STUDIO ESTETIKA BENTUK

Tugas
Rococo, Renainsans, Baroque

Mahasiswa
Adinda Astuti Astaning Widhi
1404205056

Jurusan Teknik Arsitektur

Fakultas Teknik
Universitas Udayana
November 201
 ROCOCO
Rococo, kurang umum roccoco, atau "Barok", adalah sebuah gerakan seni abad ke-18
dan gaya, yang mempengaruhi banyak aspek seni termasuk lukisan, patung, arsitektur, desain
interior, dekorasi, sastra, musik, dan teater. Ini dikembangkan pada awal abad ke-18 di Paris,
Perancis sebagai reaksi terhadap keagungan, simetri, dan peraturan yang ketat dari Baroque,
terutama dari Istana Versailles. Seniman usang dan arsitek menggunakan pendekatan yang
lebih lucu, kemerahan, dan anggun dengan Baroque. Gaya mereka adalah hiasan dan
digunakan warna terang, desain asimetris, kurva, dan emas. Berbeda dengan Baroque politik,
Rococo memiliki tema lucu dan cerdas. Dekorasi interior Rococo kamar dirancang sebagai
sebuah karya seni dengan total elegan dan hiasan furniture, patung kecil, cermin hias, dan
arsitektur permadani Melengkapi, relief, dan lukisan dinding. Rococo juga penting dalam
teater. Buku The Rococo menyatakan bahwa tidak ada budaya lain "telah menghasilkan
dialog wittier, lebih elegan, dan menggoda penuh bahasa yang sulit dipahami dan
menyamarkan dan gerak tubuh, perasaan halus dan kritik halus" dari Rococo teater, terutama
Perancis.

Pada akhir abad ke-18, Rococo sebagian besar digantikan oleh gaya Neoklasik. Pada
tahun 1835 Kamus Akademi Perancis menyatakan bahwa kata Rococo "biasanya meliputi
jenis ornamen, gaya dan desain yang berhubungan dengan pemerintahan Louis XV dan awal
bahwa Louis XVI". Oleh karena itu termasuk, semua jenis seni dari sekitar pertengahan abad
ke-18 di Perancis. Kata dipandang sebagai kombinasi dari Rocaille Perancis (batu) dan
coquilles (shell), karena ketergantungan pada benda-benda sebagai motif dekoratif. Istilah ini
mungkin juga kombinasi dari kata Italia "barocco" (mutiara berbentuk tidak teratur, mungkin
sumber dari kata "Barok") dan Perancis "Rocaille" (bentuk populer dari taman atau ornamen
interior yang menggunakan kerang dan kerikil) dan mungkin menggambarkan gaya halus dan
aneh yang menjadi mode di beberapa bagian Eropa di abad ke-18. Karena cinta Rococo kurva
seperti cangkang dan fokus pada seni dekoratif, beberapa kritikus menggunakan istilah ini
untuk merendahkan menyiratkan bahwa gaya itu sembrono atau hanya modis. Ketika istilah
ini pertama kali digunakan dalam bahasa Inggris pada sekitar 1836, itu adalah perkataan
sehari-hari yang berarti "kuno". Gaya menerima kritik keras dan terlihat oleh beberapa orang
untuk menjadi dangkal dan rasa yang buruk, terutama bila dibandingkan dengan
neoclassicism; meskipun ini, telah dipuji karena kualitas estetika, dan sejak pertengahan abad
ke-19, istilah tersebut telah diterima oleh para sejarawan seni. Sementara masih ada beberapa
perdebatan tentang makna sejarah dari gaya seni pada umumnya, Rococo kini dikenal luas
sebagai periode utama dalam perkembangan seni Eropa.

Meskipun Rococo biasanya dianggap sebagai berkembang pertama dalam seni

dekoratif dan desain interior, asal-usulnya terletak pada akhir pekerjaan Baroque arsitektur
Borromini (1599-1667) sebagian besar di Roma dan Guarini (1624-1683) sebagian besar di
Italia Utara, tetapi juga di Wina, Praha, Lisbon, dan Paris. Arsitek Italia akhir Baroque / awal
Rococo yang dirayu Katolik (Selatan) Jerman, Bohemia dan Austria dengan pangeran lokal,
uskup dan pangeran-uskup. Terinspirasi oleh teladan mereka, keluarga regional pembangun
Eropa Tengah melangkah lebih jauh, menciptakan gereja dan istana yang mengambil gaya
Baroque lokal Jerman pada ketinggian terbesar elaborasi Rococo dan sensasi.

Eksotis tapi dalam beberapa hal jenis yang lebih formal Rococo muncul di Perancis di
mana suksesi Louis XIV membawa perubahan dalam seniman pengadilan dan fashion artistik
umum. Pada akhir pemerintahan lama raja, desain Baroque kaya yang memberikan cara
untuk unsur yang lebih ringan dengan lebih kurva dan pola-pola alami. Unsur-unsur ini yang
jelas dalam desain arsitektur Nicolas Pineau. Selama Rgence, kehidupan istana pindah dari
Versailles dan perubahan artistik ini menjadi mapan, pertama di istana kerajaan dan kemudian
seluruh masyarakat tinggi Perancis.

Franois Boucher, Le Djeuner, (1739, Louvre), menunjukkan interior Rocaille dari

keluarga borjuis Perancis di abad ke-18. Porselen patung dan vas menambahkan sentuhan
chinoiserie.

Kelezatan dan main-main Rococo desain sering dianggap sebagai sempurna selaras
dengan ekses dari pemerintahan Louis XV.

1730s mewakili ketinggian pembangunan Rococo di Perancis. Gaya telah menyebar

di luar arsitektur dan furnitur untuk lukisan dan patung, dicontohkan oleh karya-karya
Antoine Watteau dan Franois Boucher. Rococo masih mempertahankan rasa Baroque untuk
bentuk yang kompleks dan pola yang rumit, tetapi pada titik ini, telah mulai
mengintegrasikan berbagai karakteristik yang beragam, termasuk rasa untuk desain Oriental
dan komposisi asimetris. Rococo gaya disebarkan oleh seniman Perancis dan publikasi
terukir.

Di Inggris, Rococo selalu dianggap sebagai "rasa Perancis" dan tidak pernah diadopsi
secara luas sebagai gaya arsitektur, meskipun pengaruhnya sangat dirasakan di berbagai
bidang seperti silverwork, porselen, dan sutra, dan Thomas Chippendale mengubah desain
furnitur Inggris melalui adaptasi dan perbaikan gaya. William Hogarth membantu
mengembangkan landasan teoritis untuk Rococo kecantikan. Meskipun tidak sengaja
referensi gerakan, ia berpendapat dalam Analisis tentang Beauty (1753) bahwa garis-garis
bergelombang dan S-kurva terkemuka di Rococo adalah dasar untuk kasih karunia dan
keindahan dalam seni atau alam (seperti garis lurus atau lingkaran di klasisisme) .
Perkembangan Rococo di Inggris dianggap telah terhubung dengan kebangkitan kembali
minat dalam arsitektur Gothic awal abad ke-18.

Awal akhir untuk Rococo datang di 1760-an awal tokoh-tokoh seperti Voltaire dan
Jacques-Franois Blondel mulai menyuarakan kritik mereka terhadap kedangkalan dan
degenerasi seni. Blondel mengecam "campur aduk konyol kerang, naga, alang-alang, pohon
palem dan tanaman" dalam interior kontemporer. Pada 1785, Rococo telah berlalu keluar dari
mode di Perancis, digantikan oleh urutan dan keseriusan seniman neoklasik seperti Jacques-
Louis David. Di Jerman, akhir abad ke-18 Rococo diejek sebagai Zopf und Percke ("pigtail
dan rambut palsu"), dan fase ini kadang-kadang disebut sebagai Zopfstil. Rococo tetap
populer di provinsi dan di Italia, sampai fase kedua neoclassicism, "gaya Empire", tiba
dengan pemerintah Napoleon dan menyapu Rococo pergi.
 Ada minat baru dalam gaya Rococo antara tahun 1820 dan 1870. Inggris merupakan
yang pertama untuk menghidupkan kembali "gaya Louis XIV" seperti yang miscalled pada
awalnya, dan membayar harga meningkat untuk kedua tangan barang mewah Rococo yang
hampir bisa dijual di Paris. Tapi seniman terkemuka seperti Eugne Delacroix dan pelanggan
seperti Empress Eugenie juga menemukan kembali nilai rahmat dan main-main dalam seni
dan desain.

Tema ringan dan desain yang rumit dari Rococo disajikan sendiri terbaik di skala
yang lebih intim daripada arsitektur Baroque megah dan patung. Hal ini tidak mengherankan,
kemudian, bahwa seni Perancis Rococo berada di rumah di dalam ruangan. Logam, angka
porselen dan terutama furnitur naik ke baru pra-keunggulan sebagai kelas atas Perancis
berusaha untuk pakaian rumah mereka dalam gaya sekarang modis.

Gaya usang mengambil kesenangan dalam asimetri, rasa yang baru dengan gaya
Eropa. Praktek meninggalkan unsur seimbang untuk efek disebut contraste.

Selama periode Rococo, furnitur ringan, secara fisik dan visual. Ide furnitur telah
berkembang menjadi simbol status dan mengambil peran kenyamanan dan fleksibilitas
dalam. Furniture bisa dengan mudah dipindahkan sekitar untuk pertemuan-pertemuan, dan
berbagai bentuk khusus datang untuk menjadi seperti kursi fauteuil, kursi voyeuse, dan berger
en gondola. Perubahan desain kursi ini berkisar dari bantalan lengan terpisah, pemanjangan
empuk kembali (juga dikenal sebagai "martil") dan bantal kursi longgar. Furniture juga
berdiri bebas, bukannya berlabuh oleh dinding, untuk menonjolkan suasana ringan dan
fleksibilitas dari masing-masing bagian. Mahoni secara luas digunakan dalam konstruksi
furnitur karena kekuatannya, sehingga tidak adanya tandu seperti yang terlihat pada banyak
kursi waktu. Juga, penggunaan cermin digantung di atas mantels menjadi semakin populer
dalam terang perkembangan kaca bercacat.

Dalam desain Rococo full-blown, seperti Table d'appartement (. C 1730), oleh

desainer Perancis JA Meissonnier, bekerja di Paris (ilustrasi, di bawah), setiap referensi untuk
bentuk tektonik hilang: bahkan atas lempengan marmer berbentuk . Apron, kaki, tandu
semuanya telah mulus diintegrasikan ke dalam aliran lawan c-gulungan dan "Rocaille."
Simpul (noeud) terebut menunjukkan asimetris "contraste" itu adalah inovasi Rococo.

Desain untuk meja oleh Juste-Aurele Meissonnier, Paris ca 1730

Paling dikagumi secara luas dan ditampilkan dalam "kecil" dan dekoratif seni
pengkritiknya mengklaim bahwa kecenderungan untuk berangkat dari atau tidak jelas bentuk
dan struktur yang diakui secara tradisional diberikan tidak cocok untuk proyek-proyek skala
yang lebih besar dan didiskualifikasi sebagai gaya arsitektur sepenuhnya.

Dinasti bnistes Paris, beberapa dari mereka kelahiran Jerman, mengembangkan

gaya permukaan melengkung dalam tiga dimensi (Bombe), di mana veneers cocok (Tatakan
sementara berada di gerhana) atau vernis martin japanning itu mudah dilengkapi dengan
emas-perunggu ("ormolu" ) gunung: Antoine Gaudreau, Charles Cressent, Jean-Pierre Latz,
Jean-Franois Oeben, Bernard II van Risamburgh adalah nama yang beredar.

Abstrak dan asimetris Rococo dekorasi: langit-langit semen di Neues Schloss,

Tettnang

Desainer Perancis seperti Franois de Cuvillies, Nicholas Pineau dan Italia

Bartolomeo Rastrelli diekspor gaya Paris secara pribadi ke Munich dan Saint Petersburg,
sementara Turin kelahiran Juste-Aurele Meissonier menemukan karirnya di Paris. Roh-roh
membimbing dari Rococo Paris adalah sekelompok kecil marchands-merciers, pelopor
dekorator modern, yang dipimpin oleh Simon-Philippe Poirier.

Dalam furnitur gaya Perancis tetap agak lebih pendiam, karena sebagian besar
ornamen kayu, atau, setelah fashion kayu-ukiran, kurang kuat dan naturalistik dan kurang
bersemangat dalam campuran alami dengan bentuk buatan dari segala jenis (motif misalnya
tanaman , stalactitic representasi, grotesques, masker, alat dari berbagai profesi, lencana,
lukisan, batu mulia).

British Rococo cenderung lebih terkendali. Desain furniture Thomas Chippendale itu
terus kurva dan merasakan, tapi berhenti pendek dari ketinggian Perancis imajinasi.
Eksponen paling sukses dari British Rococo mungkin Thomas Johnson, pemahat dan desainer
furnitur berbakat yang bekerja di London pada pertengahan abad ke-18.

Kata 'Rococo' berasal dari bahasa Prancis "Rocaille", kata yang digunakan untuk
menggambarkan batu dan shell kerja gua-gua Versailles. Banyak potongan mebel ukir yang
berasal dari 18 air abad khususnya, batu cermin frame-atas menggambarkan, kerang, dan
menetes dalam komposisi mereka, sering dalam hubungan dengan tokoh-tokoh dan pagoda
Cina.

Arsitektur Rococo seperti yang disebutkan di atas, adalah lebih ringan, lebih anggun,
namun juga versi yang lebih rumit arsitektur Baroque, yang berhias dan keras. Sementara
gaya yang sama, ada beberapa perbedaan mencolok antara kedua Rococo dan arsitektur
Baroque, salah satunya adalah simetri, karena Rococo menekankan asimetri bentuk,
sementara Baroque adalah sebaliknya. Gaya, meskipun kedua yang kaya dekorasi, juga
memiliki tema yang berbeda; Baroque, misalnya, lebih serius, menempatkan penekanan pada
agama, dan sering ditandai oleh tema-tema Kristen (sebagai Sebenarnya, Baroque dimulai di
Roma sebagai respon terhadap Reformasi Protestan); Arsitektur Rococo adalah abad ke-18,
lebih sekuler, adaptasi dari Baroque yang ditandai dengan lebih tema ringan dan lucu. Unsur-
unsur lain yang tergabung dengan gaya arsitektur Rococo meliputi banyak kurva dan
dekorasi, serta penggunaan warna pucat.

Ada banyak contoh bangunan Rococo serta arsitek. Di antara yang paling terkenal
termasuk Catherine Palace, di Rusia, Istana Nasional Queluz di Portugal, yang Augustusburg
dan Falkenlust Istana, Brhl, Gedung Cina (Potsdam) yang Charlottenburg Palace di Jerman,
serta unsur Chteau de Versailles di Perancis . Arsitek yang terkenal karena konstruksi
mereka menggunakan gaya termasuk Francesco Bartolomeo Rastrelli, seorang arsitek Italia
yang bekerja di Rusia dan yang dikenal karena mewah dan mewah karya-karyanya, Philip de
Lange, yang bekerja di kedua Denmark dan arsitektur Belanda Rococo, atau Matthus Daniel
Pppelmann, yang bekerja pada akhir gaya Baroque dan yang berkontribusi terhadap
rekonstruksi kota Dresden, Jerman.

Arsitektur Rococo juga membawa perubahan yang signifikan terhadap pembangunan

bangunan-bangunan, menempatkan penekanan pada privasi daripada keagungan publik grand
arsitektur Baroque, serta meningkatkan struktur bangunan dalam rangka menciptakan
lingkungan yang lebih sehat.

Solitude Palace di Stuttgart dan Chinese Palace di Oranienbaum, gereja Bavarian

Wies dan Sanssouci di Potsdam adalah contoh bagaimana Rococo membuat jalan ke
arsitektur Eropa.

Dalam konteks tersebut Kontinental mana Rococo sepenuhnya dalam kontrol, sportif,
fantastis, dan bentuk-bentuk pahatan disajikan dengan ornamen abstrak menggunakan
menyala, berdaun atau tekstur kulit seperti dalam operasi asimetris dan berkembang dan
kurva yang rusak; interior Rococo intim menekan divisi arsitektonis dari architrave, dekorasi,
dan cornice untuk indah, yang ingin tahu, dan aneh, dinyatakan dalam bahan plastik seperti
kayu berukir dan di atas semua semen (seperti dalam karya Wessobrunner Sekolah). Dinding,
langit-langit, furnitur, dan karya logam dan porselen menyajikan ansambel terpadu. Rococo
palet lebih lembut dan lebih pucat dari warna primer dan tonalities gelap disukai selera
Baroque kaya.

Terpadu usang ukiran, semen dan fresco di Zwiefalten

Beberapa petunjuk anti-arsitektur dengan cepat berkembang menjadi full-blown

Rococo pada akhir 1720-an dan mulai mempengaruhi interior dan seni dekoratif di seluruh
Eropa. Bentuk terkaya Jerman Rococo berada di Katolik Jerman (ilustrasi, di atas).

Rococo plasterwork oleh imigran seniman Italia-Swiss seperti Bagutti dan Artari
adalah fitur rumah oleh James Gibbs, dan saudara-saudara Franchini bekerja di Irlandia
menyamai apa pun yang berusaha di Inggris.

Diresmikan di beberapa kamar di Versailles, itu terungkap keindahan di beberapa

bangunan Paris (terutama Htel Soubise). Di Jerman, Perancis dan Jerman seniman
(Cuvillies, Neumann, Knobelsdorff, dll) berpengaruh peralatan bermartabat dari Amalienburg
dekat Munich, dan istana Wrzburg, Potsdam, Charlottenburg, Brhl, Bruchsal, Solitude
(Stuttgart), dan Schnbrunn.

Di Inggris, salah satu set Hogarth, lukisan membentuk Pernikahan melodramatis

moralitas kisah berjudul la Mode, terukir pada tahun 1745, menunjukkan kamar parade
London rumah bergaya, di mana satu-satunya usang dalam plasterwork langit-langit salon itu.
Arsitektur Palladian memegang kendali. Di sini, di rak Kentian, kerumunan vas dan mandarin
Cina menyindir diberikan sebagai monstrositas sedikit mengerikan, dan Rococo jam dinding
adalah tumpukan cabang berdaun.

Secara umum, Rococo adalah gaya yang sama sekali interior, karena kaya dan
bangsawan pindah kembali ke Paris dari Versailles. Paris sudah dibangun dan jadi daripada
terlibat dalam penambahan arsitektur besar, mereka hanya direnovasi interior bangunan yang
ada.

Meskipun Rococo berasal dari seni murni dekoratif, gaya menunjukkan dengan jelas
dalam lukisan. Pelukis ini digunakan warna lembut dan bentuk melengkung, dekorasi kanvas
dengan malaikat dan mitos cinta. Portraiture juga populer di kalangan pelukis Rococo.
Beberapa karya menunjukkan semacam kenakalan atau pengotor dalam perilaku subjek
mereka, menunjukkan tren historis berangkat dari orientasi gereja / negara Baroque itu.
Lanskap yang pastoral dan sering digambarkan dalam acara santai dari pasangan bangsawan.

Patung adalah daerah lain di mana Rococo secara luas diadopsi. tienne-Maurice
meriam ringan (1716-1791) secara luas dianggap sebagai salah satu wakil terbaik dari
Perancis Rococo. Secara umum, gaya ini terbaik diungkapkan melalui patung porselen halus
daripada memaksakan patung marmer. Meriam ringan sendiri adalah direktur sebuah pabrik
porselen yang terkenal di Svres. Tema cinta dan kegembiraan tercermin dalam patung,
seperti unsur-unsur alam, melengkung garis dan asimetri.

Makam patung Amalia Mniszech di Gereja St. Mary Magdalene di Dukla oleh Jan
Obrocki, 1773: hanya rincian kostumnya beribboned yang usang

Pematung Edme Bouchardon diwakili Cupid terlibat dalam ukiran panah cintanya dari
klub Hercules (ilustrasi); ini berfungsi sebagai simbol yang sangat baik dari Rococo gaya-
manusia setengah dewa berubah menjadi anak yang lembut, klub tulang-menghancurkan
menjadi panah pedas-hati, seperti marmer begitu bebas diganti dengan semen. Dalam
hubungan ini, pematung Perancis, Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Robert Le
Lorrain, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, dan Pigalle dapat disebutkan secara sepintas.

Sebuah periode Rococo ada dalam sejarah musik, meskipun tidak juga dikenal
sebagai awal Baroque dan bentuk kemudian Klasik. Rococo gaya musik itu sendiri
dikembangkan dari musik barok baik di Perancis, di mana gaya baru disebut sebagai gaya
galante ("gagah" atau "elegan" gaya), dan di Jerman, di mana ia disebut sebagai
empfindsamer stil ("sensitif gaya "). Hal ini dapat ditandai sebagai cahaya, musik intim
dengan bentuk yang sangat rumit dan halus ornamen. Eksemplar termasuk Jean Philippe
Rameau, Louis-Claude Daquin dan Franois Couperin di Perancis; di Jerman, pendukung
utama gaya ini adalah CPE Bach dan Johann Christian Bach, kedua anak JS terkenal Bach.

Wawasan Perancis istilah "galante" dapat dilihat melalui Boucher lukisan Le Djeuner
(di atas), yang menyediakan sekilas masyarakat yang tercermin Rococo. "Sopan" akan megah
dalam lingkaran borjuis atas, namun sikap pria itu adalah gagah. Bergaya tapi nyaman
interior, keintiman sopan informal sopan santun masyarakat, rincian penasaran dan
menyenangkan di mana-mana satu ternyata mata seseorang, kemewahan menghirup coklat:
semua "galante."

Pada paruh kedua abad ke-18, reaksi terhadap gaya Rococo terjadi, terutama terhadap
berlebihan yang dirasakan ornamen dan dekorasi. Dipimpin oleh C.P.E. Bach (sebuah Rococo
komposer di kanan sendiri), Domenico Scarlatti, dan Christoph Willibald Gluck, reaksi ini
diantar di era klasik. Pada awal abad ke-20, pendapat Katolik telah berbalik melawan
kesesuaian gaya untuk konteks gerejawi karena itu "sama sekali tidak kondusif untuk
sentimen pengabdian".
 Renaisans
Zaman Renaisans (bahasa Inggris: Renaissance) adalah sebuah gerakan budaya yang
berkembang pada periode kira-kira dari abad ke-14 sampai abad ke-17, dimulai di Italia pada
Abad Pertengahan Akhir dan kemudian menyebar ke seluruh Eropa. Meskipun pemakaian
kertas dan penemuan barang metal mempercepat penyebaran ide-idenya dari abad ke-15 dan
seterusnya, perubahan Renaissans tidak terjadi secara bersama maupun dapat dirasakan di
seluruh Eropa.

Sesudah mengalami masa kebudayaan tradisional yang sepenuhnya diwarnai oleh

ajaran Kristiani, orang-orang kini mencari orientasi dan inspirasi baru sebagai alternatif dari
kebudayaan Yunani-Romawi sebagai satu-satunya kebudayaan lain yang mereka kenal
dengan baik. Kebudayaan klasik ini dipuja dan dijadikan model serta dasar bagi seluruh
peradaban manusia.

Dalam dunia politik, budaya Renaissance berkontribusi dalam pengembangan

konvensi diplomasi, dan dalam ilmu peningkatan ketergantungan pada sebuah observasi.
Sejarawan sering berargumen bahwa transformasi intelektual ini adalah jembatan antara Abad
Pertengahan dan sejarah modern. Meskipun Renaissance dipenuhi revolusi terjadi di banyak
kegiatan intelektual, serta pergolakan sosial dan politik, Renasaince mungkin paling dikenal
karena perkembangan artistik dan kontribusi dari polimatik seperti Leonardo da Vinci dan
Michelangelo, yang terinspirasi dengan istilah "manusia Renaissance".

Ada konsensus bahwa Renaissance dimulai di Florence, Italia, pada abad ke-14.
Berbagai teori telah diajukan untuk menjelaskan asal-usulnya dan karakteristik, berfokus
pada berbagai faktor termasuk kekhasan sosial dan kemasyarakatan dari Florence pada
beberapa waktu; struktur politik; perlindungan keluarga dominan, Wangsa Medici; dan
migrasi sarjana Yunani dan terjemahan teks ke bahasa Italia setelah Kejatuhan Konstantinopel
di tangan Turki Utsmani. Kata Renaissance, yang terjemahan literal dari bahasa Perancis ke
dalam bahasa Inggris adalah "Rebirth" (atau dalam bahasa Indonesia "Kelahiran kembali"),
pertama kali digunakan dan didefinisikan oleh sejarawan Perancis Jules Michelet pada tahun
1855 dalam karyanya, Histoire de France. Kata Renaissance juga telah diperluas untuk
gerakan sejarah dan budaya lainnya, seperti Carolingian Renaissance dan Renaissance dari
abad ke-12.

Leonardo da Vinci's Vitruvian Man menunjukkan dengan jelas pengaruh penulis

Antiquity dalam pemikir Renaissance. Berdasarkan spesifikasi di Vitruvius 'De architectura
(abad ke-1 SM), Leonardo mencoba untuk menggambar pria sempurna secara proporsional.

Renaissance adalah sebuah gerakan budaya yang sangat mempengaruhi kehidupan

intelektual Eropa pada periode modern awal. Mulai di Italia, dan menyebar ke seluruh Eropa
pada abad ke-16, pengaruhnya dirasakan dalam sastra, filsafat, seni, musik, politik, ilmu
pengetahuan, agama, dan aspek lain dari penyelidikan intelektual. Sarjana Renaissance
menggunakan metode humanis dalam penelitian, dan mencari realisme dan emosi manusia
dalam seni.
 Humanis Renaissance seperti Poggio Bracciolini mencari di perpustakaan biara Eropa
sastra, sejarah, dan berpidato teks Latin dari Antiquity, sedangkan Kejatuhan Konstantinopel
(1453) menghasilkan gelombang imigran sarjana Yunani membawa naskah berharga di
Yunani kuno, banyak dari naskah tersebut yang jatuh ke dalam ketidakjelasan ketika di Barat.
Hal ini dalam fokus baru mereka pada teks-teks sastra dan sejarah dari sarjana Renaissance
yang perbedaanya begitu nyata dari para sarjana abad pertengahan Renaissance dari abad ke-
12, yang difokuskan pada mempelajari karya-karya Yunani dan ilmu alam Arab, filsafat dan
matematika, bukan pada seperti teks kultural.

Dalam kebangkitan neo-Platonisme Renaissance humanis tidak menolak Kristen;

justru sebaliknya, banyak karya terbesar Renaissance yang dikhususkan untuk itu, dan Gereja
dilindungi banyak karya seni Renaissance. Namun, pergeseran halus berlangsung dengan cara
yang intelektual mendekati agama yang tercermin dalam banyak bidang kehidupan budaya.
Selain itu, banyak karya-karya Yunani Kristen, termasuk Yunani Perjanjian Baru, dibawa
kembali dari Byzantium ke Eropa Barat dan melibatkan sarjana Barat untuk pertama kalinya
sejak akhir jaman. Keterlibatan baru ini dengan karya-karya Yunani Kristen, dan terutama
kembali ke Yunani asli dari Perjanjian Baru dipromosikan oleh humanis Lorenzo Valla dan
Erasmus, akan membantu membuka jalan bagi Reformasi Protestan.

Setelah kembali pada artistik pertama yang klasisisme, telah dicontohkan dalam
patung Nicola Pisano, pelukis Florentine dipimpin oleh Masaccio berusaha untuk
menggambarkan bentuk manusia secara realistis, mengembangkan teknik untuk membuat
perspektif dan cahaya lebih alami. Filsuf politik, yang paling terkenal adalah Niccol
Machiavelli, berusaha menggambarkan kehidupan politik seperti yang benar adanya, itu
adalah untuk memahami secara rasional. Sebuah kontribusi penting untuk Renaissance Italia
humanisme Pico della Mirandola yang menulis teks terkenal "De hominis Dignitate" (Orasi
pada Martabat Manusia, 1486), yang terdiri dari serangkaian tesis tentang filsafat, alam pikir,
iman dan sihir dipertahankan terhadap setiap lawan atas dasar alasan. Selain mempelajari
bahasa Latin klasik dan Yunani, penulis Renaissance juga mulai semakin menggunakan
bahasa daerah; dikombinasikan dengan pengenalan pada pencetakan, hal ini akan
memungkinkan lebih banyak orang yang mengakses buku, terutama Alkitab.

Dalam semua, Renaissance dapat dipandang sebagai upaya secara intelektual untuk
belajar dan meningkatkan bentuk sekuler dan duniawi, baik melalui kebangkitan ide dari
jaman dahulu, dan melalui pendekatan baru untuk berpikir. Beberapa ahli, seperti Rodney
Stark, mengurangi Renaissance dalam mendukung inovasi sebelumnya di negara kota Italia
di Abad Pertengahan Tinggi, yang berkombinasi dengan pemerintah yang responsif, Kristen
dan kelahiran kapitalisme. Analisis ini berpendapat bahwa, sedangkan negara-negara besar
Eropa (Perancis dan Spanyol) adalah pemerintahan yang monarki absolut, dan lain-lain
berada di bawah kontrol langsung Gereja, republik-republik kota mandiri Italia mengambil
alih prinsip-prinsip kapitalisme yang bisa ditemukan di perkebunan monastik dan memicu
revolusi komersial yang luas belum pernah terjadi sebelumnya yang mendahului dan
membiayai Renaissance.
 Kebudayaan Yunanni-Romawi adalah kebudayaan yang menempatkan manusia
sebagai subjek utama. Filsafat Yunani, misalnya menampilkan manusia sebagai makhluk
yang berpikir terus-menerus memahami lingkungan alamnya dan juga menentukan prinsip-
prinsip bagi tindakannya sendiri demi mencapai kebahagiaan hidup (eudaimonia). Kesustraan
Yunani, misalnya kisah tentang Odisei karya penyair Yunani Kuno, Homerus, menceritakan
tentang keberanian manusia menjelajahi suatu dunia yang penuh dengan tantangan dan
pengalaman baru. Arsitektur ala Yunani-Romawi mencerminkan kemampuan manusia dalam
menciptakan harmoni dari aturan hukum, kekuatan, dan keindahan.

Selain itu, kemampuan bangsa Romawi dalam bidang teknik dan kemampuan
berorganisasi pantas mendapatkan acungan jempol. Semua ini jelas menunjukkan bahwa
kebudayaan Yunani-Romawi memberikan tempat utama bagi manusia dalam kosmos. Suatu
pandangan yang biasa disebut dengan ''Humanisme Klasik''.

Kebudayaan Renaisans ditujukan untuk menghidupkan kembali Humanisme Klasik

yang sempat terhambat oleh gaya berpikir sejumlah tokoh Abad Pertengahan. Hal ini
memiliki kaitan dengan hal yang tadi dijelaskan. Apabila dibandingkan dengan zaman Klasik
yang lebih menekankan manusia sebagai bagian dari alam atau polis (negara-negara kota atau
masyarakat Yunani Kuno). Humanisme Renaissans jauh lebih dikenal karena penekanannya
pada individualisme. Individualisme yang menganggap bahwa manusia sebagai pribadi perlu
diperhatikan. Kita bukan hanya umat manusia, tetapi kita juga adalah individu-individu unik
yang bebas untuk berbuat sesuatu dan menganut keyakinan tertentu.

Kemuliaan manusia sendiri terletak dalam kebebasannya untuk menentukan pilihan

sendiri dan dalam posisinya sebagai penguasa atas alam (Pico Della Mirandola). Gagasan ini
mendorong munculnya sikap pemujaan tindakan terbatas pada kecerdasan dan kemampuan
individu dalam segala hal. Gambaran manusia di sini adalah manusia yang dicita-citakan
Humanisme Renaissans yaitu manusia universal (Homo Universale).
Jacopo Torriti (Italian, Rome 129196). Head of the Madonna, 1296. Mosaic. Brooklyn
Museum, Museum Collection Fund and the Charles Stewart Smith Memorial Fund.

Mosaik ini adalah fragmen langka dari monumen penguburan Paus Bonifasius VIII
(1235-1303). Baru-baru ini dikaitkan dengan Jacopo Torriti, yang memainkan peran penting
dalam inovasi ekspresif dan kemanusiaan yang ditandai akhir seni abad ketiga belas, fragmen
ini merupakan puncak dari prestasinya. Hanya dua fragmen mosaik dari makamnya dikenal
untuk bertahan hidup: kepala ini dari Madonna, dan Anak Kristus sekarang di Pushkin
Museum Negeri di Moskow.
 Baroque

Baroque sering dianggap sebagai periode gaya artistik yang digunakan gerak
berlebihan dan jelas, mudah ditafsirkan detail untuk menghasilkan drama, ketegangan,
kegembiraan, dan keagungan dalam patung, lukisan, arsitektur, sastra, tari, dan musik. Gaya
dimulai sekitar 1600 di Roma, Italia dan menyebar ke sebagian besar Eropa.

Popularitas dan keberhasilan gaya Baroque didorong oleh Gereja Katolik, yang telah
memutuskan pada saat Konsili Trent, sebagai tanggapan terhadap Reformasi Protestan,
bahwa seni harus berkomunikasi tema agama dalam keterlibatan langsung dan emosional.
Aristokrasi juga melihat gaya dramatis arsitektur Baroque dan seni sebagai sarana terkesan
pengunjung dan mengekspresikan kemenangan, kekuasaan dan kontrol. Istana barok yang
dibangun di sekitar pintu masuk pengadilan, tangga besar dan ruang resepsi meningkatkan
berurutan kemewahan. Namun, 'Barok' memiliki resonansi dan aplikasi yang melampaui
penurunan sederhana baik gaya atau periode.

Kata Barok berasal dari kata Portugis "Yahya", Spanyol "Barroco", atau Perancis
"baroque", yang semuanya mengacu pada "mutiara kasar atau tidak sempurna", meskipun
apakah itu masuk bahasa-bahasa tersebut melalui Latin, Arab, atau sumber lain tidak pasti.
1911 Encyclopdia Britannica edisi 11 mengira istilah ini berasal dari Barrueco Spanyol,
besar, berbentuk tidak teratur mutiara, dan bahwa itu untuk waktu terbatas pada kerajinan
perhiasan tersebut. Lainnya berasal dari mnemonic istilah "Baroco", suatu bentuk seharusnya
bekerja silogisme dalam logis Scholastica. Akar Latin dapat ditemukan di bis-roca.

Dalam penggunaan informal, baroque kata hanya dapat berarti bahwa ada sesuatu
yang "rumit", dengan banyak detail, tanpa mengacu pada gaya Baroque dari abad 17 dan 18.

Kata "Baroque", seperti kebanyakan sebutan periodik atau gaya, diciptakan oleh
kritikus kemudian daripada praktisi seni di abad ke-18 ke-17 dan awal. Ini adalah transliterasi
Perancis frase Portugis "Perola barroca", yang berarti "tidak teratur mutiara", dan mutiara
alami yang menyimpang dari yang biasa, bentuk teratur sehingga mereka tidak memiliki
sumbu rotasi yang dikenal sebagai "mutiara baroque".

Istilah "Baroque" awalnya digunakan dalam arti menghina, untuk menggarisbawahi

ekses penekanannya. Secara khusus, istilah ini digunakan untuk menggambarkan redundansi
eksentrik dan kelimpahan berisik rincian yang tajam kontras rasionalitas yang jelas dan sadar
dari Renaissance. Meskipun telah lama berpikir bahwa kata sebagai istilah kritis pertama kali
diterapkan pada arsitektur, sebenarnya muncul lebih awal dalam referensi musik, dalam
anonim, review satir premiere di Oktober 1733 dari Jean-Philippe Rameau di Hippolyte et
Aricie, dicetak di Mercure de France Mei 1734. kritikus tersirat bahwa kebaruan dalam opera
ini adalah "du barocque", mengeluh bahwa musik tidak memiliki melodi yang koheren, yang
tak tanggung-tanggung dengan ketidakselarasan, terus berubah kunci dan meter, dan cepat
berlari melalui setiap perangkat komposisi .
 Kata ini pertama kali direhabilitasi oleh sejarawan kelahiran Swiss seni, Heinrich
Wlfflin (1864-1945) dalam bukunya Renaissance und Barock (1888); Wlfflin
mengidentifikasi Baroque sebagai "gerakan diimpor ke massa," seni antitesis terhadap seni
Renaissance. Dia tidak membuat perbedaan antara Mannerisme dan Baroque yang penulis
modern lakukan, dan ia mengabaikan tahap kemudian, Baroque akademik yang berlangsung
dalam abad ke-18. Panjang dihina, Baroque seni dan arsitektur menjadi modis antara dua
Perang Dunia, dan sebagian besar tetap mendukung kritis. Misalnya sering ekstrim arsitektur
Sisilia Baroque saat ini diakui sebagian besar disebabkan oleh karya Sir Sacheverall Sitwell,
yang Southern Baroque Art 1924 adalah buku pertama yang menghargai gaya, diikuti oleh
lebih banyak pekerjaan akademik Anthony Blunt. Dalam lukisan kenaikan bertahap dalam
harga populer Caravaggio telah menjadi barometer terbaik rasa.

Dalam sejarah seni telah menjadi umum untuk mengenali "Baroque" fase gaya,
ditandai dengan gerakan enerjik dan tampilan, dalam seni sebelumnya, sehingga Sir John
Boardman menggambarkan patung kuno Laocoon dan Sons Nya sebagai "salah satu contoh
terbaik dari baroque Helenistik ", dan fase kemudian patung Kekaisaran Romawi juga sering
disebut Baroque. William Watson menggambarkan fase akhir dari dinasti Shang perunggu
ritual Cina dari abad ke-11 SM sebagai "baroque".

Istilah "Baroque" masih dapat digunakan, biasanya pejoratively, menggambarkan

karya seni, kerajinan, atau desain yang dianggap memiliki ornamen yang berlebihan atau
kompleksitas line.

Baroque berasal sekitar 1600, beberapa dekade setelah Konsili Trent (1545-1563),
dimana Gereja Katolik Roma menjawab banyak pertanyaan dari reformasi internal,
membahas seni representasional dengan menuntut bahwa lukisan dan patung dalam konteks
gereja harus berbicara dengan buta huruf bukan ke sumur-informasi. Gilirannya ini menuju
konsepsi populis fungsi seni gerejawi dipandang oleh banyak sejarawan seni sebagai
pendorong inovasi dari Caravaggio dan saudara Agostino dan Annibale Carracci, semua yang
bekerja (dan bersaing untuk komisi) di Roma sekitar 1600.

Daya tarik gaya Baroque berbalik sadar dari cerdas, kualitas intelektual abad ke-16
seni Mannerist untuk banding visceral ditujukan pada indera. Ini mempekerjakan ikonografi
yang langsung, sederhana, jelas, dan teater. Kesenian Barok menarik pada kecenderungan
luas dan heroik tertentu dalam Annibale Carracci dan lingkaran, dan menemukan inspirasi
dalam artis lain seperti Correggio dan Caravaggio dan Federico Barocci, saat ini kadang-
kadang disebut 'proto-Baroque'. Ide-ide germinal Baroque juga dapat ditemukan dalam karya
Michelangelo. Beberapa kesamaan umum dalam musik membuat ekspresi "musik Barok"
berguna: ada kontras frase panjang, harmoni dan tandingan telah digulingkan polifoni, dan
warna orkestra membuat penampilan lebih kuat. Bahkan lebih umum paralel dirasakan oleh
beberapa ahli dalam filsafat, gaya prosa dan puisi, lebih sulit untuk menentukan.

Meskipun Baroque digantikan di banyak pusat oleh gaya Rococo, dimulai di Perancis
pada 1720-an akhir, terutama untuk interior, lukisan dan seni dekoratif, gaya Baroque terus
digunakan dalam arsitektur sampai munculnya Neoclassicism di abad ke-18 nanti. Lihat
istana Neapolitan of Caserta, istana Baroque (meskipun dalam eksterior suci) yang
pembangunannya dimulai pada 1752.

Dalam lukisan gerakan Baroque yang lebih luas dari gerakan Mannerist: kurang
ambigu, kurang misterius dan misterius, lebih mirip gerakan panggung opera, bentuk seni
Baroque utama. Pose Baroque tergantung pada contrapposto ("imbangan"), ketegangan dalam
angka yang menggerakkan pesawat dari bahu dan pinggul di counterdirections.

Pengering, kurang dramatis dan coloristic, didera kemudian tahap abad ke-18 gaya
arsitektur Baroque sering dilihat sebagai manifestasi Baroque Akhir terpisah, misalnya di
gedung-gedung oleh Claude Perrault. Karakteristik akademik dalam gaya neo-Palladian,
dicontohkan oleh William Kent, adalah pembangunan paralel di Inggris dan koloni Inggris:
dalam interior, desain furniture Kent yang jelas dipengaruhi oleh furnitur Baroque Roma dan
Genoa, elemen patung hirarki tektonik, berarti tidak pernah dipindahkan dari posisi mereka,
menyelesaikan hiasan dinding. Baroque adalah gaya persatuan dikenakan pada kaya, detail
yang berat.

Baroque didefinisikan oleh Heinrich Wlfflin sebagai usia di mana oval diganti
lingkaran sebagai pusat komposisi, bahwa sentralisasi diganti keseimbangan, dan bahwa
coloristic dan "painterly" efek mulai menjadi lebih menonjol. Sejarawan seni, sering
Protestan, secara tradisional menekankan bahwa gaya Baroque berevolusi selama waktu di
mana Gereja Katolik Roma harus bereaksi terhadap banyak gerakan budaya revolusioner
yang menghasilkan ilmu baru dan bentuk-bentuk baru agama-Reformasi. Telah dikatakan
bahwa monumental Baroque adalah gaya yang bisa memberikan Kepausan, seperti monarki
absolut sekuler, formal, memaksakan cara ekspresi yang bisa mengembalikan prestise, pada
titik menjadi entah bagaimana simbolis Kontra-Reformasi.

Apakah hal ini terjadi atau tidak, itu berhasil mengembangkan di Roma, di mana
arsitektur Baroque luas diperbaharui daerah pusat dengan mungkin revisi urbanistic paling
penting.

Era Baroque kadang-kadang dibagi menjadi kira-kira tiga tahap untuk kenyamanan:

Awal Baroque, c.1590-c.1625

Tinggi Baroque, c.1625-c.1660
Barok, c.1660-c.1725, Barok juga kadang-kadang digunakan secara sinonim
dengan gerakan Rococo berhasil.

Sebuah pernyataan mendefinisikan apa Baroque menandakan dalam lukisan

disediakan oleh rangkaian lukisan dieksekusi oleh Peter Paul Rubens untuk Marie de Medici
di Istana Luxembourg di Paris (sekarang di Louvre), di mana seorang pelukis Katolik puas
pelindung Katolik: Baroque- konsepsi era monarki, ikonografi, penanganan cat, dan
komposisi serta penggambaran ruang dan gerakan.
 Gaya Baroque fitur "pencahayaan berlebihan, emosi yang kuat, rilis dari menahan
diri, dan bahkan semacam sensasi artistik". Kesenian Barok tidak benar-benar
menggambarkan gaya hidup orang-orang pada waktu itu; Namun, "berhubungan erat dengan
Kontra-Reformasi, gaya ini melodramatis menegaskan kedalaman emosional iman Katolik
dan dimuliakan baik gereja dan monarki" kekuasaan dan pengaruh mereka.

Ada yang sangat beragam helai Italia Barok lukisan, dari Caravaggio ke Cortona;
kedua mendekati dinamika emosi dengan gaya yang berbeda. Lain pekerjaan sering dikutip
seni Baroque adalah Bernini Saint Theresa di Ecstasy untuk kapel Cornaro di Saint Maria
della Vittoria, yang menyatukan arsitektur, patung, dan teater menjadi satu besar
kesombongan.

Sebuah seni yang agak berbeda dikembangkan dari tradisi realis utara pada abad ke-
17 Belanda Golden Age lukisan, yang memiliki seni religius sangat sedikit, dan sedikit
lukisan sejarah, bukan memainkan bagian penting dalam mengembangkan genre sekuler
seperti masih hidup, lukisan genre adegan sehari-hari, dan lukisan pemandangan. Sementara
sifat Baroque seni Rembrandt jelas, label yang kurang sering digunakan untuk Vermeer dan
banyak seniman Belanda lainnya. Lukisan Baroque Flemish bersama bagian dalam tren ini,
sementara juga terus menghasilkan kategori tradisional.

Dalam cara yang sama dengan gaya klasik Perancis lukisan dicontohkan oleh Poussin
sering digolongkan sebagai Baroque, dan tidak berbagi banyak kualitas lukisan Italia dari
periode yang sama, meskipun ketenangan dan pengendalian diri yang berasal dari ide-ide
berikut klasik biasanya memberikan sangat berbeda secara keseluruhan suasana hati.

Dalam patung Baroque, kelompok tokoh diasumsikan pentingnya baru dan ada
gerakan dinamis dan energi bentuk-mereka manusia berputar di sekitar pusaran pusat kosong,
atau mencapai keluar ke ruang sekitarnya. Untuk pertama kalinya, Baroque patung sering
memiliki beberapa sudut pandang yang ideal. Patung Baroque karakteristik menambahkan
elemen ekstra-patung, misalnya, pencahayaan tersembunyi, atau air mancur. Aleijadinho di
Brasil juga salah satu nama besar patung baroque, dan bekerja tuannya adalah himpunan
patung Santurio de Bom Jesus de Matosinhos di Congonhas. Patung-patung soapstone nabi
Perjanjian Lama di sekitar teras dianggap di antara karyanya terbaik.

Arsitektur, patung dan air mancur Bernini (1598-1680) memberitahukan secara sangat
dituntut karakteristik gaya Baroque. Bernini tidak diragukan lagi pematung yang paling
penting dari periode Baroque. Dia mendekati Michelangelo di omnicompetence nya: Bernini
terpahat, bekerja sebagai arsitek, dicat, menulis drama, dan dipentaskan kacamata. Pada akhir
abad ke-20 Bernini yang paling berharga untuk patung nya, baik untuk keahlian dalam
marmer ukiran dan kemampuannya untuk menciptakan tokoh-tokoh yang menggabungkan
fisik dan spiritual. Dia juga seorang pematung denda potret bust permintaan tinggi di antara
yang kuat.

Sebuah contoh yang baik dari karya Baroque Bernini adalah nya St Theresa di Ekstasi
(1645-1652), yang diciptakan untuk Cornaro Kapel gereja Santa Maria della Vittoria, Roma.
Bernini merancang seluruh kapel, ruang anak sepanjang sisi gereja, untuk keluarga Cornaro.
 Saint Theresa, titik fokus dari kapel, adalah patung marmer putih lembut dikelilingi
oleh marmer polikromatik framing arsitektur. Struktur ini menyembunyikan jendela yang
menyala patung dari atas. Gambar-kelompok keluarga Cornaro terpahat di relief dangkal
menghuni kotak opera pada dua sisi dinding kapel. Pengaturan menempatkan penonton
sebagai penonton di depan patung dengan keluarga Cornaro bersandar keluar dari kursi kotak
dan menjulurkan ke depan untuk melihat ekstasi mistik kudus.

St Theresa sangat ideal dan dalam suasana imajiner. Dia adalah orang suci populer
Reformasi Katolik. Dia menulis pengalaman mistis nya untuk audiens para biarawati dari
Ordo Karmel nya; tulisan ini telah menjadi bacaan populer di kalangan orang-orang awam
yang tertarik pada spiritualitas. Dalam tulisan-tulisannya, ia menggambarkan kasih Allah
sebagai menusuk hatinya seperti panah terbakar. Bernini terwujud ini dengan menempatkan
St Theresa di awan, sementara sosok Cupid memegang panah emas yang terbuat dari logam
dan tersenyum ke arahnya. Sosok malaikat tidak mempersiapkan diri untuk terjun panah ke
hatinya-bukan, dia telah ditarik itu. Wajah St. Theresa mencerminkan bukan antisipasi
ekstasi, tapi pemenuhan saat ini.

Karya ini secara luas dianggap sebagai karya Baroque, meskipun campuran citra
agama dan erotis (setia ke rekening tertulis sendiri St Teresa) mungkin mengangkat alis
modern. Namun, Bernini adalah seorang Katolik yang taat dan tidak berusaha menyindir
pengalaman seorang biarawati suci. Sebaliknya, ia bertujuan untuk menggambarkan
pengalaman religius sebagai salah satu intens fisik. Theresa dijelaskan reaksi tubuh dia
pencerahan spiritual dalam bahasa ekstasi digunakan oleh banyak mistik, dan penggambaran
Bernini adalah sungguh-sungguh.

The Cornaro keluarga mempromosikan diri diam-diam di kapel ini; mereka diwakili
secara visual, tetapi ditempatkan di sisi kapel, menyaksikan acara dari balkon. Seperti dalam
sebuah gedung opera, yang Cornaro memiliki posisi istimewa dalam hal pemirsa, cadangan
pribadi mereka, lebih dekat ke kudus; penampil, bagaimanapun, memiliki pandangan yang
lebih baik dari depan. Mereka melampirkan nama mereka ke kapel, tapi St Theresa adalah
fokus. Ini adalah sebuah kapel pribadi dalam arti bahwa tidak ada yang bisa mengatakan
massa di atas mezbah di bawah patung (di abad ke-17 dan mungkin melalui 19) tanpa izin
dari keluarga, tetapi satu-satunya hal yang memisahkan penonton dari gambar adalah altar
rel. Fungsi tontonan baik sebagai demonstrasi mistisisme dan sebagai bagian dari kebanggaan
keluarga.

Dalam arsitektur Baroque, penekanan baru ditempatkan pada Massing berani, tiang-
tiang, kubah, cahaya dan warna-(chiaroscuro), 'painterly' efek warna, dan bermain berani
volume dan kosong. Pada interior, gerakan Baroque sekitar dan melalui kekosongan
informasi tangga monumental yang tidak memiliki paralel dalam arsitektur sebelumnya.
Inovasi Baroque lainnya di interior duniawi adalah apartemen negara, urutan interior semakin
kaya yang memuncak pada kehadiran ruang atau tahta ruangan atau kamar tidur negara.
Urutan tangga monumental diikuti dengan apartemen negara disalin dalam skala yang lebih
kecil di mana-mana di tempat tinggal bangsawan pretensi.
 Arsitektur Baroque diambil dengan antusiasme di pusat kota Jerman, Austria dan
Rusia. Di Inggris puncak arsitektur Baroque yang diwujudkan dalam karya Sir Christopher
Wren, Sir John Vanbrugh dan Nicholas Hawksmoor, dari ca. 1660 untuk ca. 1725. Banyak
contoh arsitektur Baroque dan perencanaan kota yang ditemukan di kota-kota Eropa lainnya,
dan di Amerika Latin. Perencanaan kota periode ini menampilkan memancar jalan
berpotongan di kotak, yang mengambil isyarat dari rencana taman Baroque. Di Sisilia,
Baroque mengembangkan bentuk baru dan tema seperti di Noto, Ragusa dan Acireale
"Basilica di San Sebastiano".

Contoh lain dari arsitektur Baroque adalah Katedral Morelia, Michoacan di Meksiko.
Dibangun pada abad ke-17 oleh Vincenzo Barrochio, itu adalah salah satu dari banyak
katedral Baroque di Meksiko. Gereja-Gereja Barok juga terlihat di Filipina, yang dibangun
selama periode Spanyol.

Francis Ching dijelaskan arsitektur Baroque sebagai "gaya arsitektur yang berasal di
Italia pada awal abad ke-17 dan beragam lazim di Eropa dan Dunia Baru untuk setengah
abad, ditandai dengan penggunaan gratis dan patung dari perintah klasik dan ornamen,
oposisi dinamis dan interpenetrasi ruang, dan efek kombinasi dramatis arsitektur, patung,
lukisan, dan seni dekoratif. "
 Daftar Pustaka

http://katewalkerstoneandtiledesign.files.wordpress.com/2014/03/img_4270.jpg

http://www.atelierfiftyfive.com/uploads/5/3/3/6/5336998/1166632.jpg?353

http://eofc.com/store/images/horsemosaic3.jpg

http://eofc.com/store/images/sNo7_sm.jpg

http://eofc.com/store/images/sNo6_sm.jpg

http://en.wikipedia.org/wiki/Baroque

http://en.wikipedia.org/wiki/Rococo

http://en.wikipedia.org/wiki/Mosaic

http://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/renaissance_painting/images/23.26_542.
jpg

http://media-cdn.tripadvisor.com/media/photo-s/01/23/1a/92/another-mosaic-in-
renaissance.jpg

http://id.wikipedia.org/wiki/Abad_Renaisans

http://designergirlee.files.wordpress.com/2011/02/mosaic-circulation-symbol.jpg