemakai. Di bahagian tengah kanvas menerangi tiga
 pasangan utama dan bayang-bayang mereka berada di bawah pokok
supaya permerhati memberi perhatian kepada pasangan tersebut.

Yusof Ghani

Dilahirkan pada tahun 1950 di Johor, Malaysia adalah pelukis, pengukir,

penulis, profesor dan kurator rakyat Malaysia.Kerjayanya merangkumi lebih
dari tiga dekad yang menghasilkan pelbagai siri yang berkaitan dengan motif
Asia Tenggara dengan pendekatan Abstrak Ekspresionis. Karya-karyanya
menggabungkan lukisan dan melukis ke dalam entiti visual dengan permainan
unsur-unsur arca dan kolaj yang terkawal.
Sebagai anak muda di sebuah bandar kecil di Johor, dia gemar menonton filem
di pawagam kecil berhampiran rumahnya yang dikendalikan oleh ahli keluarga.
Menonton filem Barat seperti filem koboi mengembangkan minatnya untuk
melukis untuk menggambarkan pergerakan secara visual dan rasa masa dalam
gambarnya sejak awal. Asalnya seorang seniman grafik di Malaysia antara
tahun 1969 dan 1979, peralihan Yusof Ghani ke seni rupa bermula ketika dia
mendapat biasiswa dari kerajaan Malaysia untuk belajar seni grafik di George
Mason University, Virginia, pada tahun 1979. Di sana dia bertemu dengan
Walter Kravitz , seorang profesor seni lukis, yang memperkenalkannya kepada
seni rupa.
Dia segera tertarik dengan karya pelukis Abstrak Ekspresionis Amerika seperti
Jackson Pollock dan Willem de Kooning. Setelah mendapat Beasiswa Dr. Burt
Amanda untuk pelajar seni yang paling cemerlang, Yusof mengikuti kelas seni
rupa dan akhirnya lulus dengan ijazah sarjana muda. Dia kemudian terus
bekerja untuk ijazah sarjana di Universiti Katolik Amerika di Washington, D.C.,
dan bertemu dengan Profesor Tom Nakashima, yang mengajarnya mata yang
lebih baik dalam melukis. Semasa belajar di Universiti Katolik, dia berteman
dengan artis Malaysia Awang Damit yang gayanya dipengaruhi oleh Abstrak
Ekspresionisme.
Setelah menamatkan ijazah sarjana, dia mengadakan pameran solo pertama di
Galeri Anton yang berprestij di Washington, DC His Protest siri, yang
memprotes campur tangan AS di Nikaragua dan El Salvador pada masa itu,
diterima dengan baik dan bahkan mendapat ulasan hangat dari The Pengkritik
seni Washington Post - Jo Ann Lewis.

Siri Tari “Lambak I”, 1990 No. 5, 1948

Jackson Pollock

Warna terang warna gela